Pieter Paul Rubens à Gênes: quatre œuvres à voir

Ambiances gaies et conviviales, couleurs riches, femmes épanouies: nous connaissons tous plus ou moins les somptueux tableaux de Pieter Paul Rubens (1577 - 1640), qui est probablement le plus grand représentant européen du baroque en peinture. Tout le monde ne sait cependant pas que Rubens a séjourné à Gênes à plusieurs reprises: il s’est rendu dans la capitale ligure pour la première fois en février 1604, alors qu’il revenait d’Espagne à Mantoue, où il travaillait alors pour la famille Gonzague, puis il y est retourné en 1605 lors d’un voyage à Rome, et de nouveau à l’été 1607, lorsqu’il a séjourné dans la villa du noble Giovanni Battista Grimaldi à Sampierdarena, en compagnie du duc de Mantoue, Vincenzo I Gonzague. Lors de ce dernier séjour, motivé par le fait que le duc voulait profiter de l’air estival de la mer (et aussi... se baigner dans les eaux de la mer Ligure), Rubens eut aussi l’occasion d’étudier de près les plus beaux palais de la ville, allant jusqu’à publier en 1622 un livre, I Palazzi di Genova, pour faire connaître dans ses Flandres la magnificence des édifices génois.

Bien entendu, lors de ses séjours, Rubens a également réalisé plusieurs peintures pour la noblesse génoise, et certaines de ces œuvres se trouvent encore dans la ville. Nous avons donc sélectionné quatre peintures de Rubens, conservées dans des lieux ouverts au public, que l’on peut encore admirer à Gênes, pour un petit itinéraire rubensien au cœur d’une des plus belles villes du monde.

1. Circoncision (Église de Jésus)
Le Retable de la Circoncision est probablement la première œuvre de Rubens à Gênes, commandée en 1604 par Marcello Pallavicino, membre de l’ordre des Jésuites et de l’une des familles les plus importantes de la ville, pour la Chiesa del Gesù in Genoa (également connue sous le nom d’église des saints Ambroise et André), située à côté du palais des Doges. En haut du tableau, un tourbillon d’anges ouvre le ciel pour laisser passer la lumière divine qui illumine le corps de l’Enfant Jésus, soumis au rite de la circoncision, moment important dans la vie du Christ, car c’est le premier sang qu’il verse, faisant ainsi allusion à ses souffrances sur la croix. Notez la figure de la Madone, qui se détourne de la scène, probablement parce qu’elle est impressionnée. Pendant ce temps, certains personnages semblent fortement attirés par la présence des anges dans le ciel. Les couleurs du tableau sont déjà les couleurs chaudes typiques de l’art de Rubens (et notez que c’est la couleur qui forme les figures, conformément aux préceptes de la peinture vénitienne: Rubens a longtemps étudié l’art du Titien), tandis que le mouvement tourbillonnant semble se référer aux solutions du Tintoret, un peintre que Rubens connaissait très bien. La Circoncision est une œuvre d’une importance capitale car elle est considérée comme le tableau qui donne le coup d’envoi du baroque à Gênes: nouveau est le mouvement impétueux qui implique émotionnellement les observateurs, nouveau est la lumière très forte qui frappe les personnages, et nouveau est l’utilisation du raccourci par le bas, non pas tant à des fins illusionnistes que pour rendre l’apparition des anges plus dramatique.

Pieter Paul Rubens, Circoncision (1604 ; Gênes, Chiesa del Gesù)

2. Miracles de saint Ignace (Église de Jésus)
Elle se trouve également dans l’église du Gesù, dans la chapelle Saint-Ignace, dont les décorations ont été commandées par Niccolò Pallavicino, frère du Marcello susmentionné, et dont Marcello lui-même a dû s’occuper. Ce dernier, après la mort de Niccolò en 1619, décida d’exécuter le testament de son frère et chargea Rubens de peindre les Miracles de saint Ignace pour la chapelle, que le peintre exécuta à Anvers et envoya à Gênes vraisemblablement en 1620. Pour peindre cette composition mettant en scène le fondateur de l’ordre des jésuites, saint Ignace de Loyola, Rubens s’est basé sur une biographie, la Vitae Ignatii Loyolae SOcietatis Jesus fundatoris, écrite par le jésuite Pedro de Ribadeneyra, qui a été publiée pour la première fois en 1572 et imprimée à Anvers en 1587. Saint Ignace est au centre, dans une pose mystique, les bras grands ouverts pour demander l’intercession du Seigneur. Il est accompagné de quelques membres de son ordre et, devant lui, une série de figures se rapportant à ses miracles. À gauche, une femme se tord tandis que des hommes tentent de la retenir: il s’agit du miracle de la libération de l’ossesse. À droite, un homme et une femme malades font référence aux guérisons miraculeuses opérées par le saint, tandis qu’au centre, la femme avec des enfants évoque la capacité de saint Ignace à éduquer les enfants les plus réticents et les plus difficiles.

Pieter Paul Rubens, Miracles de saint Ignace de Loyola (1619-1620 ; Gênes, église du Gesù)

3. Portrait équestre de Giovanni Carlo Doria (National Gallery, Palazzo Spinola)
Il s’agit peut-être de l’un des portraits les plus connus de Rubens, ainsi que de l’une des pièces les plus précieuses de la Galleria Nazionale di Palazzo Spinola, où l’œuvre est arrivée en 1988 après diverses vicissitudes. Commandé à Rubens par la famille Doria en 1606 pour célébrer la remise de l’ordre de Saint-Jacques à Giovanni Carlo par le roi Philippe III d’Espagne, le tableau est resté en possession de la famille jusqu’en 1838, date à laquelle il est passé à la branche napolitaine de la famille. En 1940, il est acheté par un collectionneur privé qui, en 1941, sur ordre de Mussolini, doit le remettre à Hitler, qui le destine au musée de Linz en Autriche. En 1948, l’œuvre revient en Italie: elle est d’abord exposée au Palazzo Vecchio, puis en 1985 elle arrive au Museo Nazionale di Capodimonte à Naples et enfin, en 1988, elle revient définitivement à Gênes. Giovanni Carlo Doria, fils du doge Agostino, est représenté sur un beau cheval blanc dressé sur ses pattes arrière. Le noble est vêtu d’une élégante tenue de parade et sur son plastron est apposé le symbole de l’ordre de Saint-Jacques, une croix rouge, de la même couleur que l’étole qu’il porte attachée à son bras. Notez que Giovanni Carlo Doria tient les rênes du cheval avec seulement deux doigts: c’est un symbole de fermeté. Derrière les branches du chêne, symbole de force, on remarque un aigle, symbole de la famille Doria, tandis que sous le cheval se trouve un chien, représentant la loyauté de la famille envers la couronne espagnole. Le mouvement impétueux du cheval, le dynamisme de divers éléments tels que l’écharpe et le feuillage des arbres, ainsi que les rayons de lumière qui percent les nuages menaçants du ciel, nous donnent une idée tangible de la poétique baroque de Rubens, vouée à impressionner l’observateur.

Pieter Paul Rubens, Portrait équestre de Giovanni Carlo Doria (1606 ; Gênes, Galleria Nazionale di Palazzo Spinola)

4. Vénus et Mars (Palazzo Bianco)
Ce tableau n’a pas été réalisé pour Gênes, mais est arrivé plus tard en Ligurie. Au moment de la mort de l’artiste en 1640, il se trouvait encore à Anvers: il a ensuite voyagé dans diverses collections privées et est arrivé à Gênes, dans la collection de Francesco De Mari, en 1691, avant d’entrer dans la collection du doge Giovanni Francesco II Brignole Sale. En 1889, la dernière héritière de la famille Brignole Sale, Maria, duchesse de Galliera, fait don à la ville de Gênes d’une grande partie de la collection familiale: parmi ces œuvres figure Vénus et Mars. L’œuvre était autrefois connue sous le nom de Lanzichenecco con amante, précisément parce que le personnage masculin au centre est représenté sous les traits d’un lanzichenecco (en 1987, il a été proposé, sur la base de comparaisons avec d’autres peintures, d’identifier l’homme comme un membre de la famille Van den Wijngaerd d’Anvers). Cependant, étant donné la présence de certains éléments typiques de l’iconographie de Vénus et Mars (en premier lieu Cupidon désarmant Mars en lui enlevant son épée), l’hypothèse a également été avancée que les personnages pourraient impliquer une allégorie mythologique. Le dieu de la guerre se laisse ainsi séduire par la beauté de sa bien-aimée (Vénus) et la joie de vivre procurée par le vin, qui facilite l’amour et est représenté par le dieu Bacchus, tandis qu’à droite, la figure spectrale d’une Furie regarde la scène avec mépris, car elle est vaincue par l’amour. Il s’agit d’une œuvre de la maturité de Rubens, datable d’une période comprise entre 1632 et 1635. Une curiosité: dans le passé, certains historiens de l’art pensaient que les deux personnages principaux étaient Rubens lui-même et sa femme Hélène Fourment.

Pieter Paul Rubens, Vénus et Mars (1632-1635 ; Gênes, Palazzo Bianco)

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