Au cours de l’été 2026, la maison de vente aux enchères Sotheby’s présentera à Londres la collection Lewis, un ensemble d’œuvres d’art moderne dont l ’estimation totale avoisine les 200 millions de livres sterling, soit environ 231 millions d’euros. Il s’agit de la collection la plus précieuse jamais vendue aux enchères en Europe par un seul particulier. La vente rassemblera des œuvres de certains des protagonistes les plus connus de la peinture figurative européenne entre la fin du XIXe et le XXe siècle. L’initiative comprend une phase d’exposition à New York suivie de la vente aux enchères à Londres.
Une sélection d’œuvres a été exposée entre le 2 et le 18 mai 2026 au Breuer Building de New York, le siège historique de Sotheby’s dans la ville américaine, et le voyage continue maintenant avec le déménagement à Londres, où la collection sera présentée au public du 10 au 23 juin dans une exposition au siège londonien de la maison de vente aux enchères. L’exposition rassemblera un noyau d’œuvres considérées comme les plus représentatives de la peinture figurative moderne.
La phase finale de la transaction se déroulera en deux rendez-vous distincts. La vente est prévue pour le 24 juin 2026, avec la vente aux enchères intitulée Chefs-d’œuvre de la collection Lewis, et pour le 25 juin avec la vente aux enchères des jours modernes comprenant des chefs-d’œuvre de la collection Lewis, dans la salle de New Bond Street à Londres.
Le cœur de la collection Lewis comprend des œuvres de figures centrales de l’art moderne européen. Parmi les artistes représentés figurent Gustav Klimt, Egon Schiele, Amedeo Modigliani, Francis Bacon, Gustave Caillebotte, Lucian Freud, Chaïm Soutine et Pablo Picasso. La sélection comprend également des œuvres d’Henri Matisse, de René Magritte, d’Edgar Degas, d’Henri de Toulouse-Lautrec et de Marc Chagall, traçant un chemin à travers les différentes déclinaisons de la figuration entre le 19e et le 20e siècle.
Parmi les lots les plus remarquables figure Petite danseuse de quatorze ans d’Edgar Degas, dont l’estimation se situe entre 18 et 25 millions de livres sterling (environ 21 à 29 millions d’euros). Présentée pour la première fois à la Sixième exposition impressionniste en 1881, cette sculpture en cire a suscité un grand intérêt et une controverse immédiate à l’époque, devenant l’une des œuvres les plus connues de l’artiste et un point de repère de la sculpture moderne d’aujourd’hui. Son rendu réaliste et sa présence presque dérangeante ont exercé une influence majeure sur l’évolution de la sculpture de la fin du XIXe siècle à nos jours, culminant avec des œuvres telles que celles de Picasso, Brancusi et Louise Bourgeois, qui ont réinterprété la tridimensionnalité d’une manière innovante.
Parmi les œuvres mises en vente figure le tableau de Gustav Klimt, Bildnis Gertrud Loew (Gertha Felsőványi), peint en 1902 et estimé entre 20 et 30 millions de livres sterling, soit environ 23 à 34 millions d’euros. L’œuvre, liée au contexte de la Vienne du début du XXe siècle, représente l’une des rares occasions où un portrait en pied de l’artiste apparaît sur le marché. Sa provenance est complexe et traverse les événements historiques de la famille représentée, avec des passages liés aux confiscations pendant la période nationale-socialiste et des accords ultérieurs entre les héritiers et les institutions impliquées dans la reconstruction du domaine.
L’œuvre Two Studies for Self-Portrait de Francis Bacon, datant de 1977, est estimée entre 8 et 12 millions de livres sterling (environ 9 à 14 millions d’euros). Le tableau fait partie de la phase qui a suivi la mort de George Dyer et reflète une période d’intense production autoréflexive. L’œuvre présente une double image de l’artiste, construite à partir de déformations et de fondus de couleurs qui accentuent la dimension psychologique du sujet.
Elle est suivie de La Belle promenade de René Magritte, estimée entre 3 et 4 millions de livres sterling (environ 3,5-4,6 millions d’euros), une œuvre dans laquelle la figure de l’homme au chapeau melon devient le vecteur d’une réflexion sur la relation entre le visible et l’invisible. Faisant partie d’une série commencée dans les années 1960, dans laquelle la silhouette du personnage est remplie d’images apparemment déconnectées telles que des ciels ou des paysages, l’œuvre juxtapose des éléments quotidiens et des contextes incongrus pour remettre en question les significations habituellement attribuées aux images.
Egalement présent, Nu assis au collier d’Amedeo Modigliani, avec estimation sur demande. Réalisé à un moment d’intense créativité à Paris, dans le quartier de Montparnasse, pendant les années de la Première Guerre mondiale, le tableau appartient au noyau des célèbres nus de l’artiste, parmi les œuvres qui ont défini sa fortune critique. La figure féminine, traitée selon une synthèse formelle désormais pleinement mature, s’inscrit dans une recherche qui, tout en reprenant la tradition du nu occidental, en retravaille profondément les codes, contribuant à une nouvelle définition du sujet au XXe siècle. La réalisation de ces œuvres marque une étape décisive dans la réception de l’œuvre de Modigliani, entre continuité de la tradition et rupture moderniste.
Vient ensuite Sleeping by the Lion Carpet de Lucian Freud, estimé entre 25 et 35 millions de livres sterling (environ 29-41 millions d’euros). Considérée comme l’une des œuvres les plus importantes de la production tardive de l’artiste, cette œuvre représente l’aboutissement le plus abouti de sa longue recherche sur le nu. Le tableau représente Sue Tilley, l’un des modèles les plus connus de Freud, et se caractérise par un rendu extrêmement analytique de la figure humaine, construit à partir d’une observation minutieuse et d’une définition méticuleuse des surfaces corporelles. Réalisée sur une période d’environ neuf mois entre 1995 et 1996, l’œuvre fait partie de la dernière phase de la série de grands nus consacrés au même modèle, considérée comme l’un des résultats les plus importants de sa production.
Stillleben mit Grammophon und Schwertlilien de Max Beckmann, réalisée en 1924 et faisant référence à la phase de formation de l’artiste à Francfort, est également incluse, avec une estimation comprise entre 3 et 4 millions de livres sterling (environ 3,5 à 4,6 millions d’euros). L’œuvre se situe dans la production de natures mortes allégoriques développée par l’artiste à partir des années 1920, dans une phase transitoire de ses recherches. Le tableau reflète l’intérêt pour une construction symbolique de l’image typique de la Neue Sachlichkeit, dans laquelle la rigueur de la composition et la superposition de références personnelles et mythologiques contribuent à la définition de la condition moderne d’après-guerre.
L’exposition présente également le Buste de femme de Pablo Picasso, daté de 1938 et estimé entre 12 et 18 millions de livres sterling (environ 13,9-20,9 millions d’euros). Ce portrait, dédié à Dora Maar, s’inscrit dans le long cycle d’œuvres que l’artiste a réalisé dans les années 1930 et 1940 autour de la figure de sa compagne. L’œuvre reflète la complexité de leur relation et la transformation progressive du portrait en un champ d’expérimentation formelle et psychologique. Dans cette phase, Dora Maar est devenue l’une des principales références de la recherche picturale de Picasso, dans un processus continu de réinterprétation de l’image féminine.
Vient ensuite lePortrait de Paul Hugot de Gustave Caillebotte, estimé entre 3,5 et 4,5 millions de livres sterling (environ 4 à 5 millions d’euros). Le tableau, présenté à la Cinquième exposition impressionniste en 1880, documente la relation entre l’artiste et l’un de ses principaux soutiens, tout en mettant en évidence la rigueur de la composition et la construction spatiale typiques de sa production. La sélectioncomprend également un Portrait de garçon en bleu de Chaïm Soutine, daté d’environ 1928, estimé entre 1,8 et 2,5 millions de livres sterling (environ 2,1 à 2,9 millions d’euros). L’œuvre provient de la collection Castaing et est liée au réseau de relations qui a soutenu l’artiste à Paris dans les années 1930.
L’exposition présente également le Portrait de Dora Maar (Dora Maar à la coiffe) de 1936 de Pablo Picasso, estimé entre 600 000 et 800 000 livres ster ling (environ 695 000-925 000 euros), exécuté sur papier, qui s’inscrit dans la période des relations entre l’artiste et la photographe et intellectuelle française.
La gouache Tête de paysan de Kazimir Malevitch, datant de 1911, est également incluse, avec une estimation comprise entre 1,5 et 2 millions de livres sterling (environ 1,7-2,3 millions d’euros). L’œuvre appartient à la phase primitiviste de l’artiste et fait partie du cycle consacré à la vie paysanne russe, l’un des premiers moments de sa recherche et un passage fondamental vers les mouvements d’avant-garde du début du XXe siècle. L’œuvre reflète une représentation synthétique et simplifiée de la figure, développée dans le contexte de la forte transformation culturelle de la Russie.
Elle fait également suite au dessin d’Henri de Toulouse-Lautrec, Midinettes avec leurs cartons poursuivies par un monsieur, estimé entre 300 000 et 400 000 livres sterling (environ 347 000-463 000 euros). L’œuvre dépeint une scène de la vie urbaine parisienne à la fin du XIXe siècle, en mettant l’accent sur les jeunes femmes travaillant dans l’industrie de la mode et sur les rythmes de la ville moderne. Elle fait partie de la production de l’artiste consacrée au Paris contemporain et aux dynamiques sociales de la vie urbaine en transformation.
La sélection s’achève avec J.Y.M. Seated de Frank Auerbach, réalisée entre 1991 et 1992, estimée entre 400 000 et 600 000 livres sterling (environ 463 000-695 000 euros). L’œuvre appartient au long cycle consacré à Juliet Yardley Mills, modèle récurrent de l’artiste depuis les années 1950. La peinture reflète la continuité d’une relation d’observation développée sur plus de quatre décennies, dans laquelle le portrait devient un processus stratifié de construction de la forme. La surface picturale restitue la dimension temporelle de l’œuvre, fondée sur la réitération du signe et la révision constante de l’image.
La collection, connue sous le nom de The Lewis Collection ou The Lewis Collection, a été constituée au fil des décennies par Joe Lewis et sa fille Vivienne. Le noyau d’œuvres a été largement exposé dans des institutions muséales internationales et, dans plusieurs cas, n’est pas apparu sur le marché pendant de longues périodes ou n’y a jamais été présenté. La sélection reflète une orientation claire vers la peinture figurative moderne, avec un accent sur la représentation du corps humain et son interprétation.
La transaction intervient à un moment de forte activité sur le marché mondial des grandes collections privées. En fait, la maison de vente aux enchères a rappelé que la vente fait suite à des résultats récents qui ont enregistré des valeurs record dans le segment des collections uniques, notamment la vente de la collection Pauline Karpidas, qui a atteint environ 101 millions de livres sterling à Londres. Dans ce contexte, la collection Lewis se présente comme un nouveau test pour le marché des œuvres haut de gamme, avec une estimation qui dépasse largement les résultats précédents.
“Dès le départ, explique le porte-parole de la Lewis Collection, nous avons été attirés par l’art qui reflète ce que signifie être humain : des œuvres qui capturent les personnes qui ont habité le monde de ces artistes - amis, muses, amants et contemporains - mais de manière très différente, capables d’incarner les ambitions et les obsessions de chaque auteur. Nous avons été encouragés de constater que les œuvres de la School of London présentées en mars ont été si bien accueillies, ce qui confirme à la fois un mouvement qui résonne depuis longtemps en nous et le pouvoir durable de la peinture figurative. Avec le groupe qui sera présenté en juin, nous espérons susciter un sentiment de découverte similaire, en incitant une nouvelle génération de collectionneurs à s’intéresser à des œuvres qui ont été pour nous une source de joie et de fascination et qui ont marqué notre collection au fil des ans. Au cours de cette période, nous avons, comme beaucoup de nos collègues collectionneurs, réorganisé et redéfini la collection. Bien que cette vente publique représente une étape importante, notre parcours de collectionneur est loin d’être terminé : nous restons attachés aux peintres contemporains d’avant-garde, dont beaucoup d’œuvres sont influencées par les artistes présentés ici”.
“Joe Lewis a grandi dans le bouillonnement créatif du Londres de l’après-guerre, la ville de Bacon, Freud et Kossoff, où l’École de Londres a d’abord enflammé sa passion de collectionneur”, déclare Oliver Barker, président de Sotheby’s Europe. “Cette première étincelle s’est transformée en un intérêt plus large pour la figuration et, à partir de là, en l’une des plus importantes collections privées d’art moderne au monde, dont les œuvres sont exposées et célébrées dans les musées du monde entier. Aujourd’hui, dans la ville où cette histoire a commencé, c’est un privilège de présenter ces œuvres ensemble comme la plus importante collection privée jamais offerte à Londres. Un véritable moment de clôture du cercle”.
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| Sotheby's vend la collection Lewis, la collection privée la plus précieuse jamais vendue aux enchères en Europe. |
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