Crecida entre el rigor y la imaginación, Esther Stocker (Silandro, 1974) ha construido una investigación artística que pone en tensión orden e inestabilidad, sistema y desviación. Activa desde hace años en Viena, la artista del Tirol del Sur se mueve entre la pintura, la instalación y la intervención en el espacio público, utilizando un lenguaje abstracto y geométrico reducido a lo esencial: blanco, negro y gris. Sus obras transforman la pintura en un entorno y el espacio en una experiencia perceptiva, cuestionando la mirada y sus automatismos. A través de módulos repetidos y sutiles aberraciones, Stocker revela la imperfección inherente a todo sistema aparentemente perfecto. En esta entrevista, Gabriele Landi repasa con el artista las raíces de su formación, el papel del dibujo y la geometría, la relación entre arte y sociedad, hasta una reflexión más amplia sobre la belleza, entendida como espacio compartido de verdad, vulnerabilidad y libertad.
GL. Para muchos artistas, la infancia corresponde a la edad de oro, aquella en la que comienzan a sedimentarse imágenes y procesos que de alguna manera se convierten en preciosos para desarrollos posteriores. ¿Fue ese también su caso?
ES. Sí, por supuesto. Jugar, experimentar y descubrir son sin duda las coordenadas que, partiendo de la experiencia mágica de la infancia, me llevaron al deseo de construir una vida basada en estas preciosas acciones. Combinar la práctica artística directamente con la honestidad de la infancia, o al menos hacia el deseo de intentar recorrer este camino. También considero que la capacidad de imaginar es una de nuestras cualidades más importantes, que sin duda encuentra su fundamento en la infancia. A veces, de niños, nos despertamos con una misión importante que cumplir durante el día: por ejemplo, construir un barco gigante de papel, cavar un agujero en la tierra o beberse toda el agua de un lago. ¿Para qué más sirve el día? Básicamente no es diferente de lo que hace un artista, fracaso incluido. Creo que todos deberíamos intentar enfrentarnos a la vida sin perder nuestra curiosidad infantil, nuestra imaginación y nuestra fe en un rápido y fácil giro a mejor. Pensando en los tiempos que corren, también anhelo la desobediencia infantil a las autoridades estúpidas y destructivas, a decir verdad.
¿Qué estudios ha realizado?
Estudié pintura y artes gráficas en la Academia de Bellas Artes de Viena. También estudié en la Academia Brera de Milán y en el Art Center de Pasadena, California.
¿Hubo algún encuentro importante durante sus años de formación?
En el instituto tuve la suerte de tener como profesor a Jakob De Chirico, y en Viena estaba Eva Schlegel, que fue una inspiración como artista y como profesora.
¿Por qué trabaja exclusivamente con blanco, negro y gris?
Me interesan sobre todo las cosas estéticas formales, las relaciones entre diversas formas y una reducción: en mi opinión, las relaciones se aprecian mejor en el alto contraste del blanco y el negro. Es una manera de distinguir, de separar las cosas, de comprenderlas mejor y de acercarse a ellas. Tal vez sea precisamente el deseo de acercarnos unos a otros, una cosa a otra, lo que nos lleva a la abstracción y a la reducción. Un método de separación para acercarse. Con Il mondo viene considerato all’ombra, cité el título de un libro de Domenica Papa, para una obra de instalación de la exposición actual en la Galleria Civica de Trento. Creo que nuestras consideraciones y reflexiones sobre las relaciones pertenecen a menudo a un mundo sin color.
¿Tiene importancia el dibujo en su obra?
Desde luego que sí. Es una herramienta de reflexión, y también una herramienta matemática. El dibujo nos permite medirnos como puntos en el espacio. También pienso así del dibujo técnico, arquitectónico: al fin y al cabo son sistemas de coordinación para nuestra limitada dimensión humana. El dibujo nos permite ir más allá de la gravedad. Podemos experimentar y pensar con el dibujo y caminar con líneas, que expresan nuestra capacidad de imaginar como estructuras. El dibujo puede calcular, visualizar a veces incluso paradojas, como en el caso de Maurits Cornelis Escher. Creo que en el arte abstracto está la idea de medir nuestras emociones. Dar forma a diferentes necesidades de nuestra existencia, relaciones funcionales y relaciones incomprensibles, observaciones pero también visiones y deseos.
El cuadrado es quizá la forma geométrica que más se repite en su obra: ¿a qué se debe?
En los últimos años, sí. Al principio no me gustaba tanto el cuadrado, me parecía una forma demasiado absoluta, con una lógica formal demasiado egocéntrica y autorreferencial: prefería el rectángulo. Luego descubrí que el cuadrado puede verse de otras maneras, y que su absolutismo y su lógica cerrada pueden servir de contraste para mi búsqueda de una lógica abierta. En realidad, el cuadrado puede verse como una variación excepcional del rectángulo. También me di cuenta de que puede mostrar fragilidad, humor, lo que lo hace muy amable. Quizá sea la vulnerabilidad formal del cuadrado lo que me interesa.
¿Qué papel y qué valor atribuye a la geometría en lo que hace?
Me encanta la geometría en muchos sentidos y a menudo llamo a mi trabajo “geometría existencial”. Me gusta pensar en la geometría de la forma más amplia posible. Para mí, la geometría es una forma de ver el mundo y de interactuar con él. Creo que la lógica y la geometría están conectadas con razón a cuestiones más amplias sobre nuestra existencia o el universo. Y la geometría sigue siendo un secreto a pesar de todo lo que creemos saber.
¿Puede explicarnos mejor esta idea de “geometría existencial”?
Con geometría existencial quiero decir que en nuestras interacciones sociales debemos preocuparnos por la atención y el espacio y su cuidadosa conexión. Este es el prerrequisito fundamental para nuestra vida y supervivencia. La soledad y la felicidad de las personas también son temas geométricos. Cuando un pequeño cuadrado flota sin apoyo y ligeramente ladeado sobre una gruesa superficie blanca, nos damos cuenta inmediatamente de que no tiene apoyo ni sentido del equilibrio. Por otra parte, las formas oblicuas pueden parecer audaces o incluso liberadoras en comparación con una secuencia rígida. Además de la reducción, también me interesa el funcionamiento de las estructuras más densas, donde residen los límites de nuestra comprensión formal. La medición extremadamente precisa entre dos personas en el espacio, pero también dentro de un grupo o comunidad, me fascina desde hace mucho tiempo. Son procesos cotidianos pero también escenificados, ocurren constantemente, no siempre son conscientes o directamente visibles, pero son de suma importancia. Este espacio entre las personas es, para mí, una especie de geometría fundamental de la existencia y a veces me parece que este espacio, esta geometría, es todo lo que tenemos.
¿Le interesa la idea de trabajar para espacios específicos?
Sí, por supuesto, me interesa mucho. Ahora mismo, después del trabajo para el metro de Trento y antes de eso la estación de metro de Roma, me doy cuenta de que los espacios especialmente de transición son fundamentalmente interesantes para mí. También me gusta el amplio diálogo con la ciudad. Entre la civilización y el arte contemporáneo debe haber una implicación y un diálogo mutuos. Los signos y expresiones estéticas de todos los tiempos son fundamentales para crear esta historia común. En la historia del arte abstracto hay algunos ideales importantes: no ser propagandístico, no decir a la gente lo que tiene que pensar o sentir, sino creer en la capacidad de interpretación de cada individuo y, por tanto, en la responsabilidad de cada uno de nosotros.
¿Cómo procede cuando tiene que realizar una intervención en un espacio? ¿Adapta soluciones establecidas o encuentra soluciones diferentes de vez en cuando?
Intento trasladar al espacio mis observaciones derivadas principalmente de la pintura y el dibujo. Me interesa mucho transformar o alterar una situación y hacer literalmente accesible una idea formal, lo que a menudo enlaza con mi idea de reforzar la atención mediante la práctica de la reducción.
¿Le interesa la idea de escenificar el trabajo?
Sí, por supuesto, pero realmente depende de la ocasión, del contexto. Me gusta mucho el aspecto de transformar un lugar, de crear una nueva situación con signos gráficos, que a veces puede parecer una realidad paralela a la existente. Esto está relacionado con mi confianza en el potencial de nuestra imaginación. Tengo mucha fe en las líneas y las formas: creo que son herramientas eficaces que pueden llevarnos a mundos deseados.
¿Qué importancia tiene la dimensión relacional en su trabajo? ¿Qué tipo de relación intenta establecer con quienes disfrutan de su obra?
Me parece que el arte debe ofrecer una relación individual, íntima y al mismo tiempo compartida. Al fin y al cabo, compartir, razonar e integrar opiniones diferentes son el tejido de la civilización. Una observación valiosa puede llevarnos a darnos cuenta de que siempre somos nosotros los que creamos juntos este mundo, estos sentimientos. Que al final la obra de arte existe en la experiencia de cada individuo y sólo vive si se comparte.
¿Le interesa la dimensión social del arte?
Sí, por supuesto, y creo que el arte sólo tiene sentido si se concibe de este modo. En mi opinión, no de un modo excesivamente educativo, sino de un modo que permita una dimensión poética, estética, un lugar de encuentro. Estos lugares de encuentro no deben pensarse sólo como lugares psíquicos, sino también como lugares mentales, donde las formas, los pensamientos y las maneras de pensar pueden llevarnos a la belleza.
¿Qué es la belleza en su opinión?
Para mí, la belleza está ligada a la verdad, y también al deseo de vivir, de expresarse. Incluso a arriesgar un poco, a ser vulnerable. Renzo Piano, hablando de belleza, decía que es como una idea profunda que nos pertenece humanísticamente, vinculando este concepto a la convivencia. Y estoy de acuerdo con él. Para mí, la belleza sólo puede desarrollarse y respirar si está ligada a la libertad de expresarse y de amar, y también a una cierta manera de experimentar que permite alcanzar un estado de vida extraordinario. Para mí, todas las emociones humanas pueden ser bellas, pero a veces deben transformarse para servir a nuestra felicidad colectiva.
El autor de este artículo: Gabriele Landi
Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.
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