Le projet global. Une brève histoire du dialogue entre l'art et le design

Parler des relations entre artistes et designers est à la fois facile et complexe. Il existe de nombreux exemples italiens et internationaux, et maintenant même les manuels d’histoire du design ont commencé à tracer leurs voies et à explorer leurs implications. Notre idée, toute italienne, selon laquelle il existe un art avec un “a” majuscule et un type d’expression culturelle qui, à partir du design, n’a pour objectif que la production industrielle à grande échelle, est une attitude moraliste et provinciale qui n’a pas d’équivalent, j’oserais le dire, ailleurs dans le monde. Je dis moraliste parce qu’elle est liée à la relation entre la créativité et le marché (une chose considérée comme inconvenante et vaguement immorale), comme si l’art capitaliste ne vivait pas du marché, mais seulement de l’air et de l’intuition. La perte d’aura décrite par Walter Benjamin remonte aux années 30 et concerne également le rapport entre l’art et la photographie, l’art et le cinéma, précisément en raison de la reproductibilité du support mécanique et de la perception du spectateur par rapport, par exemple, à une peinture sur toile. Il est mort bien avant l’émergence de phénomènes explosifs, comme le Pop Art par exemple, qui a emprunté des voies inattendues et a donné naissance à un langage dans lequel le mot pop peut être étendu à tout, tout comme on peut dire d’un film qu’il est “fellinien”, et nous comprenons tous ce que l’on veut dire.

Mais nous avons eu Leon Battista Alberti et ses “catégories” et nous n’avons pas beaucoup réformé à partir de là. En revanche, l’invention, au XIXe siècle, de l’Arts & Crafts est née en Angleterre d’un brillant William Morris et de ses compagnons de route, les préraphaélites, que nous avons longtemps méprisés, considérés comme des artistes “mineurs”, des artistes de niche, comme on dit. M. Morris pensait en effet à un art qui investissait l’univers culturel et social dans toutes ses déclinaisons (comme ce fut le cas, bien que de manière différente, dans le plus célèbre Bauhaus où il y avait aussi des maîtres comme Kandinsky et Klee), mais il essayait de contrecarrer un développement de l’industrialisation lancé vers des objectifs de nivellement économique et productif, comme on le sait, pour élargir le marché aux demandes des masses.

Bien sûr, le concept de design en était encore à ses balbutiements, et l’artisanat était l’expérience qui avait survécu à la boulimie croissante des chaînes de montage dans les usines. Mais si design signifie projet, alors les choses et les phénomènes doivent être vus d’une manière différente, plus large et plus transversale.

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Les artistes ont toujours créé leurs propres dessins, réalisé des gravures “en série” à part entière, et il semble que Dürer ait également créé des bijoux, sans parler de Leonardo, qui organisait des fêtes à thème pour le roi de France, et on ne peut manquer de mentionner, bien plus tard, les époux Delaunay, et surtout Sonya, “créatrice de tableaux, de papiers peints et de vêtements”. En parlant de vêtements, je pense à la collaboration d’Elsa Schiaparelli, la rivale de Coco Chanel, avec Salvador Dalí et Jean Cocteau. En résumé, je veux dire que les artistes sont des artistes, et que les plus expérimentaux d’entre eux ont embrassé librement différentes techniques et artefacts, au nom du design et de la liberté de pensée. Le binôme art/vie n’est pas l’héritage de la recherche des années 60, mais remonte à bien plus loin et renvoie à des valeurs culturelles, sociales, politiques au sens général. L’idéologie du futurisme n’est-elle pas une idéologie qui embrasse tout et tout le monde et qui déclare sa pensée d’avant-garde même dans une robe anti-neutre dessinée par le peintre Giacomo Balla ? Fortunato Depero n’a-t-il pas créé, en plus de la peinture, des écrans, des jouets, des chaises, précisément au nom de cette idée utopique d’une œuvre d’art totale ?

En ce qui concerne le design, il faut dire que le très jeune Bruno Munari s’est approché de la poétique du futurisme pour ensuite s’en détacher et emprunter d’autres voies comme celle du mouvement de l’art concret, en compagnie d’un Gillo Dorfles qui, à son tour, deviendra un célèbre critique d’art au niveau international. Bruno Munari est celui qui incarne le mieux l’esprit éclectique qui fait de lui un designer parfaitement intégré au monde de la production industrielle, mais c’est aussi celui qui donne vie aux Machines Inutiles, et c’est encore celui qui s’adresse au monde de l’enfance en créant les Prelibri sur les conseils de Gianni Rodari.

Aujourd’hui, le design, c’est aussi l’architecture d’intérieur, l’architecture du territoire, l’architecture de la lumière, l’architecture de l’habillage, l’architecture graphique, l’architecture urbaine et bien d’autres choses encore. Les artistes ont regardé vers le design et les designers ont expiré vers l’art, chacun selon son air du temps.

Les deux familles restent la recherche minimale et la recherche pop et se sont alternées au cours des décennies alors qu’aujourd’hui, elles coexistent dans le monde globalisé sans se gêner l’une l’autre, ainsi Bolidismo a dans la figure de Massimo Iosa Ghini, un architecte designer idéalement né d’une affinité avec le Futurisme, comme il le déclare lui-même, et Gufram continue à produire le canapé Bocca de Studio 65, créé au début des années 1970, inspiré par le portrait de Mae West par Savador Dali (dont il faut se souvenir non seulement comme peintre, mais aussi comme sculpteur, cinéaste, scénariste, photographe et designer) qui, pour sa part, avait créé des objets et des meubles surréalistes dans la chambre même de Mae West, comme le Téléphone Homard.

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Une autre artiste, Meret Oppenheim, avait conçu en 1939 la table d’appoint Traccia, avec des pieds en forme de pattes d’oiseau, rééditée dans les années 1970 pour la collection Ultramobile commandée par l’entrepreneur bolonais Dino Gavina. L’un des artistes minimalistes les plus importants, Donald Judd, a inspiré de nombreux designers, dont Ron Arad et son Bookworm dans les années 1990, sans oublier le meuble TV de Stefano Giannoni en 1990, qui s’inspire de l’icône-logo inimitable de Donald Judd.de Stefano Giannoni, qui s’inspire de l’incontournable icône-logo de Robert Indiana, Love, des années 1960, ainsi que Tejo Remy, avec sa Rag Chair, qui affiche une affinité évidente avec la Vénus de chiffons de Michelangelo Pistoletto, et recycle des matériaux naturels au nom du design durable. En ce sens, on ne peut s’empêcher de comparer l’œuvre Tree - Trunk - Bench (1999) de Jurgen Bey avec certaines œuvres de Giuseppe Penone. En outre, le célèbre Ingo Maurer, avec son système Ya Ya Ho, fait clairement référence à Calder et à ses sculptures suspendues.

Avec l’utilisation pop du plastique, ou plutôt des plastiques, voici les installations de Gino Marotta et les Sicofoils de Carla Accardi. Le MOMA de New York, temple de l’art moderne et contemporain, a accueilli en 1972 la première exposition sur le design italien, intitulée Italy, The New Domestic Landscape. Le musée, pionnier en la matière, possède sa propre section dédiée au design.

Le manifeste de ce que j’ai exposé jusqu’à présent reste la chaise de Gerrit Rietveld qui rend hommage à Piet Mondrian, en 1921, ce même Mondrian qui devient le motif d’une célèbre robe créée par Yves Saint Laurent, styliste et collectionneur d’art.

Il y a des figures plus complexes que d’autres dans le monde de l’art, Yayoi Kusama et son univers de pois, de pois interactifs et de pois présents dans la dernière campagne publicitaire de Louis Vuitton. Je pose la question de manière provocatrice: Kusama est-elle une artiste - artiste, décoratrice d’intérieur, marque de mode ? Artiste tout court.

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