Le Baiser de Klimt, l'idylle à laquelle s'abandonnent tendrement deux amoureux

L’un des plus beaux baisers de l’histoire de l’art est certainement celui que Gustav Klimt (Baumgarten, 1862 - Vienne, 1918) a représenté dans le tableau aujourd’hui conservé à l’Österreichische Galerie Belvedere, dans les collections du Haut Belvédère à Vienne. Un baiser qui exprime pleinement l’amour romantique, celui qui fait que deux amoureux ne font qu’un, que le cœur bat plus vite chaque fois que l’un est près de l’autre, que l’on se sent protégé dans les bras de l’être aimé, voire invincible contre tout et tous, y compris les adversités auxquelles la vie nous confronte souvent. Un baiser donné sur la joue et non sur la bouche, mais avec un tel transport et une telle douceur qu’il exprime avec beaucoup d’émotion l’idylle à laquelle s’abandonnent les deux amants. Dans une étreinte purement magique.

Enveloppés d’uneaura dorée dans un lieu abstrait et intemporel, ils se reposent tous deux sur une prairie parsemée de petites fleurs de différentes couleurs, du jaune au bleu en passant par le violet, qui se mêlent au vert de l’herbe tendre. Les chevilles de la femme, qui contrairement à l’homme est agenouillée, semblent presque retenues par des fils d’or qui la maintiennent fermement sur le tapis fleuri, afin qu’elle ne tombe pas dans le précipice qui semble se trouver au-delà de la prairie, et auquel elle semble également s’accrocher avec ses orteils.

Le personnage masculin tend la main pour embrasser la femme, en lui caressant tendrement le visage d’une main, tandis que de l’autre il lui tient la tête, qu’elle tourne vers l’arrière. Il porte une longue tunique dorée qui couvre également ses pieds, décorée de motifs géométriques, en particulier de rectangles plus ou moins larges colorés en noir, gris et blanc, et dans ses cheveux il porte une couronne de lierre, qui fait probablement référence au mythe classique (le lierre était en effet un attribut de Dionysos: la divinité était également invoquée sous le nom de Kissos, nom grec de la plante, puisqu’un mythe raconte qu’un jour Dionysos, abandonné par sa mère Sémélé, se réfugia sous un lierre, tandis qu’un autre raconte que Kissos, un fils de Dionysos, mourut soudainement en dansant devant son père, et que le lierre était un attribut de Dionysos. soudainement en dansant devant son père et que la déesse de la Terre, Gaea, le transforma en lierre par pitié) ; la plante symbolise cependant le lien de l’amour et de la fidélité.

Gustav Klimt

Gustav Klimt, Le

Gustav, Le, détail

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La figure féminine s’abandonne complètement à l’effusion: elle est à genoux, son corps est attaché à celui de son bien-aimé et son visage est entièrement visible pour le spectateur, contrairement à celui de l’homme dont on ne voit que le profil ; elle a les yeux fermés, la tête inclinée vers l’arrière, son bras droit entoure son cou puissant et de sa main gauche elle touche la main de son bien-aimé qui lui caresse le visage. Elle aussi porte une robe dorée, mais décorée de motifs circulaires formant de petites grappes colorées en rouge, violet et bleu, et autour de sa tête de petites fleurs qui semblent être montées, à travers son corps, de la prairie fleurie sur laquelle elle repose. Les fleurs, symbole de fertilité, semblent en fait composer toute la figure de la femme, de bas en haut. Les deux amants présentent des éléments contrastés l ’un par rapport à l’autre: outre, comme nous l’avons vu, le décor des tuniques, on remarque la corpulence de l’homme et le corps svelte de la femme, ses mains noueuses et ses mains fines, sa peau pâle et lumineuse et sa peau plus foncée. Cependant, malgré ces contrastes, les univers masculin et féminin en viennent à s’interpénétrer harmonieusement grâce à la force de l’amour qui unit tout et surmonte toute distinction entre les deux sexes.

Se penchant sur l’un de ses artistes préférés, le neuroscientifique Eric Kandel soutient que Klimt a commencé à introduire des symboles biologiques dans son art: plus précisément, les rectangles symbolisent les spermatozoïdes, tandis que les ovules symbolisent les ovules. On le voit par exemple, selon Kandel, dans Danaé, où parmi la pluie d’or se trouvent des rectangles, tandis que de l’autre côté du tableau se trouvent des formes ovales, qu’il interprète comme des embryons, des ovules fécondés. C’est donc Danaé qui, par sa force générative, engendre la première étape de la vie. Selon le neuroscientifique, le point culminant de ce symbolisme se trouve dans le Baiser. “Klimt intensifie la sensualité du tableau en élargissant l’utilisation de ces symboles au détriment de la décoration réaliste”, écrit Kandel. "Sur les robes des amants, ainsi que sur la surface fleurie, les symboles sont utilisés comme ornementation. Le rectangle que Klimt utilise dans Danaé comme symbole phallique prolifère dans le Baiser sur la tunique de l’homme, tandis que la robe de la femme s’anime de symboles ovales et floraux. Ces deux champs définis de symboles sexuels deviennent une union d’opposés dans la robe dorée vibrante qui est leur point commun. Klimt a également représenté indirectement ici le sentiment érotique puissant et harmonieux".

Le Baiser a été réalisé en 1907-1908, en plein âge d’or de Klimt, une période que l’on peut situer à titre indicatif entre 1901 et 1909 et que l’on appelle ainsi parce qu’elle se caractérise par l’utilisation massive (et le Baiser en est un exemple significatif) de la feuille d’or appliquée sur la toile pour rendre certaines parties de ses œuvres lumineuses et brillantes. Comme l’explique Franz Smola, l’un des plus grands spécialistes de Klimt, le fond du Baiser est en fait constitué de fines feuilles de métal d’une couleur dorée chaude: des recherches techniques récemment effectuées sur le tableau ont montré que toute la surface du fond est recouverte d’une couche de feuilles de laiton, ce que l’on appelle la feuille de métal. L’artiste a appliqué une fine couche de glacis à l’huile sur les surfaces métalliques afin d’en atténuer l’éclat, puis une émulsion d’huile servant de colle, sur laquelle il a ensuite fait tomber des paillettes de feuilles d’or par le haut, en maintenant la toile à plat sur le sol. Il a probablement utilisé une technique propre aux laques japonaises, dans laquelle les paillettes d’or sont soufflées ou tapées sur les surfaces laquées. Les zones du tableau où apparaissent des motifs ornementaux en or brillant, notamment sur les vêtements, ont également été fortement recouvertes de feuilles métalliques. Cela signifie qu’avant de commencer à peindre, Klimt avait déjà planifié avec précision la composition, car à de nombreux endroits, il était nécessaire de respecter les limites délimitées par les surfaces recouvertes de métal. Cette technique particulière utilisant des feuilles d’or et d’autres métaux avec des couleurs à l’huile a été utilisée par l’artiste entre 1901 et 1909 dans environ quinze des cinquante-cinq tableaux exécutés au cours de cette période. Les peintures “or” représentent donc moins d’un quart de la production de Klimt au cours de ces années, et ce sont ces peintures, y compris le Baiser, qui sont considérées comme les plus significatives de l’ensemble de la production de Klimt.

Il convient également de rappeler que le maître de la Sécession viennoise a eu l’occasion de visiter l’Italie à plusieurs reprises et qu’il a notamment séjourné à Ravenne en 1903, dans la ville célèbre pour ses mosaïques byzantines, en étant profondément impressionné et fasciné par ses célèbres monuments. Dans ses récits de voyage, il raconte avoir vu à Ravenne “des mosaïques d’une splendeur inouïe”. Maximilian Lenz, compagnon de voyage de Klimt lors de son périple italien en 1903, note à son arrivée à Ravenne que “pour Klimt, ce fut un moment décisif: les mosaïques dorées et scintillantes des églises de Ravenne firent sur lui une impression incroyable et décisive”. Dès lors, le faste et une certaine opulence rigide entrèrent dans son art riche en sensibilité [...]. Klimt est véritablement ébranlé. Il ne l’a pas extériorisé, mais on le voyait bien". Et ce sont les mosaïques de Ravenne qui ont probablement inspiré les tuniques dorées et décorées des deux amants.

L’espace où le couple se livre au baiser romantique, au centre d’une place parfaite, sur une prairie fleurie, dans uneatmosphère idyllique peut aussi être considéré comme un hortus conclusus où éros et mythe s’interpénètrent. Mais la présence de la prairie fleurie fait aussi penser à la rive d’un lac, l’Attersee, où Klimt et sa muse et amie intime Emilie Flöge ( Vienne, 1874 - 1952) se rendaient vraiment ensemble chaque été. Même les fils d’or qui entourent les chevilles de la femme dans le tableau ont été considérés comme des algues, et le fond doré comme l’eau du lac.

Même l’identification des deux personnages n’est pas certaine, bien que de nombreux spécialistes et historiens de l’art s’accordent à dire que la femme agenouillée dans les bras de l’homme est bien Émilie, avec qui Klimt a entretenu la plus longue et la plus sincère relation d’amitié (et probablement aussi d’amour) de sa vie. Outre l’affection qu’ils se portaient l’un à l’autre, ils s’estimaient mutuellement dans leur travail: Emilie aimait la façon dont Gustav peignait (le Portrait d’Emilie Flöge, aujourd’hui conservé au musée de Vienne, date de 1902-1903), tandis qu’il était fasciné par son sens de l’entreprise dans l’industrie de la mode. D’ailleurs, les tuniques qu’Emilie portait rappellent celles des deux protagonistes du Baiser. Créatrice de mode peu conventionnelle pour l’époque, puisqu’elle délaisse les corsets au profit de robes plus confortables et amples , ornées d’imprimés floraux et d’éléments géométriques, elle fonde à Vienne en 1904, avec ses deux sœurs Pauline et Hélène, le salon Schwestern Flöge, véritable atelier de haute couture fréquenté par lagrande bourgeoisie de la capitale autrichienne.

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Le thème du couple d’amants s’embrassant n’est pas seulement représenté dans le Baiser, mais aussi dans d’autres œuvres. Le thème du couple d’amoureux s’embrassant n’est pas seulement représenté dans le Baiser, mais aussi dans d’autres œuvres célèbres de Klimt, comme l’Étreinte pour la frise en mosaïque du Palais Stoclet à Bruxelles, dans laquelle la femme s’abandonne également dans les bras de l’homme et où l’on peut observer un fort décorativisme tant dans les vêtements que dans l’arrière-plan, et dans la Frise Beethoven, dans la partie intitulée Ce baiser au monde entier, où un homme et une femme nus s’embrassent dans une forte étreinte atteignant le bonheur absolu, l’amour absolu.

Le Baiser a été exposé pour la première fois au Kunstschau de Vienne en 1908, constituant l’une des pièces maîtresses du grand projet d’exposition organisé par le groupe Klimt. Il était exposé dans une salle, avec un autre de ses chefs-d’œuvre, Les trois âges de la femme, aménagée par Koloman Moser , qui abritait seize tableaux de Klimt et que l’écrivain Peter Altenberg a appelé “le temple érigé par Gustav Klimt à l’art moderne”. Le ministère de l’Éducation a acheté le Kiss au nom de la Moderne Galerie pour 25 000 couronnes, et avant de livrer le tableau à l’été 1909, Klimt a apporté des modifications mineures parce qu’il n’était pas pleinement satisfait de son travail. Jusqu’en 1911, l’œuvre s’intitulait également Coppia di amanti (Couple d’amoureux): c’est en effet dans le catalogue en italien de l’Exposition internationale des beaux-arts de Rome, qui s’est tenue en 1911, que le tableau est apparu pour la première fois sous le nom de Baiser, et c’est ainsi qu’il sera appelé à partir de cette date. Aujourd’hui, le Baiser est l’une des œuvres les plus emblématiques de l’histoire de l’art, à tel point qu’il est également reproduit sur des objets du quotidien. Un chef-d’œuvre qui enchante et que tout le monde aime aujourd’hui.

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