Sanyu: histoire et tribulations du Matisse chinois

“Au cours des deux dernières décennies, Sanyu est devenu l’un des maîtres de l’art moderne chinois. Ses peintures, qui attiraient autrefois des collectionneurs principalement à Taïwan, ont maintenant conquis un large éventail de collectionneurs dans toute l’Asie. Malheureusement, l’intérêt pour ses peintures en tant qu’investissement financier viable est devenu disproportionné par rapport à l’appréciation esthétique, sans parler de la curiosité pour l’environnement historique et social qui a servi de toile de fond à sa créativité. Bien que de plus en plus de musées et de chercheurs s’intéressent à l’art moderne chinois du début du XXe siècle, très négligé mais historiquement essentiel, la plupart d’entre eux se concentrent sur les artistes qui sont rentrés en Chine pour partager ce qu’ils avaient appris, ou sur ceux qui sont restés en Occident où ils ont atteint un certain niveau de réussite. Sanyu n’entre dans aucune de ces catégories. Hormis le fait que ses œuvres, après sa disparition, ont été vendues à des prix élevés lors de ventes aux enchères”. C’est ce que l’on peut lire dans l’introduction du catalogue raisonné de l’œuvre de Sanyu (Chang Yu ; Nanchong, 1895 - Paris, 1966), publié en 2001 par les Presses de l’Université de Washington, et fruit d’années d’études et de recherches menées par Rita Wong, figure très pertinente dans le domaine des ventes aux enchères et en même temps l’une des plus grandes expertes de Sanyu.

C’est à elle que l’on doit la reconstitution de l’œuvre de l’artiste chinois connu sous le nom de “Matisse oriental”, qui a été très prisé lors des ventes aux enchères de Sotheby’ s et Christie ’s ces dernières années et qui est particulièrement recherché par les collectionneurs chinois: Ses œuvres ont atteint des sommes exorbitantes et son nom est revenu sur le devant de la scène dans les années 1980 et 1990, notamment grâce au travail de promotion de plusieurs galeries taïwanaises telles que la Lin & Keng Gallery, le Dimension Art Center et la Tina Keng Gallery. En 2019, à Hong Kong, Nu (1965), la dernière peinture de nu de Sanyu, a été vendue aux enchères pour 25,24 millions d’USD chez Sotheby’s, tandis que Cinq Nus (1950-1959) a été vendue pour 38,72 millions d’USD. a été vendue pour 38,72 millions USD chez Christie’s, puis en 2020 Fleurs dans un pot bleu et blanc (1950) pour 25,5 millions USD, et en 2021 Nu avec un pékinois pour 13,5 millions USD, également chez Sotheby’s.

Avant d’aborder l’œuvre de l’artiste, il convient de se pencher sur sa biographie. Sanyu (ou Chang Yu) est né à Nanchong, dans la province du Sichuan, en 1895, dans une famille aisée qui possédait l’une des plus grandes usines de soie, dirigée par son frère Chang Junmin, de trente-sept ans son aîné. Dès son plus jeune âge, Sanyu révèle un penchant naturel pour l’art, qu’il cultive en prenant des cours de calligraphie auprès du maître Zhao Xi et des cours de dessin auprès de son père, peintre émérite. En 1921, après un séjour au Japon et à Shanghai, alors que la Chine traverse de grandes difficultés sous la férule des “seigneurs de la guerre” de Beiyang, Sanyu, âgé d’à peine 19 ans, grâce à un programme d’alternance parrainé par le gouvernement et organisé par Cai Yuanpei, recteur de l’université de Pékin, fait partie des premiers artistes chinois à se rendre en France, à Paris. Il y rencontre d’autres étudiants en art, comme Xu Beihong (qui deviendra l’une des références de l’académisme en Chine) et l’épouse de ce dernier, Jiang Biwei, avec qui il se lie d’amitié et décide de s’installer dans le Berlin moins cher où, avec d’autres créateurs, il fonde un club culinaire, négligeant son activité artistique. De cette période, il ne reste que deux œuvres peintes au pinceau et à l’encre dans un style traditionnel: Pivoines et Paysage avec saules.

Après deux années passées dans la capitale allemande, Sanyu décide de revenir à Paris pour suivre les cours de l’Académie de la Grande Chaumière, moins traditionnelle que l’École nationale supérieure des beaux-arts, plus renommée: dans un climat de liberté et d’expérimentation sans rapport avec la réalité fermée dont il est issu, le jeune homme peut s’essayer aux techniques de la peinture occidentale et à l’étude du nu grâce à des cours avec des modèles grandeur nature. Il existe environ 2 000 de ces dessins, la plupart exécutés à l’encre de Chine et au pinceau. C’est au cours de ces leçons qu’il rencontre celle qui deviendra son épouse, Marcelle Charlotte Guyot de la Hardrouyère, une jeune femme d’une vingtaine d’années, fascinée par son talent.

L’Académie de la Grande Chaumière est située dans un centre névralgique de la vie et de la culture, en plein cœur de Montparnasse, à proximité de nombreux cafés et lieux de rencontre d’artistes et d’intellectuels tels que La Coupole, Le Dôme, La Closerie des Lilas. Chagall, Zadkine, Soutine, Foujita, pour n’en citer que quelques-uns, et, peu avant sa mort prématurée, Amedeo Modigliani y ont également vécu. Cet environnement est une source d’inspiration permanente pour le jeune Sanyu qui, fasciné par les scènes de la vie quotidienne et les personnes d’ethnies différentes et donc exotiques, passe des heures à dessiner sur des sets de table en papier, sans se soucier de la survie quotidienne, sachant que son frère est prêt à subvenir à ses besoins. C’est dans ce contexte qu’il rencontre Alberto Giacometti et qu’il se fait tirer le portrait par Pablo Picasso, dont il est un grand admirateur.

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En 1929, il rencontre Henri-Pierre Roché, l’auteur bien connu de Jules et Jime et de Les deux anglaises et le continent, ainsi qu’un collectionneur et marchand d’art actif, adepte de la découverte de talents. Il avait présenté Picasso à Leo et Gertrude Stein et était ami avec Georges Braque, Marcel Duchamp et Constantin Brancusi. Bien que Sanyu ait toujours été réticent à traiter avec les marchands d’art par le passé, préférant même offrir ses œuvres en cadeau, pour se soulager des soucis matériels qu’il connaît à l’époque, l’aide de son frère devenant irrégulière, il accepte de travailler avec Roché. En 1931, le mécène lui achète 111 peintures et environ 600 dessins et l’encourage à expérimenter l’imprimerie, moins coûteuse et susceptible de toucher un public plus large. Sanyu s’essaie d’abord à la pointe sèche avec pour résultat de petites œuvres veloutées et raffinées, puis à lagravure sur linoléum, anticipant de quelques années Picasso et Matisse, procédé qui lui permet de travailler sur un grand format. Toujours en 1929, il commence à peindre à l’huile, une technique qui l’accompagnera constamment tout au long des années 1930, comme en témoignent les œuvres exposées au Salon des Tuileries où il a pu participer en tant qu’unique artiste chinois. Entre 1930 et 1932, Sanyu connaît une période sombre marquée par la mort de son frère et le manque de soutien financier qui en découle, son divorce d’avec sa femme qui l’accuse d’infidélité, ainsi que sa rupture avec Roché. Ce dernier, malgré tout, ne se séparera jamais de sa collection: l’ensemble du lot sera vendu aux enchères en 1966 par la veuve de Roché et racheté par Claude Riedel.

Mais c’est aussi à cette époque qu’il se lie d’amitié avec le compositeur néerlandais Johan Franco, descendant de la famille Van Gogh, qui non seulement soutient et promeut son œuvre auprès de parents fortunés, mais organise aussi plusieurs expositions en Hollande. Il est si proche de l’artiste qu’il inscrit dans son testament qu’il lui versera une rente de 500 francs dans les trois mois suivant sa mort. Bien qu’il ait participé à plusieurs expositions au Salon d’Automne, au Salon des Indépendants et au Salon des Tuileries et qu’il ait eu de son côté l’estime de plusieurs confrères artistes qui lui témoignaient une grande admiration, le reconnaissant comme un précurseur de l’ art chinois moderne (Pang Xun), l’artiste n’a jamais été considéré comme un artiste à part entière, mais comme un artiste à part entière.(Pang Xunqin l’invite à rejoindre la Storm Society, groupe artistique né à Shanghai, et Xu Beihong l’intègre dans une grande exposition collective au Musée national d’art étranger et contemporain - Jeau de Paume de Tuileries), son art peine à décoller.

Sanyu décide alors de se réinventer en imaginant un nouveau sport: le ping-tennis, un hybride des deux disciplines où l’on joue sur un petit terrain de squash muni d’un filet, avec des raquettes semblables à celles du badminton et une grosse balle de ping-tennis de table. Enthousiasmé par son invention, il se rendit à Berlin aux Jeux olympiques de 1936 pour rencontrer le champion de tennis Gottfried von Cramm afin de l’impliquer dans la diffusion de ce nouveau sport, malheureusement sans grand résultat.

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À la fin des années 1930 et au début des années 1940, alors que la Seconde Guerre mondiale fait rage et qu’il manque totalement de moyens financiers, au point d’être contraint de réaliser des sculptures avec des matériaux de mauvaise qualité comme le plâtre et la peinture, Sanyu part pour New York, bien décidé à promouvoir son sport et à rejoindre le tennisman Von Camm, qui s’est entre-temps installé aux États-Unis après avoir épousé une riche héritière américaine, afin d’obtenir peut-être un soutien, mais en vain. Entre-temps, le destin a voulu que le célèbre photographe Robert Frank soit intéressé par un échange: il s’envolerait pour Paris et Sanyu occuperait son espace à New York. Par une série de coïncidences, Frank n’est pas parti et les deux artistes se sont retrouvés à partager un atelier. Ils devinrent de grands amis, à tel point que lorsque Sanyu décida de retourner à Paris en 1950, il lui laissa toutes ses œuvres pour le dédommager de ses frais (en 1997, Frank les vendra et affectera le produit de la vente à la création du Sanyu Scholarship Fund à l’université de Yale pour aider les étudiants en art chinois).

C’est à cette époque que l’artiste doit se rabattre sur des emplois de menuisier et de restaurateur pour survivre. En 1963, il reçoit une invitation de son compatriote, le ministre taïwanais de l’éducation Huang Jilu, à enseigner à l’université et à organiser une exposition personnelle à Taipei. Sanyu envoie 42 œuvres, déterminé à les rejoindre plus tard et, avec l’avance versée, il entreprend apparemment un voyage en Égypte. Pour des raisons bureaucratiques, il n’a cependant pas pu partir pour la Chine, mais est resté bloqué à Paris, où il est mort peu après dans son atelier à la suite d’une fuite de gaz. On l’a trouvé allongé sur son lit, un livre sur la poitrine et une demande de nationalité française remplie à côté de lui. Sans famille, totalement démuni, il est enterré dans une tombe anonyme aux frais d’une association franco-chinoise d’entraide. Les peintures ont été reprises par le Musée national d’histoire de Taïwan, un bâtiment construit dans le style de la dynastie Ming et donnant sur le Jardin botanique. Le corpus original s’est ensuite enrichi de 10 œuvres supplémentaires: deux peintures à l’huile ont été apportées au musée en 1980, en 1986 l’attaché culturel Kuo You-shou a fait don de cinq œuvres supplémentaires, tandis que trois esquisses ont été achetées en 2011. Le musée a organisé six rétrospectives de l’œuvre de l’artiste: en 1978, 1984, 1990, 1995, 2001 et 2017.

Sanyu n’était pas ce que l’on pourrait appeler un artiste prolifique: au total, il a produit environ trois cents peintures à l’huile, sur toile ou sur masonite, moins de trois cents aquarelles, environ deux mille esquisses et un petit nombre de sculptures et d’estampes. Dans ses œuvres, la virtuosité calligraphique typique de l’Orient s’amalgame aux lignes modernistes pour créer des compositions exubérantes et sinueuses aux couleurs à l’odeur de fauvisme. Figures, nus féminins “aux cuisses de l’univers” (comme les a définis avec humour le célèbre poète Xu Zhimo), paysages, animaux, natures mortes: tels sont les thèmes de prédilection de l’artiste.

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Les nus, sujet privilégié qui revient tout au long de la carrière de Sanyu, sont minimalistes et fortement imprégnés d’érotisme; les figures féminines debout, assises, couchées, parfois représentées dans des poses contorsionnées qui créent des géométries, dans des espaces sans perspective, les lèvres fermées, le nez à peine perceptible, sont souvent représentées avec un seul œil (détail qui rappelle les portraits de la célèbre Kiki) et avec une exagération de la partie inférieure. Par rapport aux dessins où un seul sujet est immortalisé, les peintures à l’huile représentent souvent des groupes de femmes: des premiers nus au teint rappelant les courtisanes de la dynastie Tang et aux formes rondes et voluptueuses de la période dite “rose”, on passe à des physionomies féminines plus élancées avec des peaux ocres de la période rose. Les animaux, autre présence constante et appréciée, qu’ils soient exotiques ou de compagnie (chats et pékinois représentés dans un cadre domestique en train de jouer, de se reposer sur une chaise ou de boire du lait), véhiculent toujours des états d’âme semblables à ceux de l’homme: un léopard plongé dans ses pensées, des couples d’animaux qui se regardent avec tendresse.

Au fil des ans, l’artiste a commencé à placer des animaux solitaires dans des paysages sans limites, illustrant le sentiment de solitude qu’il ressentait dans sa vieillesse. Dans les natures mortes (auxquelles le Museo Morandi de Bologne a consacré en 2019 une exposition raffinée et originale, sous la direction de Zeng Fanzhi, dans laquelle les œuvres de Sanyu ont été mises en relation avec des œuvres de Cézanne et de Morandi), lescompositions de fruits et de fleurs se distinguent, rappelant la tradition de la peinture lettrée chinoise: pivoines, chrysanthèmes, prunes, fleurs de lotus et bambous, mais aussi grenades et oliviers, symboles de prospérité et de bonne chance.

Tina Keng, l’une des plus grandes spécialistes de l’œuvre de Sanyu, a résumé comme suit les caractéristiques de l’artiste qui révèlent son authenticité lors d’une interview en 2009: “Sanyu a de solides bases en calligraphie et en épigraphie chinoises, de sorte que ses relations spatiales, ses lignes et ses coups de pinceau ne sont jamais désordonnés [....] en tant que personne élégante et minimaliste, ses œuvres portent la même clarté et la même rigueur dans leur texture et leur composition [...] sa nature détachée et imperturbable se reflète dans son travail, qui n’est jamais vulgaire”.

Dans les années 1960, presque à la fin de sa carrière, Sanyu déclarait: “après une vie consacrée à la peinture, je sais enfin peindre”. Lui, capable de déclarations modestes, a non seulement été un pionnier en contribuant à la création d’une nouvelle esthétique, mais a également pu laisser une marque indélébile sur les générations chinoises contemporaines de jeunes artistes et d’artistes confirmés tels que Shafei Xia.

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