L'art n'a de sens que s'il est conçu dans une dimension sociale". Entretien avec Esther Stocker

Ayant grandi entre rigueur et imagination, Esther Stocker (Silandro, 1974) a construit une recherche artistique qui met en tension l’ordre et l’instabilité, le système et la déviation. Active depuis des années à Vienne, l’artiste du Tyrol du Sud évolue entre peinture, installation et intervention dans l’espace public, en utilisant un langage abstrait et géométrique réduit à l’essentiel : le blanc, le noir et le gris. Ses œuvres transforment le tableau en environnement et l’espace en expérience perceptive, interrogeant le regard et ses automatismes. À travers des modules répétés et des aberrations subtiles, Stocker révèle l’imperfection inhérente à tout système apparemment parfait. Dans cet entretien, Gabriele Landi revient avec l’artiste sur les racines de sa formation, le rôle du dessin et de la géométrie, la relation entre l’art et la société, jusqu’à une réflexion plus large sur la beauté, comprise comme un espace partagé de vérité, de vulnérabilité et de liberté.

GL. Pour de nombreux artistes, l’enfance correspond à l’âge d’or, celui où commencent à se sédimenter des images et des processus qui deviennent en quelque sorte précieux pour les développements ultérieurs. Est-ce le cas pour vous aussi ?

ES. Oui, bien sûr ! Jouer, expérimenter et découvrir sont certainement les coordonnées qui, à partir de l’expérience magique de l’enfance, m’ont conduit au désir de construire une vie basée sur ces actions précieuses. Associer la pratique artistique directement à l’honnêteté de l’enfance, ou du moins au désir d’essayer d’emprunter cette voie. Je considère également que la capacité d’imaginer, l’une de nos qualités les plus importantes, trouve certainement son fondement dans l’enfance. Parfois, lorsque nous sommes enfants, nous nous réveillons avec une mission importante à accomplir au cours de la journée : par exemple, construire un bateau en papier géant, creuser un trou dans la terre ou boire toute l’eau d’un lac. À quoi d’autre sert la journée ? Au fond, ce n’est pas différent de ce que fait un artiste, échec compris. Je pense que nous devrions tous essayer d’affronter la vie sans perdre notre curiosité enfantine, notre imagination et notre foi en une amélioration rapide et facile. En pensant à l’époque actuelle, j’aspire également à la désobéissance enfantine face à des autorités stupides et destructrices, pour dire la vérité.

Quelles études avez-vous faites ?

J’ai étudié la peinture et le graphisme à l’Académie des beaux-arts de Vienne. J’ai également étudié à l’Académie de Brera à Milan et à l’Art Center de Pasadena, en Californie.

Y a-t-il eu des rencontres importantes au cours de vos années de formation ?

Au lycée, j’ai eu la chance d’avoir Jakob De Chirico comme professeur et à Vienne, Eva Schlegel a été une source d’inspiration à la fois en tant qu’artiste et en tant que professeur.

Pourquoi travaillez-vous exclusivement avec le blanc, le noir et le gris ?

Je m’intéresse principalement à l’esthétique formelle, aux relations entre différentes formes et à la réduction : à mon avis, c’est dans le contraste élevé du noir et du blanc que l’on peut le mieux voir ces relations. C’est une façon de distinguer, de séparer les choses, de mieux les comprendre et donc de s’en approcher. C’est peut-être précisément le désir de se rapprocher les uns des autres, d’une chose à l’autre, qui nous conduit à l’abstraction et à la réduction. Une méthode qui consiste à séparer pour mieux s’approcher. Avec Il mondo viene considerato all’ombra, j’ai cité le titre d’un livre de Domenica Papa, pour une installation dans le cadre de l’exposition en cours à la Galleria Civica de Trente. Je pense que nos considérations et nos réflexions sur les relations appartiennent souvent à un monde sans couleur.

Le dessin a-t-il une importance dans votre travail ?

Absolument. C’est un outil de réflexion, mais aussi un outil mathématique. Le dessin nous permet de nous mesurer en tant que points dans l’espace. Je pense aussi au dessin technique, architectural, de cette manière : ce sont finalement des systèmes de coordination de notre dimension humaine limitée. Le dessin peut nous permettre d’aller au-delà de la gravité. Nous pouvons expérimenter et penser avec le dessin et marcher avec des lignes, qui expriment notre capacité à imaginer des structures. Le dessin peut calculer, visualiser, parfois même des paradoxes, comme dans le cas de Maurits Cornelis Escher. Je pense qu’il y a dans l’art abstrait l’idée de mesurer nos émotions. Donner une forme aux différents besoins de notre existence, aux relations fonctionnelles et aux relations incompréhensibles, aux observations mais aussi aux visions et aux désirs.

Le carré est peut-être la forme géométrique qui revient le plus souvent dans votre travail : pourquoi ?

Ces dernières années, oui. Au début, je n’aimais pas beaucoup le carré, qui me semblait une forme trop absolue, avec une logique formelle trop égocentrique et autoréférentielle : je préférais le rectangle. Puis j’ai découvert que le carré peut être vu d’une autre manière, et que son absoluité et sa logique fermée peuvent servir de contraste à ma recherche d’une logique ouverte. En réalité, le carré peut être considéré comme une variante exceptionnelle du rectangle. Je me suis également rendu compte qu’il pouvait faire preuve de fragilité, d’humour, ce qui le rend très attachant. C’est peut-être la vulnérabilité formelle du carré qui m’intéresse.

Quel rôle et quelle valeur attribuez-vous à la géométrie dans votre travail ?

J’aime vraiment la géométrie à bien des égards et j’appelle souvent mon travail “géométrie existentielle”. J’aime penser à la géométrie de la manière la plus large possible. Pour moi, la géométrie est une façon de voir le monde et d’interagir avec lui. Je pense que la logique et la géométrie sont à juste titre liées à des questions plus importantes concernant notre existence ou l’univers. Et la géométrie reste un secret malgré tout ce que nous pensons savoir.

Pouvez-vous nous en dire plus sur cette idée de “géométrie existentielle” ?

Par géométrie existentielle, j’entends que dans nos interactions sociales, nous devons nous préoccuper de l’attention et de l’espace et de leur connexion minutieuse. C’est la condition fondamentale de notre vie et de notre survie. La solitude et le bonheur des gens sont également des thèmes géométriques. Lorsqu’un petit carré plane sans support et légèrement de travers sur une surface blanche épaisse, nous nous rendons immédiatement compte qu’il n’a pas de support et qu’il n’a pas le sens de l’équilibre. D’un autre côté, les formes obliques peuvent sembler audacieuses ou même libératrices par rapport à une séquence rigide. Outre la réduction, je m’intéresse également au fonctionnement des structures plus denses, là où résident les limites de notre compréhension formelle. La mesure extrêmement précise entre deux personnes dans l’espace, mais aussi au sein d’un groupe ou d’une communauté, me fascine depuis longtemps. Ce sont des processus quotidiens mais aussi mis en scène, ils se produisent constamment, ils ne sont pas toujours conscients ou directement visibles, mais ils sont de la plus haute importance. Cet espace entre les personnes est, pour moi, une sorte de géométrie fondamentale de l’existence et il me semble parfois que cet espace, cette géométrie, est tout ce que nous avons.

Êtes-vous intéressé par l’idée de travailler pour des espaces spécifiques ?

Oui, bien sûr, je suis très intéressé. En ce moment, après avoir travaillé pour le métro de Trente et avant cela pour la station de métro de Rome, je me rends compte que les espaces de transition sont fondamentalement intéressants pour moi. J’aime aussi le large dialogue avec la ville. Entre la civilisation et l’art contemporain, il doit y avoir une implication et un dialogue mutuels. Les signes et expressions esthétiques de tous les temps sont fondamentaux pour créer cette histoire commune. Dans l’histoire de l’art abstrait, il y a des idéaux importants : ne pas faire de propagande, ne pas dire aux gens ce qu’ils doivent penser ou ressentir, mais plutôt croire en la capacité d’interprétation de chaque individu et donc en la responsabilité de chacun d’entre nous.

Comment procédez-vous lorsque vous devez intervenir dans un espace ? Adaptez-vous des solutions établies ou trouvez-vous des solutions différentes de temps en temps ?

J’essaie de traduire dans l’espace mes observations issues principalement de la peinture et du dessin. Je suis très intéressé par la transformation ou l’altération d’une situation et par le fait de rendre littéralement accessible une idée formelle, ce qui est souvent lié à mon idée de renforcer l’attention par la pratique de la réduction.

Êtes-vous intéressé par l’idée de mettre en scène des œuvres?

Oui, bien sûr, mais cela dépend vraiment de l’occasion, du contexte. J’aime beaucoup l’aspect de la transformation d’un lieu, de la création d’une nouvelle situation avec des signes graphiques, qui peut parfois ressembler à une réalité parallèle à celle qui existe. Cela est lié à ma confiance dans le potentiel de notre imagination. Je crois beaucoup aux lignes et aux formes : je pense que ce sont des outils efficaces qui peuvent nous emmener dans des mondes désirés.

Quelle est l’importance de la dimension relationnelle dans votre travail ? Quel type de relation essayez-vous d’établir avec ceux qui apprécient votre travail ?

Il me semble que l’art doit offrir une relation individuelle, intime et en même temps partagée. En fin de compte, le partage, le raisonnement et l’intégration d’opinions différentes sont le tissu de la civilisation. Une observation précieuse peut nous amener à réaliser que c’est toujours nous qui créons ce monde, ces sentiments ensemble. Qu’en fin de compte, l’œuvre d’art existe dans l’expérience de chaque individu et ne vit que si elle est partagée.

La dimension sociale de l’art vous intéresse-t-elle ?

Oui, bien sûr, et je pense que l’art n’a de sens que s’il est considéré de cette manière. Pas d’une manière trop pédagogique à mon avis, mais d’une manière qui permet une dimension poétique, esthétique, un lieu de rencontre. Ces lieux de rencontre ne doivent pas seulement être pensés comme des lieux psychiques, mais aussi comme des lieux mentaux, où des formes, des pensées, des modes de pensée peuvent nous conduire à la beauté.

Qu’est-ce que la beauté selon vous ?

Pour moi, la beauté est liée à la vérité, mais aussi au désir de vivre, de s’exprimer. Même de risquer un peu, d’être vulnérable. Renzo Piano, en parlant de la beauté, a dit que c’est comme une idée profonde qui nous appartient humainement, en liant ce concept au vivre ensemble. Je suis d’accord avec lui. Pour moi, la beauté ne peut se développer et respirer que si elle est liée à la liberté de s’exprimer et d’aimer, ainsi qu’à une certaine façon de vivre qui permet à la vérité d’atteindre un état de vie extraordinaire. Pour moi, toutes les émotions humaines peuvent être belles, mais elles doivent parfois être transformées pour servir notre bonheur collectif.

L'auteur de cet article: Gabriele Landi

Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.

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