Si hay diferentes precios en el mercado del arte, obviamente habrá diferentes “valores”. El valor es distinto del precio, pero contribuye a él junto con otros elementos. Pero, ¿por qué nadie habla de esto? En torno al mercado del arte y las ferias de arte existe un clima de omertà y asombro en el que plantearse ciertas cuestiones parece incómodo, inconveniente y embarazoso: si una obra de arte no tiene valor para nuestras vidas, podemos prescindir de ella. Como ocurre con la guía Michelin de la restauración internacional, en 2022 se me ocurrió presentar la guía Michelin-o , que, además de la guía de restaurantes del mismo nombre, hace referencia a una de las entradas históricas de la Feria de Bolonia, la entrada “Michelino”. Esta guía, ahora ensu edición de 2026, lleva consigo la esperanza de ser sólo la primera de muchas entradas que, juntas, estimularán un mayor debate crítico y orientarán al público y a los coleccionistas. En los últimos treinta años, el arte contemporáneo ha salido de los museos y vive entre nosotros. Si no cuidamos el arte contemporáneo, el peor arte contemporáneo se apoderará de nuestras vidas y habrá problemas.
El precio de una obra de arte debería depender de tres elementos que determinarán una valoración del 1 al 100:
1) 80% por el valor artístico de la obra, que puede argumentarse situando la obra en relación con la historia del arte y el presente. La obra da testimonio de formas valiosas de leer y soportar nuestro tiempo.
2) Un 20% por el curriculum vitae del artista, es decir, su trayectoria. Las obras ya realizadas, exposiciones en lugares “importantes” que hayan podido poner de relieve el valor del artista (punto uno).
3) El 10% del apoyo del sistema, que puede ser una “muleta rota” que puede desempeñar un papel, pero que debe ser marginal, tanto para no crear desequilibrios en los precios como para que los artistas no se duerman en los laureles. Si el apoyo es excesivo, estamos ante un “dopaje de las relaciones públicas” que a la larga intoxicará al propio artista.
Hoy en día, el primer parámetro se da por sentado en función del tercero, en el que 2-3 personas pueden influir en el segundo. Así que el tercer parámetro cuenta casi al 100% a la hora de determinar las oportunidades y el (presunto) valor del artista. A largo plazo, esta indeterminación desincentiva la compra de contemporáneos en favor de artistas modernos y de los noventa con parámetros de valor y precio más definidos a lo largo de muchos años.
A continuación analizaremos una serie de artistas nacionales e internacionales a los que se les asignará una Valoración:, la Valoración: junto con el segundo y tercer índice de valoración determinarán el precio de una obra del artista en el tamaño estándar de 50×50 cm. Además, algunos artistas recibirán 1, 2 o 3 estrellas Michelin como reconocimiento adicional, al igual que en la restauración. Cada seis meses modificaremos y actualizaremos esta lista.
Lulua Alyahya. Pintura alambique con sabor vintage y modernista, saudí pero estudió en Londres. Si se llamara Maria Ciccarelli, nos costaría encontrarla en la última galería de Bari. Todavía tercera vía, pero aquí parece que el nombre exótico comparado con la escena occidental prácticamente hace la pintura. Valoración: 3,5.
Yuri Ancarani. En pocos días y pocos kilómetros, ha realizado dos exposiciones individuales, en el MAMbo de Bolonia y en el PAC de Milán. Pero si apagamos los proyectores, los dos museos permanecen vacíos. Esto demuestra la crisis del dispositivo de la obra de arte, que en la obra de Ancarani encuentra estratagemas narrativas para salvarse un poco. Muy apoyado por el propio Cattelan hace una década (Ancarani se había convertido en el videasta de las hazañas de Cattelan), ha conseguido establecerse como artista y director entre el cine y el arte contemporáneo. La reciente Atlántida (más de 100 minutos) parece más atrevida y lenta, intentando hacer el “estilo Sorrentino”, que ya tiene sus problemas. Otras veces se desliza excesivamente hacia la dimensión documental, como en la película Leonardo. La ayuda de Cattelan, que le propuso sistemáticamente en muchas esferas (Moma, Guggenheim, Gallery Zero, producción de películas), sin duda ayudó a su investigación, pero no es suficiente, la magia de Il Capo (2010) lucha por volver. Puntuación: 4,5.
Giulio Alvigini. Memes y chistes mordaces sobre el mundo del arte, siempre en el límite entre la sátira y la obra de arte. Demasiado centrado en hacer que la gente se ría de los problemas en lugar de resolverlos, sobre todo porque sólo los iniciados se ríen, a menudo y con los dientes apretados. Debería desarrollar un trabajo artístico más autónomo fuera de la crítica institucional de los memes. Puntuación: 5,5.
Giorgio Andreotta Calò. Artista súper apoyado en Italia que aún no ha conseguido el reconocimiento internacional, a pesar de contar con excelentes apoyos. Él también sufre el síndrome del joven Indiana Jones: núcleos sacados de debajo de la tierra, obras informales como relojes de arena erosionados por el agua (los lienzos de Sartelli hechos por arañas en los años 50), obras que investigan las profundidades de los mares, paseos a lo Richard Long y conchas marinas que parecen hallazgos arqueológicos. Su Pabellón Italiano era bueno, pero seguía jugando con las atmósferas lúgubres de las excavaciones en las profundidades. Voto: 4.
Francesco Arena. El síndrome del joven Indiana Jones referido a la reelaboración académica del arte povera. Perfecto para un público y un mercado que ya tienen el imaginario del arte povera en sus ojos. Demasiado derivado. Puntuación: 3,5.
Ethan Assouline. Instalaciones complejas y poéticas realizadas con objetos encontrados y su propia poesía, quizás lo mejor que se puede hacer hoy en día sobre el pedestal. Algunos pasajes muy interesantes. Puntuación: 6.
Massimo Bartolini. Invitado al Pabellón de Italia 2024, demasiado perdido en el Smart Relativism donde cabe todo y lo contrario de todo. Valoración : 4.
Claudio Coltorti. Excelente tercera vía. Voto: 7.
Jacopo Benassi. Encuentra en la fotografía una temperatura auténtica y personal, entre Tillmans y Nan Goldin. Sus superposiciones de obras y fotografías son bellas aunque repetitivas y guiñolescas. También él se refugió totalmente en la fascinación arqueológica del pequeño mercado bajo la casa. Demasiado estancado en esta solución y en algunas performances “faux punk” en la galería o en el museo burgués y quisquilloso. Últimamente demasiado repetitivo con fotos superpuestas, en la Quadriennale llega a ocultar completamente la foto, cayendo ruinosamente en los bajos fondos del siglo XX, con artistas como Man Ray, Piero Manzoni y Christo. Voto: 5.
Riccardo Benassi. Una buena intuición con mensajes que llegan poéticamente en viseras que parecen las del bus.... Pero luego proyectos más frágiles y confusos. Debería optimizar mejor cierta actitud que podría llegar a ser muy eficaz. No estuvo bien recientemente en el Premio Maxxi con perros robóticos, demasiado Robocop 2.0. Calificación: 4,5.
Meriem Bennani. Explora el potencial de la narrativa amplificando la realidad mediante el uso de la imaginería fantástica y el humor y la mezcla de lenguajes propios de los vídeos de YouTube, la telerrealidad, los documentales, la animación y la estética de las grandes producciones. Una especie de realismo mágico que acaba convirtiéndose en una “cosa aleatoria”, un buen planteamiento pero atascado en una contemplación escolástica y didáctica del potencial. También de origen marroquí. Si eres del centro de Viterbo, no cuentas para nada. Valoración: 4,5.
Luca Bertolo. Eclecticismo culto y lúdico. Cada obra parece engañar una lectura banal de la pintura. Un excelente intérprete de la pintura que hoy considero la tercera vía. Últimamente en la Quadriennale muy opaco. Puntuación: 5.
Monica Bonvicini. Artista entre los 4-5 italianos con proyección internacional, desde hace años propone un trabajo riguroso respecto a las relaciones de poder, con cinturones, cadenas y atmósferas mínimas. En los últimos años ha estado menos en el punto de mira y estuvo en la terna final para el Pabellón de Italia 2022, que luego ganó Tosatti-Viola. Evidentemente volvió a presentar este proyecto unos meses después a la Neue Nationalgalerie dirigida por el supercomisario Klaus Biesenbach, exponente de una generación de comisarios estrella, pero con obras débiles no puede funcionar. Interesante cuando pide al público que permanezca esposado durante un cierto tiempo en su exposición (pero luego se centra más en este Santiago Sierra). En los últimos años ha estado viviendo de sus rentas y no ha desarrollado su trabajo con eficacia. Valoración: 5.
Chiara Camoni. Ejemplo perfecto del síndrome del joven Indiana Jones, atmósferas primitivas de duendecillo, hadas y trabajo en barro. Elegida por el Ministerio para el Pabellón de Italia 2026, como si hoy los poderes fácticos quisieran decir ’vale mujeres, pero que hagan bonitos trabajitos decorativos y que no rompan mucho la hucha’. Voto: 4.
Ludovica Carbotta. Interesante al principio con trabajos para una extraña idea de ciudad, y luego las rigurosas y encajonadas intervenciones en una colectiva en el MAMbo. Luego un bonito proyecto para el Premio Maxxi 2018, aunque muy cargado. Pero luego, probablemente favorecida por Patrizia Sandretto, hace la Bienal de Venecia 2019 y se pierde en muchas cajas escultóricas, todas diferentes, como ejercicios de estilo. Se traslada a España y luego recientemente en un proyecto en solitario en OGR Turín, el mismo entorno que la había apoyado, y con grandes pizarras y expertos de cada campo hablando. Pizarras y expertos de todos los campos dan la sensación de querer encontrar los valores y todos los costos, sólo para devolver todo en una dinámica abierta, demasiado, donde uno quiere incluir todo y su contrario. Luego otra vez Lorenzo Balbi la invitará a una exposición individual en el MAMbo con fondos del Consejo Italiano en 2024. Apoyar hasta el amargo final está muy bien, pero primero hay que parar y tener un trabajo definido y robusto, mientras que Ludovica parece seguir en una dinámica acerba y académica. Todas estas oportunidades sin un trabajo robusto se convierten en un boomerang que cristaliza caminos aún inmaduros. Valoración: 5,5.
Maurizio Cattelan. Grandes noventa, gran actitud, crisis de 2001 a 2018 gestionada como un gigione, viviendo de sus rentas. Obra maestra con plátano en 2019. Puede gustar o no, pero modo en foco: el despistado consciente de sí mismo que resuelve la situación con ingenio y amarga ironía. Valoración: 7. 2 Estrellas Michelino.
Giulia Cenci. sigue siendo académica y acerba primero en su reelaboración informal y luego en su descomposición del cuerpo. También ella tiene una estética arqueológica, ya sea al estilo de las “excavaciones pompeyanas” o de la imaginería postindustrial. Al igual que Tosatti y Senatore, las relaciones públicas la llevan a repetir sin cesar formas débiles que corren el riesgo de cristalizarse y convertirse en un problema. Aún más despotenciada recientemente en el Palazzo Strozzi, el dopaje de las relaciones públicas intoxica y envejece, como si ya tuviera 90 años. Calificación: 4,5.
Gabriel Chaile. Artista muy querido por los comisarios internacionales cool e invitado con sus grandes hornos tradicionales a la Bienal 2022 de Cecilia Alemani. Síndrome del joven Indiana Jones, pero se salva por una fuerte autenticidad y una original representación formal. Sin embargo, nos gustaría ver más. Voto: 6.
Ali Cherri. Ganador del León de Plata en la Bienal de Venecia 2022, como mejor artista joven. ¿Adivina a qué se dedica? Figuritas de barro que parecen pertenecer a algún museo arqueológico. Síndrome del súper joven Indiana Jones, incluso con poca exuberancia formal. Puntuación: 3,5.
Roberto Cuoghi. Recientemente en el Friedicianum con una exposición individual que no convence. Obra poco enfocada, muchas cosas con pocos incidentes. También de la generación Zuffi y perdido, en los últimos años, en una especie de arqueología (a menudo “marina”), y luego recordamos su Imitatio Christi en el Pabellón de Italia 2017. Él también Síndrome de Indiana Jones joven con obras que pretenden intrigar como hallazgos ’muy extraños’. Excelente apoyo de Clan Cattelan a la Galería De Carlo al gigante Hauser and Wirth, donde cualquier cosa tirada en el stand de la feria toma valor y se vuelve interesante. Últimamente muy bien en el Premio Pascali. Voto: 6.
Binta Diaw. Buenas intuiciones que no caen en la retórica “África”, en la reiteración sin embargo existe el riesgo de convertirse en una joya exótica para un nuevo colonialismo solapado... casi como para limpiar las conciencias hacia el drama migratorio. Los problemas de un sistema crítico que no es viable y justo se ven sobre todo a largo plazo: después de muchos años nos damos cuenta de que estamos avanzando en un desierto, aparte de los “conocidos de siempre” apoyados hasta las últimas consecuencias por el sistema no encontramos alternativas reales. Después de haber secado los pozos, el sistema se lanza sobre nuevos exotismos que corren el riesgo de convertir a estas artistas en “baratijas exóticas” para un colonialismo de retorno. Las obras de mujeres artistas en las que la referencia a su cultura de origen es evidente se convierten en un bonito estampado en un pantalón que podemos encontrar en Rinascente o Zara en Milán. No sólo eso: apreciar a artistas como Binta Diaw (o como Monia Ben Hamouda) también significa limpiar un poco nuestras conciencias con respecto a las condiciones desesperadas de muchos emigrantes de los países de origen de estas artistas. Si un artista de Viterbo, Palermo o Bolzano utilizara las especias que ve usar en su casa para echarlas sobre sus esculturas, o su pelo como texturas para poner en el suelo, no nos afectaría en absoluto. Si lo hacen artistas tunecinos o africanos, todo se vuelve inmediatamente “interesante” a los ojos de los conservadores y coleccionistas occidentales. Somos un poco como Cristóbal Colón al llegar a las costas de las Indias y las Américas, no nos damos cuenta de que sólo aceptamos al Otro y al Diverso en la medida en que encontramos obras de arte estereotipadas, “ya digeridas” y “aceptables”, y no por un interés real en el encuentro con otra cultura. Los propios artistas se ven arrastrados poco a poco a parpadear ante la cultura occidental y nuestro sistema artístico en un intento de evitar un trabajo insatisfactorio y cansino. Puntuación: 5.
Patrizio Di Massimo. Pintura astuta y guiñolesca para un público internacional, un poco como Fratino. Frizzante pero a la larga se desvanece. Voto: 5.
Chiara Enzo. Pintura intimista e hiperrealista. Excelente desarrollo de los lenguajes derivados del siglo XX. Insuficiente. Voto: 5,5.
Haris Epaminonda. Ganadora del León de Plata en la Bienal de Venecia 2019, como mejor artista joven. Ella también elabora códigos y frisos de la antigua Grecia. Puro síndrome del joven Indiana Jones. Todos son matices de un mismo artista, interesante que los primeros en recorrer estos caminos fueran nuestros Flavio Favelli y Francesco Vezzoli en sus inicios. Voto: 4.
Roberto Fassone. Mejor que en sus inicios, debe centrarse y evitar perderse. Pero buena actitud a menudo capaz de romper esquemas preestablecidos y posturas rígidas y nostálgicas. Confundido recientemente en el Premio Maxxi. Voto: 5.
Matteo Fato. De una pintura de origen asiático y hecha de signos, a una pintura más frontal que quiere ser auténtica a toda costa. Pero esta obstinación demasiado evidente se convierte en una pose que absorbe al artista en lo derivado del siglo XX: ¿cómo no pensar en Ligabue? Y así, a veces, para sobrevivir, tiene que encontrar pequeñas muletas de instalación (el cajón expuesto, el trapo sucio del pintor), por lo que estas muletas dan testimonio, en última instancia, de la debilidad de la propia pintura. Voto: 4.
Flavio Favelli. Desde hace más de 20 años y desde tiempos insospechados, se dedica a una elaboración obsesiva y apasionada del mercado de antigüedades. Últimamente demasiado repetitivo y redundante con una sobreexposición en Italia (está en todas partes y en cualquier contexto expositivo) que no encuentra igual visibilidad a nivel internacional donde está fuertemente ausente, sería útil encontrar una manera de reconocer su investigación a nivel internacional sin repetirla excesivamente en Italia. Voto: 6.
Irene Fenara. Buena idea la de captar los momentos “poéticos” de las cámaras de vigilancia, pero hace falta una obra más diversificada y quizá menos contemplativa. La suya es, en definitiva, pintura, una buena tercera vía. Puntuación: 6.
Claire Fontaine. Aunque desarrollan una interesante acción conceptual, que sin embargo corre el riesgo de convertirse en Relativismo Inteligente, permanecen dentro de un recinto cultural elitista que consigue abordar ciertos temas de forma limitada y simbólica. Hicieron la inscripción en el vestido Dior de Chiara Ferragni “Think Free” (no es una cita suya... ). Todo muy bien, pero el riesgo es el de una simplificación que no tiene en cuenta ciertas resistencias políticas y sociales: una madre que sufre violencia en casa puede no tener la posibilidad de “sentirse libre” por razones económicas, laborales y sociales. Una vez más, el arte tiene que hacer un trabajo cultural más profundo y complejo si quiere tratar ciertos temas, más allá del efecto espectacular y simbólico, que está bien en cualquier caso. Voto: 4.
Luis Fratino. Joven pintor superguay de coleccionismo internacional que parece consolar a todo el mundo con pintura sobre la crisis de la obra no pictórica. Referencias a Picasso y a la cultura LGBTQ. Insuficiente en mi opinión. Valoración: 3,5.
Cyprien Gaillard. También una promesa de la escena internacional, y en mi opinión no cumplida. Al igual que Cuoghi confunde el trabajo en diferentes directivas y la necesidad de elaborar lo antiguo y lo moderno para puntuar. Valoración: 3,5.
Ryan Gander Artista conceptual británico al que sigo con gran interés. A pesar de su gran eclecticismo, siempre consigue mantener una temperatura determinada. Algunos pequeños deslices pero siempre a seguir con interés. Valoración: 7. Dos Estrellas Michelin.
Francesco Gennari. Un artista que aporta algo a la tradición del Arte Povera y del mago-poeta à la Gino De Dominicis; obras muy bellas donde hay una pérdida de control físico o emocional, como la degeneración de Parsifal con harina o la obra de mármol blanco que parecen dos nevadas cubriendo su emotividad. Pero incluso él se ve obligado a presentar las novedades están en lugares donde se reúnen, ya sea la galería o la feria. Puntuación: 7. Michelino estrella.
Aldo Giannotti. Otra elección sorpresa del MAMbo. Cuando la sencillez del trazo y la viñeta se convierten en un arma eficaz. Altos y bajos en las obras. Valoración: 6.
Massimo Grimaldi. Últimamente elabora extraños retratos en iPads que parecen descender de una extraña inteligencia artificial. Pero a estas alturas estos imaginarios están completamente anestesiados por la verdadera inteligencia artificial capaz de cualquier virtuosismo visual. Lejos quedan los días en los que donaba el dinero de la exposición a un hospital de urgencias o en los que desestabilizaba la naturaleza de la obra de arte presentando breves textos en la pared. Una artista que hace 10-15 años tenía sin duda una cierta energía inquisitiva, pero que hoy parece estar varada dentro del iPad, como si el uso del iPad pudiera salvarla a pesar de todo. Valoración: 4,5.
Carlo y Fabio Ingrassia. Interesante actitud, pero ellos también están atrapados en la dinámica conceptual y formal del siglo XX. Tienen que cuestionarlo todo. Valoración : 4.
Xie Lei. Pintura poética vagamente repetitiva, artista chino pero que vive en París (no hace falta decirlo), situaciones surrealistas entre figura y abstracto. Fotogramas que nos hacen viajar un poco. Todavía tercera vía, el problema es que nadie viaja las dos primeras. Valoración: 5,5.
Iva Lulashi. Situaciones ambiguas y lánguidas que implican varias referencias en entornos rurales. Todo muy bien, pero el riesgo es que esta línea no pueda sostener su repetitividad, como sí podía hacerlo Morandi, por ejemplo. Últimamente demasiado estancada en la dimensión y la temperatura habituales. Valoración: 4,5.
Mira Mann. Una dimensión escultórica e instalativa fresca, una especie de tercera vía tridimensional, las llaman configuraciones cross-media: el riesgo es deslizarse inexorablemente hacia lo aleatorio. Esta actitud debería estar mejor enfocada. Puntuación: 5,5.
Diego Marcon. Muy sostenido, se apoya en el cine para crear obras que pueden intentar salvarse con la conveniencia narrativa. Su Ludwig, en infografía, primero en el Premio Maxxi 2018, luego recientemente en 2023 en la Fondazione Trussardi, se salva por el virtuosismo y el efecto gráfico especial; pero si Ludwig se convierte, por ejemplo, en escultura (como sucedió en Galleria Zero y Sadie Coles) pierde mucho y parece una obra de Elmgreen y Dragset de hace treinta años.años atrás; incluso el vídeo en la Bienal (invitado por Cecilia Alemani, esposa del comisario de Trussardi Massimiliano Gioni), parece melancólico e insignificante, e incluso aquí el recurso de los actores marionetas es el mismo que la idea del director Kaufman, que en 2015, y por lo tanto mucho antes de la obra de Marcon, realizó la película Anomalisa. Llevada al New Museum de NY por Gioni y Patrizia Sandretto en 2026. Puntuación: 4.
MSCHF. Colectivo estadounidense que reinterpreta el capitalismo y el arte de los 90 de forma distópica y desafiante. Últimamente demasiado pegado a la venta de zapatillas. Esperemos que bien. Puntuación: 6.
Nefeli Papadimouli. Uso de textiles para instalaciones y esculturas textiles que pueden acomodarse a la persona y cobrar vida. Impacto visual muy cuidado con sugerencias demasiado modernistas (el vestido tomando forma en el tapiz de tela). Dimensión excesivamente decorativa, una especie de loco desfile de moda. Valoración: 5.
Paola Pivi. También de la generación de Zuffi y su actitud de los primeros tiempos se mezcla, por ejemplo con sus coloridos osos. Buen apoyo del Clan Cattelan, con altibajos; bueno por ejemplo su proyecto para la Fondazione Trussardi o la pasarela presentada recientemente en Marsella. Necesita mantener la concentración de forma más eficaz. Voto: 5.
Agnes Questionmark. Artista muy joven con una biografía intrigante que parece hija o nieta de Matthew Barney. Interesante es su actuación en la que permanece inmóvil durante horas, vestida como una extraña criatura marina, en un santuario del centro de Milán. Es un símbolo de un nuevo panteísmo “juvenil” que nos hace reflexionar con respecto a las chicas de su propia generación que se ensucian de barro para protestar a favor del clima y en contra del uso de combustibles fósiles. Para evitar el lenguaje derivado de Barney, sin duda debe exagerar y hacer que sus obras sean cada vez más reales y menos representativas de un imaginario. Si las obras descienden de actitudes podemos aplicar estas actitudes todos los días, si las obras descienden de imaginarios nos enfrentamos a los gadgets porque sí de Harry Potter o la última película de Marvel. Valoración: 4.
Luis Sal. Artista italiano poco convencional surgido en los últimos 10 años. Parte de una consepavidad de la historia del arte que luego se declina de una manera muy personal respecto a las dinámicas de visibilidad y éxito en YouTube. Va más allá de los círculos habituales del mundo del arte y de los jurados de calidad. Y determina una actitud específica propia que consigue comunicar con todo el mundo. Quizás un poco repetitivo últimamente, estamos esperando un salto cuántico. Últimamente un poco perdido. Calificación: 7. Una estrella Michelin.
Guijarro Arcángel. Bonita reflexión sobre la resistencia de los materiales, mejor cuando exagera para evitar la sequedad informal donde Burri ya había quemado los materiales. Cuidado con el ’Síndrome del Hardware’ mencionado por Francesco Bonami. Recientemente en la Quadriennale con obras escenográficas donde el ’cristal que no se rompe’ parece más un truco de circo que algo sustancial. Puntuación: 4,5.
Tino Sehgal. Verdadera promesa del arte contemporáneo internacional de los últimos veinte años. Muy bueno hasta 2012, luego entró en crisis diluyendo sus espectáculos “solo en vivo” y haciéndolos deslizarse muy peligrosamente hacia una forma de teatro-danza predecible y aburrido. Su trabajo recientemente en la exposición del Palazzo Strozzi presentando la colección Sandretto era precioso. La mejor pieza de la colección y completamente inmaterial e indocumentada. Puntuación: 7,5 (de confianza). Dos estrellas Michelin.
Marinella Senatore. Una artista que declara instancias participativas, políticas y feministas en obras y proyectos que no contienen estas instancias, sino que se limitan a ser formas previsibles y elementales de “arte pop” como iluminaciones de colores y fiestas. Ella también se apoya en el dopaje de las relaciones públicas y el storytelling, apoyado por comisarios e insiders, para dar valor a sus obras y no hacernos ver lo que realmente son. Puntuación: 3,5.
Serpas. Artista nacida en 1995 en Los Ángeles integra la pintura con esculturas que reelaboran el ready-made. Tanto en las pinturas como en las esculturas emerge una actitud específica: una especie de intimismo descarado y a veces brutal. Interesante. Puntuación: 5.
Michael E. Smith. Artista que no me gustaba mucho pero que he llegado a apreciar. Lo prefabricado se complica y adquiere una fuerte connotación ambiental, jugando y dialogando con el espacio. Esto determina una actitud y una temperatura específica que entrena nuestra mirada con pequeños desplazamientos. Valoración: 6,5. Una estrella Michelin.
Eugenio Tibaldi. Gran trabajo en las afueras, formalizado con buen oficio. También últimamente empeñado en el tratamiento del mercado vintage y de antigüedades. Podría hacer más quitando esa continua referencia ’vintage’ y saliendo de cierta zona de confort puramente decorativa. Valoración: 4,5.
Gian Maria Tosatti. Tras el intenso dopaje de relaciones públicas post-Covid, sigue anclado únicamente a la Galería Lia Rumma y al comisario Eugenio Viola. Una actitud excesivamente inclinada hacia el arte vintage y pobre, demasiado manierista y derivativa. Se desliza hacia fáciles set-pieces hinchadas de retórica. Puntuación: 4.
Patrick Tuttofuoco. De la generación Zuffi, ha perdido con los años la energía y vitalidad con la que le conocimos en sus inicios, incluso con las grandes bolas de colores para empujar en la Zona de Massimiliano Gioni en el Pabellón Italiano “volador” en 2003. Antes vivía en Berlín, ahora ha vuelto a Italia con un buen apoyo de relaciones públicas, ganando una serie de concursos en los que coloca obras de neón de brazos cruzados que recuerdan el infinito y manos que se mueven. Mobiliario urbano de alto riesgo e Ikea evolucionado para las obras más convencionales, que ahora han recaído en el colorido fácil y la elaboración formalista. Voto: 4.
Nico Vascellari. Un artista con el que siempre he sido muy crítico por su sobreexposición en Italia y por un lenguaje que parecía derivado de ciertas atmósferas punk-meets-provinciales de John Bock. En realidad, tras su salida del sistema, consiguió definir su propio camino independiente (conciertos en casas durante Covid, tiendas pop-up en Roma y Milán). Lo hace muy bien cuando detecta una tensión hombre-animal, menos bien cuando revive los primeros años, demasiado derivativos en comparación con los años noventa. Hoy parece volver al sistema con obras como Falena (presentada en el Maxxi y en la Triennale) que dejan que desear en comparación con la energía específica que nos dejó entrever. Bien el vídeo en Florencia donde vuela anestesiado y bien la performance Alessio. Lo que necesita ahora es la escena internacional y no seguir machacando oportunidades en Italia que pueden servir a otros. Voto: 6.
Francesco Vezzoli. Desde hace más de 20 años y desde tiempos insospechados se dedica a una obsesiva y apasionada elaboración de glam vintage y últimamente auténticos hallazgos arqueológicos. No es “mi taza de té”, pero aprecio mucho su obsesión, que consigue encontrar vínculos con lo contemporáneo. Su última exposición en Roma, en el Palazzo delle Esposizioni, fue muy eficaz en este sentido. Puntuación: 6. Estrella Michelin.
Danh Vo. Progenitor internacional del síndrome del joven Indiana Jones, elaboración arqueológica de su propia experiencia con piezas de arqueología auténtica y otras buenas soluciones formales. Valoración: 6.
Jala Wahid. Interiorismo un tanto delirante. Una especie de basura pop loca que no consigue superar los escollos de todo lo que se sube hoy al pedestal, aún tercera vía pero buscando muletas fuera de cuadro. Valoración: 3,5.
Xiyadie. Artista autodidacta que vive en la subcultura gay de Pekín. Retazos de papel tradicional chino para crear fantasías eróticas. Hostage to the tastes of the Grandparents Parents Foundation vira hacia el síndrome del joven Indiana Jones, aún en tercera vía. Puntuación: 4.
Italo Zuffi. Quizás el artista más significativo, junto con Vezzoli, de su generación. Excelente idea del MAMbo para su reciente exposición individual. Encuentra una temperatura propia que recupera el eclecticismo de finales de los 90. Puntuación: 6,5. Una estrella Michelino.
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