Aufgewachsen zwischen Strenge und Phantasie, hat Esther Stocker (Schlanders, 1974) eine künstlerische Forschung aufgebaut, die Ordnung und Instabilität, System und Abweichung in Spannung setzt. Die seit Jahren in Wien tätige Südtiroler Künstlerin bewegt sich zwischen Malerei, Installation und Intervention im öffentlichen Raum und bedient sich einer abstrakten und geometrischen Sprache, die auf das Wesentliche reduziert ist: Weiß, Schwarz und Grau. Ihre Werke verwandeln die Malerei in ein Environment und den Raum in eine Wahrnehmungserfahrung, die den Blick und seine Automatismen hinterfragt. Durch sich wiederholende Module und subtile Irrwege zeigt Stocker die Unvollkommenheit auf, die jedem scheinbar perfekten System innewohnt. In diesem Interview spricht Gabriele Landi mit dem Künstler über die Wurzeln seiner Ausbildung, die Rolle der Zeichnung und der Geometrie, die Beziehung zwischen Kunst und Gesellschaft bis hin zu einer umfassenderen Reflexion über die Schönheit, verstanden als ein gemeinsamer Raum der Wahrheit, der Verletzlichkeit und der Freiheit.
GL. Für viele Künstler ist die Kindheit das goldene Zeitalter, in dem sich Bilder und Prozesse ablagern, die für spätere Entwicklungen wertvoll werden. War das auch bei Ihnen der Fall?
ES. Ja, natürlich! Spielen, Experimentieren und Entdecken sind sicherlich die Koordinaten, die mich, ausgehend von der magischen Erfahrung der Kindheit, zu dem Wunsch geführt haben, ein Leben aufzubauen, das auf diesen kostbaren Handlungen basiert. Ich verbinde die künstlerische Praxis direkt mit der Ehrlichkeit der Kindheit, oder zumindest mit dem Wunsch, diesen Weg zu gehen. Ich halte auch die Fähigkeit, sich etwas vorzustellen, für eine unserer wichtigsten Eigenschaften, die sicherlich in der Kindheit ihren Ursprung hat. Manchmal wachen wir als Kind mit einer wichtigen Aufgabe auf, die wir im Laufe des Tages erfüllen müssen: zum Beispiel ein riesiges Papierboot zu bauen, ein Loch in die Erde zu graben oder das gesamte Wasser eines Sees zu trinken. Wofür ist der Tag sonst da? Im Grunde unterscheidet sich das nicht von dem, was ein Künstler tut, Misserfolg eingeschlossen. Ich denke, wir sollten alle versuchen, dem Leben zu begegnen, ohne unsere kindliche Neugier, unsere Fantasie und unseren Glauben an eine schnelle und einfache Wende zum Besseren zu verlieren. Wenn ich an die heutigen Zeiten denke, sehne ich mich auch nach kindlichem Ungehorsam gegenüber dummen und destruktiven Autoritäten, um die Wahrheit zu sagen.
Welche Studien haben Sie absolviert?
Ich habe Malerei und Grafik an der Akademie der bildenden Künste in Wien studiert. Außerdem habe ich an der Akademie Brera in Mailand und am Art Center in Pasadena, Kalifornien, studiert.
Gab es wichtige Begegnungen in Ihren prägenden Jahren?
In der Schule hatte ich das Glück, Jakob De Chirico als Lehrer zu haben, und in Wien gab es Eva Schlegel, die sowohl als Künstlerin als auch als Lehrerin eine Inspiration war.
Warum arbeiten Sie ausschließlich mit Weiß, Schwarz und Grau?
Ich interessiere mich vor allem für formalästhetische Dinge, für die Beziehungen zwischen verschiedenen Formen und eine Reduktion: Meiner Meinung nach lassen sich die Beziehungen am besten im hohen Kontrast von Schwarz und Weiß erkennen. Es ist eine Art, zu unterscheiden, Dinge zu trennen, sie besser zu verstehen und sich ihnen dann tatsächlich zu nähern. Vielleicht ist es gerade der Wunsch, sich einander anzunähern, ein Ding dem anderen, der uns zur Abstraktion und Reduktion führt. Eine Methode des Trennens, um näher zu kommen. Mit Il mondo viene considerato all’ombra habe ich den Titel eines Buches von Domenica Papa für eine Installationsarbeit in der aktuellen Ausstellung in der Galleria Civica in Trient zitiert. Ich denke, dass unsere Überlegungen und Reflexionen über Beziehungen oft zu einer Welt ohne Farbe gehören.
Spielt die Zeichnung in Ihrer Arbeit eine Rolle?
Unbedingt ja. Sie ist ein Werkzeug zur Reflexion und auch ein mathematisches Werkzeug. Die Zeichnung ermöglicht es uns, uns als Punkte im Raum zu messen. So denke ich auch über technische und architektonische Zeichnungen: Letztendlich sind sie Koordinierungssysteme für unsere begrenzte menschliche Dimension. Die Zeichnung kann uns erlauben, die Schwerkraft zu überwinden. Wir können mit der Zeichnung experimentieren und denken und mit Linien gehen, die unsere Fähigkeit, uns Strukturen vorzustellen, zum Ausdruck bringen. Die Zeichnung kann berechnen, visualisieren, manchmal sogar Paradoxien, wie im Fall von Maurits Cornelis Escher. Ich denke, in der abstrakten Kunst steckt die Idee, unsere Gefühle zu messen. Den verschiedenen Bedürfnissen unserer Existenz, funktionalen Beziehungen und unverständlichen Beziehungen, Beobachtungen, aber auch Visionen und Wünschen eine Form zu geben.
Das Quadrat ist vielleicht die geometrische Form, die in Ihrem Werk am häufigsten vorkommt: Warum ist das so?
In den letzten Jahren, ja, anfangs mochte ich das Quadrat nicht so sehr, es schien mir eine zu absolute Form zu sein, mit zu viel egozentrischer, selbstreferenzieller formaler Logik: Ich zog das Rechteck vor. Dann entdeckte ich, dass das Quadrat auch anders gesehen werden kann, und dass seine Absolutheit und geschlossene Logik als Kontrast für meine Suche nach einer offenen Logik dienen kann. In Wahrheit kann das Quadrat als eine außergewöhnliche Variante des Rechtecks gesehen werden. Ich habe auch erkannt, dass es Zerbrechlichkeit und Humor zeigen kann, was es sehr liebenswert macht. Vielleicht ist es die formale Verletzlichkeit des Quadrats, die mich interessiert.
Welche Rolle und welchen Wert messen Sie der Geometrie in Ihrer Arbeit zu?
Ich liebe die Geometrie in vielerlei Hinsicht und bezeichne meine Arbeit oft als ’existenzielle Geometrie’. Ich denke gerne so weit wie möglich über Geometrie nach. Geometrie ist für mich eine Möglichkeit, die Welt zu sehen und mit ihr zu interagieren. Ich denke, Logik und Geometrie sind zu Recht mit größeren Fragen über unsere Existenz oder das Universum verbunden. Und die Geometrie bleibt trotz allem, was wir zu wissen glauben, ein Geheimnis.
Können Sie diese Idee der “existenziellen Geometrie” näher erläutern?
Mit existenzieller Geometrie meine ich, dass wir uns in unseren sozialen Interaktionen mit Aufmerksamkeit und Raum und deren sorgfältiger Verbindung beschäftigen müssen. Dies ist die Grundvoraussetzung für unser Leben und Überleben. Auch die Einsamkeit und das Glück des Menschen sind geometrische Themen. Wenn ein kleines Quadrat freitragend und leicht schief auf einer dicken weißen Fläche schwebt, erkennen wir sofort, dass es keinen Halt und keinen Sinn für das Gleichgewicht hat. Andererseits können schräge Formen im Vergleich zu einer starren Abfolge kühn oder sogar befreiend wirken. Neben der Reduktion interessiere ich mich auch für die Funktionsweise dichterer Strukturen, wo die Grenzen unseres formalen Verständnisses liegen. Die äußerst präzise Vermessung zwischen zwei Menschen im Raum, aber auch innerhalb einer Gruppe oder Gemeinschaft, fasziniert mich schon lange. Es sind alltägliche, aber auch inszenierte Prozesse, sie finden ständig statt, sie sind nicht immer bewusst oder direkt sichtbar, aber sie sind von größter Bedeutung. Dieser Raum zwischen Menschen ist für mich eine Art Grundgeometrie der Existenz und manchmal scheint es mir, dass dieser Raum, diese Geometrie, alles ist, was wir haben.
Interessieren Sie sich für die Idee, für bestimmte Räume zu arbeiten?
Ja, natürlich, ich bin sehr interessiert. Gerade jetzt, nach der Arbeit für die U-Bahn in Trient und davor für den U-Bahnhof in Rom, merke ich, dass vor allem Übergangsräume für mich grundsätzlich interessant sind. Mir gefällt auch der breite Dialog mit der Stadt. Zwischen der Zivilisation und der zeitgenössischen Kunst muss es eine gegenseitige Beteiligung und einen Dialog geben. Ästhetische Zeichen und Ausdrucksformen aus allen Zeiten sind grundlegend, um diese gemeinsame Geschichte zu schaffen. In der Geschichte der abstrakten Kunst gibt es einige wichtige Ideale: nicht propagandistisch zu sein, den Menschen nicht vorzuschreiben, was sie zu denken oder zu fühlen haben, sondern an die Interpretationsfähigkeit jedes Einzelnen und damit an die Verantwortung eines jeden von uns zu glauben.
Wie gehen Sie vor, wenn Sie eine Intervention in einem Raum durchführen müssen? Adaptieren Sie etablierte Lösungen oder finden Sie von Zeit zu Zeit andere Lösungen?
Ich versuche, meine Beobachtungen, die ich hauptsächlich beim Malen und Zeichnen mache, in den Raum zu übertragen. Ich bin sehr daran interessiert, eine Situation zu transformieren oder zu verändern und eine formale Idee buchstäblich zugänglich zu machen, was oft mit meiner Idee der Stärkung der Aufmerksamkeit durch die Praxis der Reduktion zusammenhängt.
Interessieren Sie sich für die Idee der Inszenierung von Arbeiten?
Ja, natürlich, aber das hängt wirklich von der Gelegenheit und dem Kontext ab. Mir gefällt der Aspekt, einen Ort zu verwandeln, mit grafischen Zeichen eine neue Situation zu schaffen, die manchmal wie eine parallele Realität zur bestehenden erscheinen kann. Das hängt mit meinem Vertrauen in das Potenzial unserer Vorstellungskraft zusammen. Ich habe großes Vertrauen in Linien und Formen: Ich denke, sie sind wirksame Werkzeuge, die uns in gewünschte Welten führen können.
Wie wichtig ist die Beziehungsdimension in Ihrer Arbeit? Welche Art von Beziehung versuchen Sie zu den Menschen aufzubauen, die Ihre Werke betrachten?
Mir scheint, dass Kunst eine individuelle, intime und gleichzeitig gemeinsame Beziehung bieten sollte. Schließlich sind der Austausch, das Nachdenken und die Integration verschiedener Meinungen das Gewebe der Zivilisation. Eine wertvolle Beobachtung kann uns zu der Erkenntnis führen, dass es immer wir sind, die diese Welt, diese Gefühle gemeinsam erschaffen. Dass das Kunstwerk letztlich in der Erfahrung eines jeden Einzelnen existiert und nur lebt, wenn es geteilt wird.
Sind Sie an der sozialen Dimension der Kunst interessiert?
Ja, natürlich, und ich glaube, dass Kunst nur dann einen Sinn hat, wenn sie auf diese Weise betrachtet wird. Meiner Meinung nach nicht auf eine allzu pädagogische Art und Weise, sondern in einer Weise, die eine poetische, ästhetische Dimension, einen Ort der Begegnung ermöglicht. Diese Orte der Begegnung sollten nicht nur als psychische Orte gedacht werden, sondern auch als geistige Orte, an denen Formen, Gedanken und Denkweisen uns zur Schönheit führen können.
Was ist Ihrer Meinung nach Schönheit?
Für mich ist Schönheit mit Wahrheit verbunden, aber auch mit dem Wunsch zu leben, sich auszudrücken. Auch ein wenig zu riskieren, verletzlich zu sein. Renzo Piano sagte über die Schönheit, dass sie wie eine tiefgründige Idee ist, die zu uns Menschen gehört, und verband dieses Konzept mit dem Zusammenleben. Und ich stimme mit ihm überein. Für mich kann sich Schönheit nur entwickeln und atmen, wenn sie mit der Freiheit verbunden ist, sich auszudrücken und zu lieben, und auch mit einer bestimmten Art des Erlebens, die es der Wahrheit erlaubt, einen außergewöhnlichen Zustand des Lebens zu erreichen. Für mich können alle menschlichen Emotionen schön sein, aber manchmal müssen sie transformiert werden, um unserem gemeinsamen Glück zu dienen.
Der Autor dieses Artikels: Gabriele Landi
Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.Achtung: Die Übersetzung des italienischen Originalartikels ins Deutsche wurde mit Hilfe automatischer Tools erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, aber wir garantieren nicht die völlige Abwesenheit von Ungenauigkeiten in der Übersetzung aufgrund des Programms. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.
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