Del 29 de enero al 17 de mayo de 2026, el Palazzo Reale de Milán acoge Robert Mapplethorpe. Las formas del deseo, una retrospectiva dedicada al fotógrafo estadounidense que recorre sistemáticamente toda la parábola de su obra. La exposición, promovida por el Ayuntamiento de Milán - Cultura y producida por el Palazzo Reale y Marsilio Arte en colaboración con la Fundación Robert Mapplethorpe de Nueva York, forma parte del programa de laOlimpiada Cultural Milán Cortina 2026, flanqueando el calendario de los Juegos Olímpicos y Paralímpicos de Invierno con un calendario de eventos culturales repartidos por todo el país.
La exposición reúne más de 200 obras, entre ellas algunas imágenes, y propone una lectura global de la obra de Robert Mapplethorpe, relacionando las distintas fases de su investigación y los núcleos temáticos que han marcado su evolución. Comisariada por Denis Curti, la exposición pretende restituir la complejidad de un autor que, entre los años sesenta y ochenta, contribuyó de forma decisiva a la redefinición del lenguaje fotográfico, situándose en el centro de las tensiones culturales, políticas e identitarias de su época. Nacido en Nueva York en 1946 y fallecido prematuramente en Boston en 1989, Mapplethorpe atravesó un periodo histórico en el que la creatividad adoptó a menudo la forma de un gesto político. En este contexto, su fotografía se desarrolló como un instrumento de investigación formal y simbólica, capaz de combinar una rigurosa investigación estética con una reflexión explícita sobre el cuerpo, el deseo y la identidad. En Milán, la exposición privilegia precisamente esta dimensión, centrándose en la construcción del cuerpo humano, tratado como una superficie escultórica mediante un uso calibrado de la luz, el contraste y la composición.
"Con Robert Mapplethorpe. Las formas del deseo, Milán rinde homenaje a un maestro que supo combinar la disciplina de la composición clásica con la libertad de la expresión contemporánea", afirma. Tommaso Sacchi, Concejal de Cultura del Ayuntamiento de Milán “En sus imágenes, el cuerpo humano se convierte en arquitectura, cultura, medida ideal. En constante diálogo con la escultura y la tradición clásica, las fotografías de Mapplethorpe revelan su aspiración a un ideal de belleza absoluta, rigurosa y al mismo tiempo sensual. La exposición encuentra en Milán una declinación particular: la energía creadora se convierte en principio estético, armonía entre la materia y la idea, entre lo efímero y lo eterno. Acoger esta etapa del proyecto dedicado al fotógrafo en el Palazzo Reale significa reafirmar el papel de Milán como capital de la imagen contemporánea y como ciudad capaz de acoger los lenguajes más complejos y radicales de la modernidad”.
“Todo cambia cuando el amigo cineasta Sandy Daley regala a Mapplethorpe una Polaroid”, explica Denis Curti, comisario de la exposición, “y con ésta en sus manos, entre 1970 y 1971, Robert inicia un camino ligado al estudio de su autorretrato, centrado en la representación del sexo homoerótico y partiendo de sí mismo. Al mismo tiempo, conoce a Tom de Finlandia (seudónimo de Touko Laaksonen): el primero en dar vida a la estética homoerótica. Entre ellos nace una gran amistad que cambia para siempre la visión de Mapplethorpe. Ambos exploraron el tema del fetichismo, la piel y la belleza clásica aplicada al cuerpo masculino. Mientras Tom lo hacía con la exageración del dibujo, Mapplethorpe lo hacía con la precisión casi marmórea de la fotografía, pero ambos contribuyeron a hacer ”arte“ de lo que antes sólo se consideraba material underground. Autodidacta, Sam Wagstaff (su mentor y compañero) le regaló en 1975 su primera Hasselblad, la cámara de formato medio que le permitió alcanzar la precisión escultórica y los blancos y negros perfectos por los que hoy es universalmente conocido. El objetivo de esta exposición es precisamente situar a Robert Mapplethorpe en la más alta dimensión de la fotografía, entre los fotógrafos más importantes del siglo XX, más allá de la provocación y más allá de la censura”.
La inauguración de la exposición está dedicada a los collages y ensamblajes realizados a finales de la década de 1960, obras raras y raramente expuestas que documentan la fase experimental del artista. En estas obras, Mapplethorpe combina recortes de revistas, imágenes de archivo, dibujos, fetiches religiosos, ropa y materiales heterogéneos, construyendo composiciones que reflejan un temprano interés por el tema de la identidad y el papel del artificio en la representación del yo. El interés se dirige hacia la posibilidad de establecer una relación con el otro, solicitando una participación activa del observador, que es llamado a completar el significado de la obra a través de su propia experiencia.
Dos secciones centrales están dedicadas a las figuras de Patti Smith y Lisa Lyon, musas fundamentales en la carrera de Mapplethorpe. Los retratos de Patti Smith restituyen un vínculo que se prolonga en el tiempo y se sitúa en un plano de profunda intimidad. Las imágenes hablan de una relación compleja, hecha de cercanía emocional y de intercambio artístico, y construyen una narrativa visual que acompaña a ambas figuras en su camino de crecimiento personal y creativo. En estas tomas, la dimensión afectiva se traduce en una representación esencial, desprovista de retórica, en la que el cuerpo se convierte en un lugar de reconocimiento mutuo.
Diferente, pero igualmente central, es la obra dedicada a Lisa Lyon, campeona mundial de culturismo e icono de una belleza andrógina que desafía las convenciones de género. Mapplethorpe retrata a Lyon a través de una estética neoclásica, acentuando la definición muscular y la tensión física, y construye imágenes que cuestionan los límites tradicionales entre lo masculino y lo femenino. El cuerpo se convierte aquí en un espacio de transformación, sustraído a las categorías dominantes y devuelto como forma autónoma, capaz de expresar una nueva idea de identidad.
La sección de autorretratos introduce un registro más introspectivo. Mapplethorpe utiliza la fotografía como herramienta de autoanálisis, documentando su propia existencia a través de una serie de imágenes que abarcan toda su vida adulta. Desde las poses dandis de los años 70 hasta los disfraces y puestas en escena más radicales, pasando por las instantáneas finales marcadas por la enfermedad, el autorretrato adopta la forma de un diario visual en el que el cuerpo del artista se convierte en un lugar de experimentación y exposición total. En obras como Autorretrato de 1988, el rostro marcado por el sida ofrece un testimonio directo y sin mediaciones, poniendo en tela de juicio la relación entre representación, vulnerabilidad y conciencia del fin.
Se reserva un amplio espacio al retrato, entendido por Mapplethorpe como un encuentro entre dos subjetividades. Las fotografías de estudio, caracterizadas por un riguroso control de la luz y la composición, retratan a figuras centrales de la cultura del siglo XX, como Andy Warhol, Yoko Ono, Susan Sontag, Peter Gabriel o Isabella Rossellini. En estos planos, la persona retratada se sustrae a la contingencia de la realidad y se sitúa en una dimensión suspendida, en la que la corporeidad adquiere un valor simbólico. La mirada, directa o lateral, se convierte en el punto de apoyo narrativo de la imagen, abriendo un diálogo silencioso con el observador.
El núcleo de desnudos masculinos y femeninos representa uno de los puntos más conocidos y discutidos de la producción de Mapplethorpe. Las fotografías expuestas en Milán muestran cuerpos tratados como formas clásicas, construidos mediante una síntesis de tensión plástica y precisión formal. Especialmente importantes son los retratos de modelos afroamericanos, representados fuera de cualquier estereotipo y convertidos en esculturas vivientes, en las que la luz moldea la superficie de la piel con la misma atención reservada al mármol. Estas obras pueden leerse como una reflexión sobre los límites de la mirada y las dinámicas de extrañeza y proximidad que rigen la relación entre el observador y el sujeto observado.
Junto a los desnudos, las fotografías de flores constituyen otro elemento central de la exposición. Calas, orquídeas, tulipanes y amapolas se toman como apariciones aisladas, cargadas de alusiones formales y simbólicas. Lejos de ser meros ejercicios de estilo, estas naturalezas muertas participan de la misma tensión que recorre los cuerpos humanos, sugiriendo una continuidad entre naturaleza y anatomía y entre forma vegetal y pulsión vital. La flor se convierte así en un dispositivo visual que remite a una sexualidad implícita, construida mediante el equilibrio y el control compositivo.
La exposición se cierra con una sección dedicada al diálogo entre la fotografía contemporánea y la estatuaria clásica. Utilizando su Hasselblad 500C, Mapplethorpe fotografía esculturas antiguas con la intención de sacarlas de su inmovilidad, devolviendo a la piedra una cualidad carnal. Mediante el juego de luces y sombras, las superficies de mármol adquieren una suavidad inesperada, mientras que el cuerpo esculpido se carga de una tensión emocional que lo acerca a la condición humana. En esta confrontación con lo antiguo, la fotografía se convierte en un instrumento de reactivación simbólica, capaz de volver a poner en circulación el deseo inscrito en las formas clásicas.
Robert Mapplethorpe. Las formas del deseo representa el segundo capítulo de una trilogía expositiva iniciada en Venecia, en las Stanze della Fotografia, y destinada a continuar en Roma, en el Museo dell’Ara Pacis, del 29 de mayo al 4 de octubre de 2026. La exposición va acompañada del podcast Mapplethorpe Unframed, escrito y dirigido por Nicolas Ballario, disponible en las principales plataformas Spotify y Apple Music, y de un catálogo publicado por Marsilio Arte, editado por Denis Curti, que reúne 257 obras y reconstruye la evolución del lenguaje de Mapplethorpe desde sus primeros collages hasta sus investigaciones sobre el desnudo y la estatuaria. La exposición se realiza con el apoyo de Radio Capital, radio oficial de la exposición, InViaggioCon Corriere della Sera como media partner, y con el apoyo de Coop Lombardia y La Viarte.
“En Marsilio Arte”, afirma Luca De Michelis, director general de Marsilio Editori y Marsilio Arte, “creemos que la fotografía es el lenguaje universal de lo contemporáneo. Nuestro compromiso se materializa en una visión que combina la tradición editorial de Marsilio con la creación de grandes proyectos expositivos: desde la valorización del patrimonio de grandes fotógrafos hasta la gestión de espacios de excelencia como Le Stanze della Fotografia en Venecia. A través de una red cultural que conecta ciudades como Venecia, Milán y Roma, queremos transformar la experiencia de una exposición en un diálogo vivo, donde la calidad del catálogo y el rigor del proyecto expositivo se unen para devolver al público el extraordinario poder de la imagen”.
Robert Mapplethorpe nació en Queens, Nueva York, en 1946 en el seno de una familia numerosa criada según una estricta educación católica. Tras graduarse, se matriculó en el Pratt Institute de Brooklyn con la intención de obtener un título en diseño publicitario, pero pronto abandonó esta carrera en favor del dibujo, la pintura y la escultura, desarrollando un creciente interés por las artes visuales.
A finales de la década de 1960 conoció a Patti Smith, estudiante de arte por aquel entonces, con la que entabló una relación personal y creativa que estaba destinada a marcar profundamente a ambos. Durante estos años sus investigaciones se centraron principalmente en collages, en los que coexistían sugerencias religiosas, imágenes de archivo y una creciente atención al tema de la identidad. Su traslado al Hotel Chelsea de Manhattan, lugar simbólico de la contracultura neoyorquina, le puso en contacto con círculos artísticos experimentales que alimentaron su curiosidad por las vanguardias y las formas de expresión cada vez más libres.
El giro decisivo hacia la fotografía se produjo a principios de los años setenta, cuando, tras algunas experiencias de performance y vídeo, recibió como regalo una cámara Polaroid que inauguró una nueva etapa en su obra. Su encuentro con John McKendry, entonces jefe del departamento de grabados y fotografías del Metropolitan Museum of Art, reforzó esta dirección, abriendo a Mapplethorpe el acceso a los archivos fotográficos y consolidando su conciencia de la fotografía como lenguaje autónomo. Poco después inició una relación sentimental y profesional con el coleccionista Sam Wagstaff, figura central en el apoyo y promoción de su carrera.
A partir de mediados de la década de 1970, su obra comenzó a circular de forma constante en el sistema artístico, con exposiciones individuales en galerías neoyorquinas y la publicación de sus primeros portfolios. La adopción de la Hasselblad 500C marcó una evolución técnica y formal que coincidió con la exploración de temas relacionados con el cuerpo, la sexualidad y las subculturas gays underground, observados y reinterpretados en un contexto visual controlado y riguroso. En este periodo se crearon series destinadas a provocar un acalorado debate público, que culminó con los primeros episodios de censura a finales de la década de 1970.
La década de 1980 fue testigo de la afirmación internacional de Mapplethorpe, con su participación en grandes exposiciones y la publicación de obras que investigaban la belleza andrógina, el cuerpo afroamericano y el diálogo entre la forma clásica y el deseo. Su encuentro con Lisa Lyon, campeona de culturismo, abrió una temporada de retratos que cuestionaban las convenciones de género a través de una estética neoclásica. Al mismo tiempo, sus obras se exponen en importantes instituciones europeas, como la gran muestra veneciana del Palazzo Fortuny comisariada por Germano Celant, que alimenta un amplio debate público.
A pesar del deterioro de su salud y del diagnóstico de sida, Mapplethorpe siguió trabajando en ambiciosos proyectos hasta sus últimos años. En 1988, creó la Fundación Robert Mapplethorpe para apoyar la investigación sobre el sida y la fotografía institucional. Al mismo tiempo, se celebraron las primeras grandes retrospectivas museísticas en Estados Unidos, que supusieron el reconocimiento definitivo de su obra. Murió en Boston en marzo de 1989. Tras su fallecimiento se celebraron dos ceremonias fúnebres, una privada y otra pública, como testimonio de la doble dimensión personal y cultural de su legado.
Horarios: De martes a domingo, de 10.00 a 19.30 h. Jueves de 10.00 a 22.30 h. Última entrada una hora antes del cierre; lunes cerrado.
Tarifas: Entrada completa 15,00 euros; entrada reducida 13,00 euros
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| Robert Mapplethorpe en Milán: fotografía, cuerpo y deseo en el Palazzo Reale |
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