Une Renaissance brutale et vériste. La Madeleine de Donatello

Dans l’espace scientifiquement et rationnellement défini de la perspective de la Renaissance palpite l’âme inquiète de l’homme avec toutes ses contradictions, ses faiblesses et ses oppositions. La lecture que Massimo Cacciari propose de l’humanisme du XVe siècle dans son récent recueil La mente inquieta (L’esprit inquiet ) tient compte de cette “empreinte tragique” qui remonte au Secretum et à certaines Epistulae de Pétrarque: ce sont les fondements de l’humanisme d’Alberti, qui, écrit le philosophe, “constitue le contre-chant nécessaire, et non pas simplement contradictoire, des courants néo-platoniciens”. Et Leon Battista Alberti est celui qui “donne la voix la plus puissante aux contradictions et aux conflits qui appartiennent à la trame la plus profonde et la plus essentielle de toute cette époque”. La recherche d’un langage (qu’il soit exprimé par des mots ou des images ne fait aucune différence) capable de transmettre toute la complexité de l’humanité passe donc inévitablement par l’enfer: "Si vous supprimez son existence, si vous l’ignorez, si vous ne peignez pas le pire et que seule l’image de la dignitas trouve place dans votre tableau“, écrit Cacciari, ”vous ne serez ni un bon philologue ni un bon artiste".

Alberti, on le sait, est aussi le théoricien des “mouvements de l’âme”, à rendre à l’observateur d’une œuvre d’art par les mouvements du corps: il en parle dans son De Pictura. Ils font partie du lexique de l’artiste, ils sont le moyen par lequel le peintre et le sculpteur traduisent en images tous les bouleversements intérieurs des personnages qui peuplent leurs œuvres. L’idée d’Alberti a souvent été comparée à certaines sculptures de Donatello, dont elle pourrait découler: le chercheur allemand Andreas Tönnesmann a écrit que le postulat d’exprimer les mouvements de l’âme à travers ceux du corps, en facilitant la compréhension émotionnelle de la scène par l’observateur, aurait pu être stimulé précisément par l’observation des œuvres du grand artiste florentin. Pour la charge avec laquelle Donatello écrase la suavitas gothique tardive et la mesure gibertienne, Cacciari pense à l’Abacuc conservé au Musée du Dôme de Florence, mais l’anticlassicisme et le pathos énergique de Donatello, plus humainement tourmenté, ressortent peut-être encore davantage. jaillissent d’une œuvre que le visiteur du musée découvre quelques salles plus tôt, la dramatique Madeleine pénitente, la sculpture en bois que Donato de’ Bardi exécuta à son retour de sa longue décennie à Padoue, en 1453, peut-être pour le Baptistère de Florence, où la sculpture a toujours été historiquement attestée. Elle y est restée jusqu’en 1966, année de l’inondation de Florence: endommagée, elle a été restaurée à l’Opificio delle Pietre Dure puis, depuis 1972, exposée au musée du Dôme.

La Madeleine de Donatello n’est pas la jeune et belle pécheresse rachetée de l’Évangile: c’est l’ascète des légendes médiévales, osseuse et voilée, souffrante, éprouvée par de nombreuses années de pénitence solitaire. Jamais avant Donatello une image sculpturale de Madeleine n’avait été aussi dramatique et réaliste. Selon toute probabilité, il est, comme l’a écrit Arthur Rosenauer, “le premier à représenter Marie-Madeleine [...] dans toute sa décrépitude”: la sainte de l’artiste florentin, sculptée sur un seul bloc de bois de gattice (un matériau inhabituel pour Donatello, difficile à modeler, anguleux et rugueux, et donc adapté au sujet), est une vieille femme qui a perdu presque toutes ses dents, une vieille femme au visage creusé, dont le corps squelettique est recouvert d’une longue et épaisse cascade de cheveux sales et en désordre, mais c’est une femme qui a perdu toutes ses dents, une vieille femme au visage creusé, dont le corps squelettique est recouvert d’une longue et épaisse cascade de cheveux sales et en désordre, mais c’est une femme qui a perdu toutes ses dents. Mais elle est aussi la sainte qui, malgré sa souffrance, tout en s’appuyant de manière instable et déséquilibrée sur des jambes qui semblent désormais presque incapables de supporter le poids de son corps, ne perd pas la foi et parvient encore à joindre les mains pour adresser une prière à son dieu. Des mains qui se frôlent sans se toucher: voilà le point d’appui du chef-d’œuvre de Donatello, l’élément qui donne au spectateur l’impression d’être devant un instant en train de se dérouler, le détail qui révèle la vérité de ce sentiment, qui le rend vivant et éternel. Le tourment intérieur de la Madeleine de Donatello est tout entier dans cette dernière supplication au Très-Haut, exprimée à travers un lexique fondé sur la dissension entre le geste des mains, ce corps macilent et cette expression chargée de toutes les afflictions que la sainte a dû endurer au cours de son existence. Ce n’est plus une sainte qui semble indifférente aux privations du jeûne: c’est une femme qui a souffert, qui est visiblement tourmentée, mais qui reste inébranlable dans sa foi.

Donatello, Madeleine (vers 1453-1455 ; bois gattice, hauteur 185 cm ; Florence, Museo del Duomo)

Donatello avait étudié avec ardeur la statuaire antique et s’était constitué une vaste culture archéologique qui lui permit, tout au long de sa carrière, de se consacrer également à des œuvres animées par de fortes tensions expressionnistes. Sur la Madeleine pénitente, on sera donc amené à observer à contre-jour les doutes et les angoisses d’un presque septuagénaire qui, approchant de la fin de sa carrière et de ses jours, a probablement ressenti une certaine consonance avec le sujet de sa sculpture, ou du moins un certain intérêt pour le tourment intérieur d’un personnage parvenu aux extrêmes de sa vie terrestre. Mais Donatello est avant tout un artiste qui ne cesse de s’interroger sur les limites de son langage, et de rechercher, pour reprendre l’idée d’André Chastel, les éléments “qui servent à intensifier la tension de la forme plastique jusqu’aux limites de la ”terribilità“”. Pour Chastel, Donatello "élargit méthodiquement la gamme des passions qui peuvent prendre place dans l’œuvre sculptée et le mouvement est pour lui l’élément fondamental. Mouvement du corps qui devient mouvement de l’âme, en effet. Même, et surtout, lorsque l’âme est déchirée par les tourments.

C’est un Donatello anti-gracieux, à la limite de la violence: “jamais Donatello n’avait été aussi loin dans la représentation de la déchéance physique”, écrit Rosenauer. Un vérisme brutal qui a certainement dérangé les très posés Gibertiens, mais qui a aussi trouvé des partisans: le Museo della Collegiata d’Empoli abrite par exemple une Madeleine pénitente à l’attribution incertaine, récemment attribuée à Romualdo da Candeli par Rosanna Caterina Proto Pisani, sculptée quelques années après l’œuvre de Donatello. Dans l’église de Santa Trinita se trouve une autre Madeleine, réalisée par Desiderio da Settignano, qui rappelle la sculpture en bois de Donatello. Elle a également été louée par Francesco Bocchi qui, en 1591, la considérait comme la plus belle statue du baptistère, et par Giorgio Vasari qui, dans ses Vies , parle d’une “Sainte Marie-Madeleine en bois en pénitence, très belle et très bien faite, se consumant dans le jeûne et l’abstinence, puisqu’elle semble être dans toutes ses parties une perfection de la notomie, très bien comprise pour tout”.

Cependant, personne n’aurait jamais atteint le pouvoir de Donatello, jamais touché par d’autres auparavant. C’est la Madeleine la plus choquante de l’histoire de l’art: Frederick Perkins, au début du XXe siècle, a écrit que cette sculpture provoquait même un certain sentiment de dégoût. C’est certainement ce que ressentent de nombreux étudiants qui, en feuilletant les manuels d’histoire de l’art de la Renaissance, découvrent sa présence presque inexplicable après des pages et des pages d’harmonies équilibrées et d’équilibres parfaits, de chiasmes et de contrastes, de modèles classiques et de références à la statuaire antique la plus noble. Et c’est ce que ressentent ceux qui la trouvent devant le Musée de la Cathédrale, avec ses yeux enfoncés et pénétrants, avec ses mains squelettiques et suppliantes, avec sa peau tendue sur ses os comme un parchemin, pour évoquer une image de Rosenauer. Ici, la Madeleine pénitente de Donatello remet certainement en question tant de discours sur la Renaissance. Et surtout, elle témoigne du fait que l’âge de l’humanisme (“un âge de crise”, selon Cacciari, “dans lequel la pensée prend conscience de la fin d’un ordre et de la tâche d’en définir un autre”), est également caractérisé par un sens tragique de l’existence humaine.

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