Correggio hat jedes menschliche Gefühl und jeden Ausdruck gespürt und kennengelernt, von der unbeschwerten Kindheit über die körperlichen und familiären Liebesbeziehungen bis hin zur enormen kulturellen Intensität seiner Zeit und schließlich zu den mystischen und wundersamen Höhenflügen der Heiligen Geschichte, die er wirklich verinnerlicht hatte. Dies ist das Thema, mit dem sich die ihm gewidmete große Ausstellung in Dresden nun eingehend befasst. Der Artikel von Giuseppe Adani.
Der Titel der großen Allegri-Ausstellung in Dresden ist überraschend; er hebt sich zweifellos von allen anderen aktuellen Bezeichnungen für Kunstveranstaltungen ab, insbesondere für solche im Bereich der Kunstgeschichte. Zweifellos gab es in den verschiedenen Generationen einige intimistische oder appellierende Maler, deren Körperlichkeit Reflexionen, Appelle oder moralische Aussagen zum Ausdruck bringen sollte, doch dieser Hinweis auf die Tiefe der menschlichen Gefühle, der nun auf Correggio angewendet wird, ist völlig neu, und doch überaus gerechtfertigt und lebendig. Die Gründe dafür liegen in der außergewöhnlichen und äußerst treffenden Untersuchung von Professor Andreas Plackinger, der das Herz und das Wissen des Künstlers erfasst hat und uns nun diese Erkenntnis vermittelt: Correggio „berührend menschlich“: auf rührende Weise menschlich.
Zunächst scheint der Titel unpassend, wenn man ihn im schnellen Überblick über die Meisterwerke der Ausstellung liest, nämlich die vier wunderbaren Altarbilder der Gemäldegalerie sowie viele andere Werke, die ihren sakralen Charakter deutlich zur Schau stellen. Wir sind von einer solchen unerwarteten Anspielung beeindruckt, die uns im ursprünglichen Sinne des Wortes neugierig macht, da sie uns dazu antreibt, den Grund dafür zu finden, nämlich jene Eigenschaften, die die Kuratoren der Ausstellung sicherlich erkannt haben. So tritt bei diesem bedeutenden Meister der italienischen Renaissance vor allem seine beständige menschliche Vielschichtigkeit zutage: Antonio Allegri erlebte eine existenzielle Fülle, die ihn mit allen Erfahrungen und allen Erkenntnissen in einer wahrhaft seltenen Kontinuität und Weite bereicherte.
Seine Heimat, ruhig gelegen im großen Po-Tal und unbeeinflusst von großen Schulen, ermöglichte es ihm, in jeder Hinsicht und zu jeder Zeit jene Aufmerksamkeit auf das Sichtbare und Greifbare zu richten, die sich ihm in allem bot: alle Menschentypen mit ihren Körpern, beginnend mit der Kindheit; alle Berufe auf den Feldern und in den Werkstätten; das weite Pflanzen- und Tierreich, das er stets erfasst und verinnerlicht hat, sowie jede noch so kleine Veränderung der Natur und des Lichts. Doch neben all dem hat Correggio jedes Gefühl und jeden menschlichen Ausdruck gespürt und erkannt: von der fröhlichen Kindheit über körperliche und familiäre Liebe bis hin zur enormen kulturellen Intensität seiner Epoche und schließlich zu den mystischen und wundersamen Höhenflügen der Heiligen Geschichte, die er wahrhaftig teilte.
Der junge Correggio
Als erste Werke des jungen Correggio wählen wir einige Kompositionen aus, die bereits von Anfang an aufschlussreich sind.
„Madonna dei limoni“, erstes Jugendfresko (um 1506; Modena, Galleria Estense). In der frühen „Madonna dei limoni“, die wahrscheinlich an der Porta Santa Maria in Correggio als Fresko entstanden ist, fällt auf, wie die Anrufe der Stadtpatrone in einer ganz ungezwungenen dörflichen Versammlung vor den Stadtmauern stattfinden, wo Engel und Heilige mit einer ganz familiären Spontaneität den Empfang der Madonna mit Jesus begleiten, und wo – hinter der glücksverheißenden Ausbreitung der Zitronen – dem spontanen Gespräch des Heiligen Franziskus mit dem Heiligen Quirino das unglaubliche der beiden Kaninchen gegenübersteht. Hier zeigt sich bereits ein Maler von großer Frische, frei von schulischen Schemata.Die kleine Kuppel der Mantegna-Kapelle (1507). Fresko in Sant’Andrea in Mantua. In der Kapelle des im Vorjahr verstorbenen Mantegna (1507) stellt Correggio den Übergang in den Himmel auf ineinander verschlungene Rippen dar, die ebenso Zitronen tragen (Früchte mit der zwingenden Bedeutung von Weisheit, Leben und Kraft), ergänzt durch die präzise Sorgfalt bei der Hinzufügung von Nelken und Lilien, die ihrerseits die Symbole für Intelligenz und Anmut sind. Es bedarf stets unserer ganzen Aufmerksamkeit, um ein Werk Correggios zu verstehen, und man muss wissen, dass bei diesem Künstler nichts – aber auch gar nichts – jemals „zufällig“ ausgeführt wird.Die „Mystische Hochzeit der Heiligen Katharina“ (1510) aus der National Gallery in Washington. Die „Mystische Hochzeit der Heiligen Katharina“, das von David Alan Brown so sehr bewundert wird, lässt uns intensiv über die Überlegungen des jungen Correggio zu Menschentypen, zu Gesichtsausdrücken, zu kompositorischen Details, die sich aus der direkten Gestik der Personen ergeben, und somit über figurative Spielereien nachdenken, die locker, authentisch und nicht formal sind.Judith und ihre Magd mit dem Kopf des Holofernes (1510–1511), ein außergewöhnlicher malerischer Ausflug in die Nacht. Straßburg, Musée des Beaux-Arts. Die überraschende Tafel mit „Judith und ihre Magd“ ist ein äußerst frühes Zeugnis für die Aufmerksamkeit gegenüber dem Lichtspektrum jedes gelebten Augenblicks, das sehr unterschiedliche Quellen haben kann, aber auch in völlige nächtliche Dunkelheit münden kann, wie es zu Corregios Zeiten üblich war. Hier also eine innere Lichtquelle, die unser Maler mit Genialität und authentischem Ergebnis meistert. Ein durch und durch menschliches Werk, das in der italienischen Malerei des beginnenden 16. Jahrhunderts äußerst selten ist.Madonna, sogenannte Wiener Madonna (1513), aufbewahrt im Kunsthistorischen Museum. In der „Wiener Madonna“ ist die Symbolik allgegenwärtig und spielt eine zentrale Rolle: Um sie zu entschlüsseln, bedarf es eines geschulten und beharrlichen Geistes. Wir sollten bedenken, dass das gesamte malerische Werk Allegris symbolische Quellen und Ausdrucksformen von großer Tiefe aufweist. In diesem kleinen Werk richten wir unsere ganze Aufmerksamkeit auf den mimischen Ausdruck des Gesichts der Maria (ein Profil, das in den Werken des Correggio so gut wie nie vorkommt) und auf die schwierige, aber spontane Haltung des Jesuskindes; aber auch auf die gesamte Gestaltung der Landschaft, die äußerst präzise und zugleich bedeutungsreich ist.
Die frühe Reifezeit. 1515–1522
Diese Fülle, die wir als menschlich bezeichnen müssen, erlebt und malt Antonio Allegri ab 1515, als er die „Madonna di San Francesco“ schafft und sie zu einem umfassenden Leitmotiv seines malerischen Gesangs macht, fast zu einem Gedicht, das ihn durch immer reichhaltigere und immer beliebtere Themen begleiten wird. Nach weiteren äußerst interessanten Werken schmückte er die gesamte „Camera di San Paolo“ im gleichnamigen benediktinischen Frauenkloster in Parma mit Fresken.
Auf dem Höhepunkt seiner intensiven und überaus reichhaltigen künstlerischen Laufbahn greift Correggio das allegorische Thema und das der hypostatischen Begegnung zwischen Gottheit und Menschheit auf, in der Letztere als glückliche Protagonistin eines göttlichen Plans auftritt. In diesem Schaffen, das die normalen intellektuellen, konzeptuellen und handwerklichen Kräfte übersteigt, geht der Künstler über jedes bisherige malerische Werk hinaus, und man kann sagen, dass er sich emotional und aktiv voll und ganz an den Handlungen beteiligt, die er in seinen Figuren darstellt.
Madonna von San Francesco (Öl auf Holz, 299 x 245 cm), ehemals in der Titularkirche in Correggio. Dresden, Gemäldegalerie. Der räumliche Duktus bewegt sich vom Land Israel, das von den Wassern des Jordans umspült wird, hinauf zur „gegenwärtigen“ Landschaft der Poebene und der Po-Hügel, und taucht ein in jenen Himmel, der sich geöffnet hat, von Cherubim durchströmt, von wo Maria und das Kind herabsteigen. Alles ist unmittelbar, teilnahmsvoll, und jede Figur wirkt ansprechend, innerhalb und außerhalb des Bildraums. Die gigantischen Säulen wirken in der Ehrerbietung, die sie erweisen, liebenswert und flankieren feierlich das biblische Regiment, auf dem die heiligen Figuren stehen. Der Himmel senkt sich in die menschliche Tiefe herab.Der mit Eichenlaub gekrönte Held, Detail eines Freskos (1518) aus der Camera di San Paolo in Parma. In diesem großartigen Werk von monumentaler Ausstrahlung bündelt Correggio eine ausdrücklich heroische „energheia“, jene menschliche Kraft, der die göttliche Aufgabe übertragen wurde, die Erde zu regieren, mit der willensstarken und entschlossenen Hingabe an die eigene bewusste Rolle.Die führende Diana (1518). Fresko über dem Kamin der Camera di San Paolo. Diese Figur ist eine – auf eigentümliche Weise prächtige – Synthese der menschlichen Werte, die jede Handlung des auf die Ewigkeit ausgerichteten Lebens begleiten müssen. Und es ist unser Antonio, der eine streng benediktinische Ausbildung genossen hat, der mit seinem Bild eine uralte, ja geradezu mythologische Weisheit in der Gestalt einer Göttin erschafft und sie zum Symbol einer Entscheidung macht, die in ihrer Ausrichtung auf den Himmel unumkehrbar sein wird.Das Porträt von Veronica Gàmbara, Gräfin von Correggio (1521–1522). Sankt Petersburg, Eremitage. Allegri vereint in dieser Figur Weisheit, Poesie, Regierungsgeschick, einen sanften Charakter und jene Hingabe an das Schicksal, die ebenfalls eine spirituelle Eigenschaft ist, die tief in der Seele wohnt.Die Allegorie der Weisheit oder der Tugend, Öltempera auf Leinwand (1522). Paris, Musée du Louvre. Das Gemälde (das mit dem „des Lasters“ gepaart ist) hat Correggio zu einer tiefgründigen Reflexion veranlasst, die gut zum Thema der Ausstellung passt. Im unteren Teil sind die Symbole der Kardinaltugenden dargestellt, die vom Himmel zur Führung des menschlichen Lebens geschenkt wurden. Hier dominiert zweifellos die Dame in hellem Gewand, die unten links sitzt, alle durch das Zeigen der entsprechenden Symbole: die Schlange = die Klugheit, das Schwert = die Gerechtigkeit, der Biss = die Mäßigkeit, das Löwenfell = die Stärke. Zu unserer Rechten sitzt hingegen die Gelehrte der Geografie und des Kosmos. Die Weisheit herrscht und beherrscht jede sündhafte Abweichung mit den Zeichen des Sieges: die zerbrochene Lanze und das abgesetzte Helmzier. Sie ist der Schnittpunkt zwischen dem Menschlichen und dem Göttlichen: Auf ihr ruht nämlich eine Krone, und an ihrem Mund kreuzen sich genau die beiden großen Diagonalen des Gemäldes. Darüber schweben, in einer wunderbaren malerischen Erfindung, die drei theologischen Tugenden: der Glaube in Weiß, die Hoffnung in Grün und die triumphierende Nächstenliebe in Rot.
Die Kuppeln und die großen religiösen oder weltlichen Gemälde
Wir führen hier, lediglich als Beispiel, zwei Abbildungen zu den beiden berühmtesten Freskenkuppeln der gesamten Renaissance an. Es handelt sich um zwei unvergleichliche „Hapax“, deren Deutung nur durch Besichtigungen vor Ort und ebenso viele, äußerst detaillierte Fachstudien möglich ist. Anlässlich der Ausstellung in Dresden wird eine Art Rekonstruktion der Fresken von Correggio für die Zwickel und die Kuppel des Doms von Parma angekündigt
Ich bin Prof. Andreas Plackinger dankbar für seinen künstlerischen Austausch und seine Anerkennung; vor allem dafür, dass er uns diese Ausstellung ermöglicht hat, die wahrhaftig den großen Geist Correggios offenbart. Mein herzlicher Dank gilt auch Dr. Paulin Schwarze.
Basilika San Giovanni Evangelista in Parma. Fresko in der Kuppel, 1520. Dort kann man bewundern, wie Jesus selbst aus dem „Himmel der Himmel“ herabsteigt, inmitten der Apostel, um den sterbenden Heiligen Johannes zu sich zu rufen. In diesem heiligen und berauschenden Werk spüren wir die wahrhaft paradiesische Sanftmut Gottes, die von der zutiefst menschlichen und berührenden Seele Correggios auf wundervolle Weise in vollkommene sichtbare Wahrheit umgesetzt wurde.Kathedrale, auch Dom von Parma genannt. Ein äußerst weitläufiges Fresko, das sich von den Zwickeln bis zum Tambour erstreckt und die gesamte Innenfläche der prächtigen Kuppel einnimmt. 1530–1533. Wir geben hier nur einen allgemeinen Überblick über das Werk, das den künstlerischen Höhepunkt und den Spiegel jedes menschlichen und transzendenten Gedankens von Correggio darstellt. „Die schönste Kuppel, die je gemalt wurde und je gemalt werden wird“ (Anton Raphael Mengs).Die Anbetung der Hirten, genannt „Die Nacht“, Öl auf Holz (1522–1530). Dresden, Gemäldegalerie. Ein Gemälde, das Correggio sehr am Herzen lag und das er aus ganzem Herzen schuf. Hier ist die menschliche Tiefe eine ganze Umarmung. Jesus wird auf jungfräuliche Weise geboren und strahlt jenes Licht aus, das für immer geistig sein wird, das aber Antonio, ein Maler von unmittelbarem Genie, authentisch auf den Körpern und Gesichtern seiner bescheidenen und ersten Besucher erstrahlen lässt, während die himmlischen Geister im Himmel schweben. Es ist eines der berühmtesten Gemälde der Welt, und darüber lässt sich sagen, dass der Künstler wahrhaft tief, wenn auch auf mystische Weise, menschlich ist.Die Madonna von San Sebastiano, Öl auf gewölbter Holztafel (1524–1525). Dresden, Gemäldegalerie. Zwischen Wiese und Wolken versammelt stehen unten die drei heiligen Hauptfiguren: Der heilige Sebastian und der heilige Rochus an den Seiten bezeugen, dass in Modena eine schwere Pestepidemie gewütet hat, während der Bischof, der heilige Geminian, Schutzpatron der Stadt, die erlangte Gnade vom Ende dieser Seuche bezeugt. Eine turbulente, sehr bewegte Komposition, eingebettet zwischen Erde und Himmel durch die Vermittlung zweier kleiner Engel, die wie pralle Kinder wirken und die Correggio als Einlader zu dem wundersamen, strahlend hellen Anblick der Madonna wählt, die herabblickt und das Jesuskind trägt, den wahren Spender der Gnade. Der paradiesische Bogen wimmelt von Engelsköpfchen, wie in der kürzlich fertiggestellten Kuppel von San Giovanni, doch die Einladungen zur Verbindung zwischen Erde und Himmel gehen von den wunderbaren Engeln an den Seiten Marias aus. Und ganz unten dankt eine unschuldige menschliche Gestalt mit der Darbringung des Symbols der Stadt: Es ist die berühmte „Modanina“ von Correggio, die der Maler als Zeichen seines eigenen Herzens und des Herzens eines ganzen Volkes schuf.Die Madonna von San Giorgio, Öl auf Holz (1528–1532). Madonna mit Kind und den Heiligen Johannes dem Täufer, Geminiano, Georg und Dominikus. Dresden, Gemäldegalerie. Es handelt sich um ein riesiges Altarbild, das für das freudige Gebet der gesamten Stadt Modena entworfen wurde. Hier wollte Correggio, der bereits in den himmlischen und unbeschreiblichen Weiten unter der Kuppel des Doms von Parma schwebte, wahrhaftig eine Hymne voller Freude hinterlassen. Der Rahmen ist der eines zu den Hügeln hin offenen Oratoriums; die Komposition ist symmetrisch und stufenweise aufgebaut, und auch hier erstreckt sich der von den Heiligen und Putten beschrittene Raum idealerweise auf uns zu, so wie uns der Blick des Heiligen Johannes und des Heiligen Georg erreicht. Das Fest wird durch die Blumen und die tragenden Engel angedeutet, aber noch mehr durch die vollkommene Heiterkeit des heiligen Gesprächs, das sich gerade abspielt, und durch das unglaubliche Spiel der Putten, die mit den Waffen spielen und sich zwischen den Beinen der großen Heiligen tummeln. Hier kommt die ganze Seele Correggios zum Ausdruck.Jupiter und die Nymphe Io, Öl auf Leinwand (1530–1532). Wien, Kunsthistorisches Museum. Diese allumfassende, lang ersehnte, begehrte und nun endlich von der Flussnymphe erlangte Liebe wird von Correggio in eine malerisch wundersame Vision umgesetzt, die weitaus intimer als greifbar ist. Es ist eine Liebe, die in der Fülle der hingebungsvollen Vereinigung von Körper und Seele gipfelt, an der der Maler selbst mit seinem Herzen teilzuhaben scheint.
Der Autor dieses Artikels: Giuseppe Adani
Membro dell’Accademia Clementina, monografista del Correggio.
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