Petit-déjeuner en fourrure": la tasse de thé surréaliste qui a secoué le monde de l'art

Avez-vous déjà entendu parler de Meret Oppenheim et de sa tasse à thé surréaliste? Nina Martyris a raconté l’histoire de cette œuvre particulière dans cet article et Ilaria l’a traduit pour vous ! Voici le lien vers l’original.

Le monde de l’art célèbre le centenaire de la naissance du dadaïsme ; il est intéressant de se demander comment ce mouvement “anti-artistique”, né dans un café de Zurich pendant la Première Guerre mondiale, a donné naissance à une œuvre d’art emblématique en utilisant le plus simple des objets de la vaisselle: la tasse à thé.

En 1936, une artiste suisse de vingt-trois ans, Meret Oppenheim, achète dans un grand magasin parisien une tasse à thé avec soucoupe et cuillère et la recouvre de la fourrure marron-crème claire d’une gazelle chinoise. Son petit objet en fourrure est devenu un exemple flagrant d’artefact surréaliste, un mouvement artistique né des entrailles flamboyantes du dadaïsme. L’intérêt de cette œuvre tient en partie à la discussion qui a conduit à sa création. Un jour de 1936, Oppenheim rencontre Pablo Picasso et sa nouvelle amoureuse Dora Maar, des amis à lui, au Café de Flore, le café parisien à la mode que fréquentent habituellement les artistes. Belle, intelligente et farouchement indépendante, Oppenheim vit à Paris depuis quatre ans. Elle parvient à peine à vendre ses œuvres, mais gagne modestement sa vie en créant des bijoux et des accessoires pour la créatrice de mode Elsa Schiaparelli, précurseur connue pour ses chapeaux en forme de chaussure et ses sacs en forme de téléphone. Dans un décor surréaliste, Oppenheim avait posé nu pour Man Ray et venait de mettre fin à une liaison enflammée d’un an avec le peintre allemand Max Ernst, qui s’était brusquement terminée au cours d’un déjeuner dans un café.

Man Ray, Erotique voilée - Meret Oppenheim à la presse (1933 ; gélatino-argentique sur papier, 37,5 x 26,6 cm ; Madrid, Museo Reina Sofía, copie posthume imprimée en 1982).

Les cafés joueront un rôle important dans sa vie. On raconte qu’au Café de Flore, Picasso commenta le bracelet d’Oppenheim, un grand bracelet en laiton recouvert de fourrure d’ocelot, qu’il avait dessiné l’année précédente pour Schiaparelli. Picasso a déclaré que tout pouvait être recouvert de fourrure. Même cette soucoupe et cette tasse“, répondit Oppenheim. Aussi, lorsqu’il s’aperçut que son thé refroidissait, elle demanda en plaisantant au serveur ”un peu plus de fourrure" pour couvrir sa tasse. Peu après, Oppenheim se rendit au grand magasin où elle allait faire les achats les plus célèbres de sa carrière. Dans son atelier, elle recouvre astucieusement les objets de manière à ce que le brun clair forme une bordure sombre autour du bord extérieur de la tasse à thé, la coordonnant avec la soucoupe, tandis que le corps de la tasse est de couleur crème.

André Breton, le fondateur du surréalisme, est enchanté. C’est une œuvre d’art qui correspond parfaitement à son affirmation: “La beauté sera convulsive ou ne sera pas”. Il l’intitule “Le déjeuner en fourrure” et l’expose cette année-là lors de la première exposition surréaliste consacrée aux objets.

Meret Oppenheim, Object or Breakfast in Fur (1936 ; tasse - diamètre 10,9 cm, soucoupe - diamètre 23,7 cm, cuillère à café - longueur 20,2 cm et fourrure ; New York, MoMA Museum of Modern Art).

Dès sa présentation, l’objet devient le réceptacle de toutes sortes de théories, de peurs et de désirs. À l’époque de Freud, une interprétation gastro-sexuelle était inévitable: la cuillère à café était phallique, la tasse vaginale, le poil pubien. Pour certains, la cuillère à café en forme de langue rappelait les sensations désagréables d’une langue poilue. D’autres se sentaient mal à l’aise de voir un bel objet de thé transformé en quelque chose de décadent et d’animal ; certains vomissaient à l’idée de mettre des cheveux ou des feuilles de thé mouillés dans leur bouche, d’autres voulaient les caresser.

L’ami et mentor d’Oppenheim, Marcel Duchamp, était parvenu à un résultat similaire en 1919, en dessinant une moustache et une barbe noires sur le visage lisse de la Joconde, sur une carte postale illustrée. Mais alors que ses ajouts poilus avaient un effet comique, ceux d’Oppenheim étaient plus horribles, plus sanglants.

Alfred J. Barr Jr, le jeune directeur du nouveau Musée d’art moderne de New York, est l’un des plus impressionnés. Lorsque Oppenheim exprima son intention de vendre l’œuvre pour mille francs français, il lui en offrit plus ou moins la moitié, soit 50 dollars, et elle accepta. Comme il s’agissait de la première œuvre d’une femme achetée par le musée, Oppenheim fut surnommée en plaisantant la première dame du MoMA.

Pour elle, ce succès inattendu a eu des résultats mitigés. Selon sa nièce Lisa Wenger, la coupe de fourrure est devenue “sa prison”. L’année suivante, à court d’argent - 50 dollars n’ont pas duré longtemps - et face à la montée du nazisme, Oppenheim retourne en Suisse. “Elle vit à Bâle, elle déteste ça”, a déclaré Mme Wenger lors d’une conférence qu’elle a donnée à Art Basel en 2013. “Comparée à Paris, elle est petite et conventionnelle ; les gens pensent qu’elle est étrange parce qu’elle porte un bas vert et un bas rouge.”

Ce fut le début d’une longue dépression qui a duré 17 ans, selon Wenger. Oppenheim était de toute façon vulnérable aux crises d’angoisse et de mélancolie, et l’année précédant la création de sa coupe de fourrure, son père médecin l’envoya consulter le grand Carl Jung. Selon lui, comme il l’écrivit à son père, Oppenheim reflétait la “désorientation juvénile de notre époque” et ne présentait “aucune complication névrotique”.

Faisant partie de la collection permanente du MoMA, l’ensemble poilu d’Oppenheim - même si elle perd ses cheveux - continue de susciter des réactions aussi intenses que celles déclenchées les années précédentes à Paris.

Comme l’écrit le critique d’art Will Gompertz dans son livre “What are we looking at” (2012), “deux matériaux incompatibles ont été assemblés pour créer un vaisseau malaisé. La fourrure est agréable au toucher, mais dégoûtante lorsqu’elle repose sur la bouche. Vous aimeriez boire dans la tasse et manger dans la cuillère - c’est leur fonction - mais la sensation de la fourrure est révoltante. C’est exaspérant”.

Au MoMA, l’œuvre est connue sous le titre sans fioritures qu’Oppenheim lui a donné: “Objet”, et non “Breakfast in Fur”, le nom sensuel que Breton a choisi. Son idée était de faire référence non seulement au célèbre tableau d’Edouard Manet “Le déjeuner sur l’herbe”, mais aussi, plus astucieusement, à “Venus in Furs”, le roman sadomasochiste de 1870 de l’écrivain autrichien Leopold von Sacher-Masoch (son nom de famille est la racine de “masochiste”).

Oppenheim, qui n’était pas du tout prude, a affirmé qu’elle n’avait pas de fouet ou de chaîne à l’esprit lorsqu’elle a habillé ses objets de thé. Heureusement, “Object” n’a pas été conçu dans le présent. Sinon, il aurait pu s’appeler “Cinquante nuances d’Earl Grey”.

Avertissement : la traduction en anglais de l'article italien original a été réalisée à l'aide d'outils automatiques. Nous nous engageons à réviser tous les articles, mais nous ne garantissons pas l'absence totale d'inexactitudes dans la traduction dues au programme. Vous pouvez trouver l'original en cliquant sur le bouton ITA. Si vous trouvez une erreur,veuillez nous contacter.