Vom 29. Januar bis zum 17. Mai 2026 zeigt der Palazzo Reale in Mailand Robert Mapplethorpe. The Forms of Desire, eine Retrospektive, die dem amerikanischen Fotografen gewidmet ist und systematisch die gesamte Parabel seines Werks durchläuft. Die von der Stadt Mailand - Kultur geförderte und von Palazzo Reale und Marsilio Arte in Zusammenarbeit mit der Robert Mapplethorpe Foundation aus New York produzierte Ausstellung ist Teil des Programms derKulturolympiade Mailand Cortina 2026, die den Kalender der Olympischen und Paralympischen Winterspiele mit einem über das ganze Land verteilten Programm an kulturellen Veranstaltungen flankiert.
Die Ausstellung versammelt mehr als 200 Werke, darunter auch einige Bilder, und schlägt eine Gesamtlesart des Werks von Robert Mapplethorpe vor, die die verschiedenen Phasen seiner Forschung und die thematischen Kerne, die seine Entwicklung geprägt haben, in Beziehung setzt. Die von Denis Curti kuratierte Ausstellung zielt darauf ab, die Komplexität eines Autors wiederherzustellen, der zwischen den 1960er und 1980er Jahren einen entscheidenden Beitrag zur Neudefinition der fotografischen Sprache leistete und sich in den Mittelpunkt der kulturellen, politischen und identitätspolitischen Spannungen seiner Zeit stellte. Der 1946 in New York geborene und 1989 in Boston zu früh verstorbene Mapplethorpe durchlebte eine historische Periode, in der die Kreativität oft die Form einer politischen Geste annahm. In diesem Kontext entwickelte sich seine Fotografie zu einem Instrument der formalen und symbolischen Untersuchung, das in der Lage war, eine strenge ästhetische Forschung mit einer expliziten Reflexion über den Körper, das Begehren und die Identität zu verbinden. Die Ausstellung in Mailand stellt genau diese Dimension in den Vordergrund und konzentriert sich auf die Konstruktion des menschlichen Körpers, der durch den gezielten Einsatz von Licht, Kontrast und Komposition wie eine skulpturale Oberfläche behandelt wird.
"Mit Robert Mapplethorpe. The Forms of Desire würdigt Mailand einen Meister, der es verstand, die Disziplin der klassischen Komposition mit der Freiheit des zeitgenössischen Ausdrucks zu verbinden", sagt er. Tommaso Sacchi, Stadtrat für Kultur der Stadt Mailand: "In seinen Bildern wird der menschliche Körper zur Architektur, zur Kultur, zum Idealmaß. In ständigem Dialog mit der Bildhauerei und der klassischen Tradition offenbaren Mapplethorpes Fotografien sein Streben nach einem Ideal der absoluten Schönheit, das streng und gleichzeitig sinnlich ist. Die Ausstellung findet in Mailand eine besondere Deklination: Die schöpferische Energie wird zum ästhetischen Prinzip, zur Harmonie zwischen Materie und Idee, zwischen Vergänglichem und Ewigem. Diese Etappe des dem Fotografen gewidmeten Projekts im Palazzo Reale zu beherbergen, bedeutet, die Rolle Mailands als Hauptstadt des zeitgenössischen Bildes und als Stadt, die in der Lage ist, die komplexesten und radikalsten Sprachen der Moderne zu empfangen, zu bekräftigen.
“Alles ändert sich, als der befreundete Filmemacher Sandy Daley Mapplethorpe ein Polaroid schenkt”, sagt Denis Curti, Kurator der Ausstellung, “und mit diesem in der Hand beginnt Robert zwischen 1970 und 1971 einen Weg, der mit dem Studium seines Selbstporträts verbunden ist und sich auf die Darstellung von homoerotischem Sex konzentriert und von sich selbst ausgeht. Zur gleichen Zeit lernt er Tom of Finland (Pseudonym von Touko Laaksonen) kennen: der erste, der der homoerotischen Ästhetik Leben einhaucht. Zwischen den beiden entsteht eine große Freundschaft, die Mapplethorpes Sichtweise für immer verändert. Beide erforschten das Thema des Fetischismus, der Haut und der klassischen Schönheit, angewandt auf den männlichen Körper. Während Tom dies mit der Übertreibung der Zeichnung tat, tat es Mapplethorpe mit der fast marmorartigen Präzision der Fotografie, aber beide trugen dazu bei, aus dem, was zuvor nur als Untergrundmaterial galt, Kunst” zu machen. Der Autodidakt Sam Wagstaff (sein Mentor und Wegbegleiter) schenkte ihm 1975 seine erste Hasselblad, die Mittelformatkamera, mit der er die skulpturale Präzision und die perfekten Weiß- und Schwarztöne erreichte, für die er heute weltweit bekannt ist. Ziel dieser Ausstellung ist es, Robert Mapplethorpe in die höchste Dimension der Fotografie zu stellen, in die Reihe der wichtigsten Fotografen des 20. Jahrhunderts, jenseits von Provokation und Zensur".
Die Eröffnung der Ausstellung ist den Ende der 1960er Jahre entstandenen Collagen und Assemblagen gewidmet, seltene und selten ausgestellte Werke, die die experimentelle Phase des Künstlers dokumentieren. In diesen Arbeiten kombiniert Mapplethorpe Zeitschriftenausschnitte, Archivbilder, Zeichnungen, religiöse Fetische, Kleidungsstücke und heterogene Materialien zu Kompositionen, die ein frühes Interesse am Thema der Identität und der Rolle des Künstlichen bei der Darstellung des Selbst widerspiegeln. Das Interesse richtet sich auf die Möglichkeit, eine Beziehung zum Anderen herzustellen, und fordert eine aktive Beteiligung des Betrachters, der aufgefordert ist, die Bedeutung des Werks durch seine eigene Erfahrung zu vervollständigen.
Zwei zentrale Abschnitte sind den Figuren von Patti Smith und Lisa Lyon gewidmet, den wichtigsten Musen in Mapplethorpes Karriere. Die Porträts von Patti Smith geben eine Verbindung wieder, die sich über die Zeit erstreckt und auf einer Ebene tiefer Intimität angesiedelt ist. Die Bilder erzählen von einer komplexen Beziehung, die aus emotionaler Nähe und künstlerischem Austausch besteht, und konstruieren eine visuelle Erzählung, die beide Figuren auf ihrem Weg des persönlichen und kreativen Wachstums begleitet. In diesen Aufnahmen wird die affektive Dimension in eine essentielle Darstellung ohne Rhetorik übersetzt, in der der Körper zu einem Ort der gegenseitigen Anerkennung wird.
Anders, aber ebenso zentral, ist das Werk, das Lisa Lyon gewidmet ist, der Weltmeisterin im Bodybuilding und Ikone einer androgynen Schönheit, die sich den Geschlechterkonventionen widersetzt. Mapplethorpe porträtiert Lyon mit einer neoklassischen Ästhetik, die die muskuläre Definition und die körperliche Spannung betont, und konstruiert Bilder, die die traditionellen Grenzen zwischen männlich und weiblich in Frage stellen. Der Körper wird hier zu einem Raum der Verwandlung, der den vorherrschenden Kategorien entzogen wird und als autonome Form zurückkehrt, die in der Lage ist, eine neue Idee von Identität auszudrücken.
Die Sektion der Selbstporträts führt ein eher introspektives Register ein. Mapplethorpe nutzt die Fotografie als Mittel zur Selbstanalyse und dokumentiert seine eigene Existenz anhand einer Reihe von Bildern, die sein gesamtes Erwachsenenleben umfassen. Von den dandyhaften Posen der 1970er Jahre über die radikalsten Verkleidungen und Inszenierungen bis hin zu den letzten, von Krankheit gezeichneten Aufnahmen nimmt das Selbstporträt die Form eines visuellen Tagebuchs an, in dem der Körper des Künstlers zu einem Ort des Experimentierens und der totalen Entblößung wird. In Werken wie dem Selbstporträt von 1988 legt das von AIDS vernarbte Gesicht ein direktes und unvermitteltes Zeugnis ab und stellt die Beziehung zwischen Darstellung, Verletzlichkeit und dem Bewusstsein des Endes in Frage.
Dem Porträt, das Mapplethorpe als Begegnung zwischen zwei Subjektivitäten versteht, wird viel Raum gegeben. Die Studioaufnahmen, die sich durch eine rigorose Kontrolle von Licht und Komposition auszeichnen, porträtieren zentrale Figuren der Kultur des 20. Jahrhunderts, darunter Andy Warhol, Yoko Ono, Susan Sontag, Peter Gabriel und Isabella Rossellini. In diesen Aufnahmen wird die porträtierte Person der Kontingenz der Realität entzogen und in eine schwebende Dimension versetzt, in der die Körperlichkeit einen symbolischen Wert erhält. Der direkte oder seitliche Blick wird zum erzählerischen Dreh- und Angelpunkt des Bildes und eröffnet einen stillen Dialog mit dem Betrachter.
Der Kern aus männlichen und weiblichen Akten ist einer der bekanntesten und meistdiskutierten Punkte in Mapplethorpes Werk. Die in Mailand ausgestellten Fotografien zeigen Körper als klassische Formen, die durch eine Synthese aus plastischer Spannung und formaler Präzision konstruiert sind. Von besonderer Bedeutung sind die Porträts afroamerikanischer Modelle, die jenseits aller Stereotypen als lebende Skulpturen dargestellt werden, bei denen das Licht die Oberfläche der Haut mit der gleichen Aufmerksamkeit formt, die für Marmor reserviert ist. Diese Werke können als eine Reflexion über die Grenzen des Blicks und die Dynamik von Fremdheit und Nähe gelesen werden, die die Beziehung zwischen Beobachter und beobachtetem Subjekt bestimmen.
Neben den Aktbildern bilden Fotografien von Blumen ein weiteres zentrales Element der Ausstellung. Calla-Lilien, Orchideen, Tulpen und Mohnblumen werden als isolierte Erscheinungen aufgenommen, die mit formalen und symbolischen Anspielungen aufgeladen sind. Diese Stillleben sind keineswegs bloße Stilübungen, sondern stehen in der gleichen Spannung wie der menschliche Körper, indem sie eine Kontinuität zwischen Natur und Anatomie sowie zwischen Pflanzenform und Lebenskraft suggerieren. Die Blume wird so zu einem visuellen Mittel, das auf eine implizite Sexualität verweist, die durch Gleichgewicht und kompositorische Kontrolle konstruiert wird.
Die Ausstellung schließt mit einer Sektion, die dem Dialog zwischen zeitgenössischer Fotografie und klassischer Bildhauerei gewidmet ist. Mit seiner Hasselblad 500C fotografiert Mapplethorpe antike Skulpturen mit der Absicht, sie aus ihrer Unbeweglichkeit zu befreien und dem Stein eine fleischliche Qualität zurückzugeben. Durch das Spiel von Licht und Schatten erhalten die Marmoroberflächen eine unerwartete Weichheit, während der gemeißelte Körper mit einer emotionalen Spannung aufgeladen wird, die ihn dem menschlichen Zustand näher bringt. In dieser Konfrontation mit der Antike wird die Fotografie zu einem Instrument der symbolischen Reaktivierung, das in der Lage ist, das den klassischen Formen eingeschriebene Begehren wieder in Umlauf zu bringen.
Robert Mapplethorpe. Die Formen des Begehrens ist das zweite Kapitel einer Ausstellungstrilogie, die in Venedig in den Stanze della Fotografia begann und in Rom im Museo dell’Ara Pacis vom 29. Mai bis 4. Oktober 2026 fortgesetzt wird. Die Ausstellung wird begleitet von dem Podcast Mapplethorpe Unframed, geschrieben und geleitet von Nicolas Ballario, der auf den wichtigsten Plattformen Spotify und Apple Music verfügbar ist, sowie von einem von Marsilio Arte herausgegebenen und von Denis Curti redigierten Katalog, der 257 Werke versammelt und die Entwicklung von Mapplethorpes Sprache von seinen ersten Collagen bis zu seinen Untersuchungen des Akts und der Statue rekonstruiert. Die Ausstellung wird mit der Unterstützung von Radio Capital, dem offiziellen Radiosender der Ausstellung, InViaggioCon Corriere della Sera als Medienpartner und mit der Unterstützung von Coop Lombardia und La Viarte realisiert.
“Bei Marsilio Arte”, so Luca De Michelis, Geschäftsführer von Marsilio Editori und Marsilio Arte, “glauben wir, dass die Fotografie die universelle Sprache der Gegenwart ist. Unser Engagement spiegelt sich in einer Vision wider, die die Verlagstradition von Marsilio mit der Realisierung bedeutender Ausstellungsprojekte verbindet: von der Aufwertung des Erbes großer Fotografen bis hin zum Management von Exzellenzräumen wie Le Stanze della Fotografia in Venedig. Durch ein kulturelles Netzwerk, das Städte wie Venedig, Mailand und Rom miteinander verbindet, wollen wir die Erfahrung einer Ausstellung in einen lebendigen Dialog verwandeln, bei dem die Qualität des Katalogs und die Strenge des Ausstellungsprojekts zusammenkommen, um dem Publikum die außergewöhnliche Kraft des Bildes zurückzugeben”.
Robert Mapplethorpe wurde 1946 in Queens, New York, in einer Großfamilie geboren, die streng katholisch erzogen wurde. Nach dem Schulabschluss schrieb er sich am Pratt Institute in Brooklyn ein, um einen Abschluss in Werbedesign zu machen, gab dieses Studium aber bald zugunsten von Zeichnen, Malerei und Bildhauerei auf und entwickelte ein wachsendes Interesse an der bildenden Kunst.
Ende der 1960er Jahre lernte er die damalige Kunststudentin Patti Smith kennen, mit der er eine persönliche und kreative Beziehung begann, die sie beide tiefgreifend prägen sollte. In diesen Jahren konzentrierte sich seine Forschung vor allem auf Collagen, in denen religiöse Andeutungen, Archivbilder und eine wachsende Aufmerksamkeit für das Thema der Identität nebeneinander stehen. Sein Umzug in das Chelsea Hotel in Manhattan, einem symbolischen Ort der New Yorker Gegenkultur, brachte ihn in Kontakt mit experimentellen Künstlerkreisen, die seine Neugierde für die Avantgarde und immer freiere Ausdrucksformen förderten.
Die entscheidende Hinwendung zur Fotografie erfolgte Anfang der 1970er Jahre, als er nach einigen Performance- und Videoerfahrungen eine Polaroid-Kamera geschenkt bekam, die eine neue Phase in seinem Schaffen einleitete. Die Begegnung mit John McKendry, dem damaligen Leiter der Abteilung für Drucke und Fotografien am Metropolitan Museum of Art, bestärkte ihn in dieser Richtung, eröffnete Mapplethorpe den Zugang zu fotografischen Archiven und festigte sein Bewusstsein für die Fotografie als autonome Sprache. Kurz darauf begann er eine sentimentale und professionelle Beziehung zu dem Sammler Sam Wagstaff, der eine zentrale Rolle bei der Unterstützung und Förderung seiner Karriere spielte.
Ab Mitte der 1970er Jahre wird sein Werk im Kunstbetrieb immer bekannter, es kommt zu Einzelausstellungen in New Yorker Galerien und zur Veröffentlichung seiner ersten Portfolios. Die Einführung der Hasselblad 500C markiert eine technische und formale Entwicklung, die mit der Erkundung von Themen im Zusammenhang mit dem Körper, der Sexualität und der schwulen Subkultur im Untergrund zusammenfällt, die in einem kontrollierten und strengen visuellen Kontext beobachtet und neu interpretiert werden. In dieser Zeit entstanden Serien, die eine heftige öffentliche Debatte auslösten und Ende der 1970er Jahre in den ersten Zensurmaßnahmen gipfelten.
In den 1980er Jahren erfährt Mapplethorpe internationale Anerkennung durch die Teilnahme an großen Ausstellungen und die Veröffentlichung von Werken, die sich mit androgyner Schönheit, dem afroamerikanischen Körper und dem Dialog zwischen klassischer Form und Begehren beschäftigen. Seine Begegnung mit Lisa Lyon, einer Bodybuilding-Meisterin, eröffnete eine Reihe von Porträts, die die Geschlechterkonventionen durch eine neoklassische Ästhetik in Frage stellen. Gleichzeitig werden seine Werke in wichtigen europäischen Institutionen ausgestellt, wie die große venezianische Ausstellung im Palazzo Fortuny, die von Germano Celant kuratiert wurde und eine breite öffentliche Debatte auslöste.
Trotz seines sich verschlechternden Gesundheitszustands und der Diagnose AIDS arbeitet Mapplethorpe bis in seine letzten Lebensjahre weiter an ambitionierten Projekten. Im Jahr 1988 gründete er die Robert Mapplethorpe Foundation, um die AIDS-Forschung und die institutionelle Fotografie zu unterstützen. Zur gleichen Zeit fanden in den Vereinigten Staaten die ersten großen Museumsretrospektiven statt, die eine endgültige Anerkennung seines Werks darstellten. Er starb im März 1989 in Boston. Nach seinem Tod fanden zwei getrennte Beerdigungszeremonien statt, eine private und eine öffentliche, was die doppelte persönliche und kulturelle Dimension seines Vermächtnisses verdeutlicht.
Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag 10.00 - 19.30 Uhr. Donnerstag 10.00-10.30 Uhr. Letzter Einlass eine Stunde vor Schließung; montags geschlossen.
Tarife: Voller Eintritt € 15,00; ermäßigter Eintritt € 13,00
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| Robert Mapplethorpe in Mailand: Fotografie, Körper und Begehren im Palazzo Reale |
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