S’il existe différents prix sur le marché de l’art, il y aura évidemment différentes “valeurs”. La valeur est différente du prix, mais elle y contribue avec d’autres éléments. Mais pourquoi personne n’en parle-t-il ? Autour du marché de l’ art et des foires d’art, il règne un climat d’omertà et de crainte dans lequel poser certaines questions semble inconfortable, gênant et embarrassant : si une œuvre d’art n’a pas de valeur pour notre vie, nous pouvons nous en passer. Comme pour le guide Michelin de la restauration internationale, j’ai pensé présenter en 2022 le guide Michelin-o qui, en plus du guide des restaurants du même nom, fait référence à l’une des entrées historiques de la Foire de Bologne, l’entrée “Michelino”. Ce guide, qui en est àson édition 2026, porte en lui l’espoir d’être le premier d’une longue série d’entrées qui, ensemble, stimuleront une plus grande discussion critique et guideront le public et les collectionneurs. Au cours des trente dernières années, l’art contemporain a quitté les musées et vit parmi nous. Si nous ne prenons pas soin de l’art contemporain, le pire de l’art contemporain s’emparera de nos vies et il y aura des problèmes.
Le prix d’une œuvre d’art devrait dépendre de trois éléments qui détermineront une note de 1 à 100 :
1) 80% par la valeur artistique de l’œuvre, qui peut être argumentée en situant l’œuvre par rapport à l’histoire de l’art et au présent. L’œuvre témoigne d’une lecture et d’une pérennité de notre époque.
2) 20 % par le curriculum vitae de l’artiste, c’est-à-dire sa carrière. Les œuvres déjà réalisées, les expositions dans des lieux “importants” qui ont pu mettre en évidence la valeur de l’artiste (point 1).
3) 10% du soutien du système qui peut être une “béquille cassée” qui peut jouer un rôle mais qui doit être marginal, à la fois pour ne pas créer de déséquilibre dans les prix et pour que les artistes ne s’assoient pas sur leurs lauriers. Si le soutien est excessif, on assiste à un “dopage des relations publiques” qui intoxique à terme l’artiste lui-même.
Aujourd’hui, le premier paramètre est considéré comme acquis sur la base du troisième paramètre, où 2 ou 3 personnes peuvent influencer le deuxième. Le troisième paramètre compte donc presque à 100 % dans la détermination des opportunités et de la valeur (présumée) de l’artiste. À long terme, cette indétermination décourage l’achat d’œuvres contemporaines au profit d’artistes modernes et des années 1990 dont la valeur et les paramètres de prix sont mieux définis sur de nombreuses années.
Nous allons maintenant examiner un certain nombre d’artistes nationaux et internationaux qui se verront attribuer une cote :, la cote : ainsi que les deuxième et troisième indices de cotation détermineront le prix d’une œuvre de l’artiste dans le format standard de 50×50 cm. En outre, certains artistes se verront attribuer 1, 2 ou 3 étoiles Michelin en guise de reconnaissance supplémentaire, comme dans le secteur de la restauration. Tous les six mois, nous modifierons et mettrons à jour cette liste.
Lulua Alyahya. Still painting aux accents vintage et modernistes, saoudienne mais ayant étudié à Londres. Si elle s’appelait Maria Ciccarelli, nous aurions du mal à la trouver dans la dernière galerie de Bari. Toujours la troisième voie, mais ici il semble que l’exotisme du nom par rapport à la scène occidentale fasse pratiquement le tableau. Note : 3,5.
Yuri Ancarani. En l’espace de quelques jours et de quelques kilomètres, il a réalisé deux expositions personnelles, au MAMbo de Bologne et au PAC de Milan. Mais si l’on éteint les projecteurs, les deux musées restent vides. Cela démontre la crise du dispositif de l’œuvre d’art qui, dans le travail d’Ancarani, trouve des stratagèmes narratifs pour se sauver un peu. Très soutenu par Cattelan lui-même il y a une dizaine d’années (Ancarani était devenu le vidéaste des exploits de Cattelan), il a réussi à s’imposer comme artiste et réalisateur entre cinéma et art contemporain. Le récent Atlantide (plus de 100 minutes) semble plus audacieux et plus lent, essayant de faire le “style Sorrentino”, qui a déjà ses problèmes. À d’autres moments, il glisse excessivement dans la dimension documentaire, comme dans le film Leonardo. L’aide de Cattelan, qui l’a systématiquement proposé dans de nombreux domaines (Moma, Guggenheim, Gallery Zero, production de films), a certainement aidé sa recherche mais ce n’est pas suffisant, la magie d’Il Capo (2010) peine à revenir. Note : 4,5.
Giulio Alvigini. Des mèmes et des blagues mordantes sur le monde de l’art, toujours à la frontière entre la satire et l’œuvre d’art. Trop axé sur le fait de faire rire les gens des problèmes au lieu de les résoudre, d’autant plus que seuls les initiés rient, souvent et les dents serrées. Devrait développer des œuvres d’art plus autonomes en dehors de la critique institutionnelle des mèmes. Note : 5.5.
Giorgio Andreotta Calò. Artiste italien très soutenu qui n’a pas encore réussi à obtenir une reconnaissance internationale, bien qu’il bénéficie d’un excellent soutien. Il souffre lui aussi du syndrome du jeune Indiana Jones : des carottes provenant du sous-sol, des œuvres informelles telles que des sabliers érodés par l’eau (les toiles de Sartelli réalisées par des araignées dans les années 1950), des œuvres explorant les profondeurs des mers, des promenades à la Richard Long et des coquillages qui ressemblent à des découvertes archéologiques. Son pavillon italien était bon, mais jouait encore sur des atmosphères endeuillées par des fouilles dans les profondeurs. Vote : 4.
Francesco Arena. Le syndrome du jeune Indiana Jones qui fait référence à la refonte académique de l’arte povera. Parfait pour un public et un marché qui ont déjà l’imagerie de l’arte povera dans les yeux. Trop dérivé. Note : 3,5.
Ethan Assouline. Des installations complexes et poétiques faites d’objets trouvés et de sa propre poésie, peut-être ce qu’il y a de mieux à faire sur le piédestal aujourd’hui. Quelques passages très intéressants. Note : 6.
Massimo Bartolini. Invité au pavillon italien 2024, trop perdu dans un relativisme intelligent où tout et le contraire de tout peut convenir. Vote : 4.
Claudio Coltorti. Excellente troisième voie. Vote : 7.
Jacopo Benassi. trouve une température authentique et personnelle dans la photographie, entre Tillmans et Nan Goldin. Ses superpositions d’œuvres et de photographies sont belles même si elles sont répétitives et clin d’œil. Lui aussi s’est totalement replié sur la fascination archéologique du petit marché sous la maison. Trop bloqué sur cette solution et quelques performances “faux punk” dans la galerie ou le musée tatillon et bourgeois. Dernièrement trop répétitif avec des photos qui se chevauchent, à la Quadriennale il va jusqu’à cacher complètement la photo, tombant ruineusement dans les bas-fonds du 20ème siècle, avec des artistes comme Man Ray, Piero Manzoni et Christo. Vote : 5.
Riccardo Benassi. Une bonne intuition avec des messages qui arrivent poétiquement dans des visières qui ressemblent à celles du bus.... Mais ensuite des projets plus fragiles et confus. Il devrait mieux optimiser une certaine attitude qui pourrait devenir très efficace. Pas terrible récemment au Prix Maxxi avec des chiens robotisés, trop Robocop 2.0. Note : 4,5.
Meriem Bennani. Explore le potentiel de la narration en amplifiant la réalité par l’utilisation d’images fantastiques et d’humour et le mélange de langages typiques des vidéos YouTube, de la télé-réalité, des documentaires, de l’animation et de l’esthétique des grandes productions. Une sorte de réalisme magique qui finit par devenir une “chose aléatoire”, une bonne approche mais coincée dans une contemplation scolastique et didactique du potentiel. Également d’origine marocaine. Si vous êtes du centre de Viterbe, vous ne comptez pour rien. Note : 4,5.
Luca Bertolo. Eclectisme cultivé et ludique. Chaque œuvre semble tromper une lecture banale de la peinture. Un excellent interprète de la peinture que je considère comme la troisième voie aujourd’hui. Dernièrement à la Quadriennale, très opaque. Note : 5.
Monica Bonvicini. Une artiste parmi les 4-5 Italiens qui ont une réputation internationale, elle propose depuis des années un travail rigoureux sur les relations de pouvoir, avec des ceintures, des chaînes et des atmosphères minimales. Ces dernières années, elle a été moins en vue et faisait partie des trois finalistes pour le pavillon italien 2022, qui a été remporté par Tosatti-Viola. Il est évident qu’il a soumis à nouveau ce projet quelques mois plus tard à la Neue Nationalgalerie dirigée par le super-conservateur Klaus Biesenbach, un représentant d’une génération de conservateurs vedettes, mais avec des œuvres faibles, cela ne peut pas fonctionner. Il est intéressant de voir qu’il demande au public de rester menotté pendant un certain temps dans son exposition (mais il faut alors se concentrer davantage sur ce Santiago Sierra). Ces dernières années, il a vécu de ses revenus et n’a pas vraiment développé son travail de manière efficace. Note : 5.
Chiara Camoni. Un exemple parfait du syndrome du jeune Indiana Jones, des ambiances primitives de lutins, de fées et de travail de l’argile. Choisie par le ministère pour le pavillon italien 2026, comme si aujourd’hui les pouvoirs en place voulaient dire “OK les femmes mais qu’elles fassent de jolis petits travaux décoratifs et qu’elles ne se ruinent pas trop”. Vote : 4.
Ludovica Carbotta. Intéressante au début avec des travaux pour une étrange idée de ville, puis les interventions rigoureuses et encadrées d’un collectif au MAMbo. Puis un beau projet pour le prix Maxxi 2018, bien que très chargé. Mais ensuite, sans doute favorisée par Patrizia Sandretto, elle fait la Biennale de Venise 2019 et se perd dans de nombreuses boîtes sculpturales, toutes différentes, comme des exercices de style. Elle s’installe en Espagne puis récemment dans un projet solo à l’OGR de Turin, le même environnement qui l’avait soutenue, et avec de grands tableaux noirs et des experts de tous les domaines qui parlent. Les tableaux noirs et les experts de tous les domaines donnent le sentiment de vouloir trouver les valeurs et tous les coûts, pour ensuite tout retourner dans une dynamique ouverte, trop, où l’on veut inclure tout et son contraire. Mais Lorenzo Balbi l’invitera à une exposition personnelle au MAMbo avec des fonds du Conseil italien en 2024. Soutenir jusqu’au bout, c’est très bien, mais il faut d’abord s’arrêter et avoir un travail défini et solide, alors que Ludovica semble toujours être dans une dynamique acerbe et académique. Toutes ces opportunités sans un travail solide deviennent un boomerang qui cristallise des chemins encore immatures. Note : 5,5.
Maurizio Cattelan. Grandes années 90, grande attitude, crise de 2001 à 2018 gérée comme un gigione, vivant de ses revenus. Chef-d’œuvre avec la banane en 2019. On l’aime ou pas, mais mode en point de mire : le mec paumé conscient de lui-même qui résout la situation avec esprit et ironie amère. Note : 7. 2 étoiles Michelino.
Giulia Cenci est restée académique et acerbe, d’abord dans son remaniement informel, puis dans sa décomposition du corps. Elle aussi a une esthétique archéologique, que ce soit dans le style des “fouilles de Pompéi” ou de l’imagerie post-industrielle. Comme Tosatti et Senatore, les relations publiques la poussent à répéter à l’infini des formes faibles qui risquent de se cristalliser et de devenir un problème. Encore plus dépotentialisé récemment au Palazzo Strozzi, le dopage des relations publiques enivre et vieillit, comme si elle avait déjà 90 ans. Note : 4,5.
Gabriel Chaile. Artiste très apprécié des conservateurs internationaux branchés et invité avec ses grands fours traditionnels à la Biennale 2022 de Cecilia Alemani. Syndrome du jeune Indiana Jones, mais sauvé par une forte authenticité et un rendu formel original. On aimerait cependant en voir plus. Vote : 6.
Ali Cherri. Lauréat du Lion d’argent à la Biennale de Venise 2022, en tant que meilleur jeune artiste. Devinez ce qu’il fait ? Des figurines de boue qui semblent appartenir à un musée archéologique. Le syndrome du jeune Indiana Jones, même avec un peu d’exubérance formelle. Note : 3,5.
Roberto Cuoghi. Récemment au Friedicianum avec une exposition personnelle qui ne convainc pas. Un travail peu ciblé, beaucoup de choses sans grand intérêt. Également de la génération Zuffi et perdu, ces dernières années, dans une sorte d’archéologie (souvent “ marine ”), et puis nous nous souvenons de son Imitatio Christi au Pavillon italien de 2017. Lui aussi Young Indiana Jones syndrome avec des œuvres qui se veulent intrigantes comme des trouvailles “ très étranges ”. Excellent soutien de Clan Cattelan à la galerie De Carlo en passant par le géant Hauser et Wirth, où tout ce qui est jeté sur le stand de la foire prend de la valeur et devient intéressant. Très bon prix Pascali ces derniers temps. Vote : 6.
Binta Diaw. De bonnes intuitions qui ne tombent pas dans la rhétorique “Afrique”, dans la réitération cependant il y a le risque de devenir un joyau exotique pour un nouveau colonialisme sournois... presque comme pour nettoyer les consciences envers le drame migratoire. Les problèmes d’un système critique qui n’est pas viable et juste se voient surtout à long terme : après de nombreuses années, nous nous rendons compte que nous avançons dans un désert, à part les “habituels connus” soutenus jusqu’au bout par le système, nous ne trouvons pas d’alternatives réelles. Après avoir asséché les puits, le système se jette sur de nouveaux exotismes qui risquent de transformer ces femmes artistes en “bibelots exotiques” pour un colonialisme de retour. Les œuvres d’artistes féminines dans lesquelles la référence à leur culture d’origine est évidente deviennent comme un joli imprimé sur un pantalon que l’on peut trouver chez Rinascente ou Zara à Milan. Mais ce n’est pas tout : apprécier des artistes comme Binta Diaw (ou comme Monia Ben Hamouda), c’est aussi se donner bonne conscience en ce qui concerne les conditions désespérées dans lesquelles vivent de nombreux migrants des pays d’origine de ces artistes. Si un artiste de Viterbe, de Palerme ou de Bolzano utilisait les épices qu’il voit chez lui pour les jeter sur ses sculptures, ou ses cheveux comme textures à poser sur le sol, cela ne nous affecterait pas du tout. Si des artistes tunisiens ou africains le font, tout devient immédiatement “intéressant” aux yeux des conservateurs et des collectionneurs occidentaux. Nous sommes un peu comme Christophe Colomb arrivant sur les côtes des Indes et des Amériques, nous ne nous rendons pas compte que nous n’acceptons l’Autre et le Divers que dans la mesure où nous trouvons des œuvres d’art stéréotypées, “déjà digérées” et “acceptables”, et non en raison d’un réel intérêt pour la rencontre d’une autre culture. Les artistes eux-mêmes sont lentement amenés à jeter un coup d’œil à la culture occidentale et à notre système artistique dans le but d’éviter un travail insatisfaisant et lassant. Note : 5.
Patrizio Di Massimo. Peinture rusée et clin d’œil pour un public international, un peu comme Fratino. Frizzante mais à la longue elle s’éteint. Vote : 5.
Chiara Enzo. Peinture intimiste et hyperréaliste. Excellent développement des langages dérivés du 20ème siècle. Pas assez. Vote : 5,5.
Haris Epaminonda. Lauréate du Lion d’argent à la Biennale de Venise 2019, en tant que meilleure jeune artiste. Elle aussi élabore des codes et des frises de la Grèce antique. Un pur syndrome du jeune Indiana Jones. Ce sont toutes les nuances d’un seul artiste, intéressant que les premiers à avoir emprunté ces chemins étaient nos propres Flavio Favelli et Francesco Vezzoli dans les premiers jours. Vote : 4.
Roberto Fassone. Meilleur qu’à ses débuts, il doit se concentrer et éviter de se perdre. Mais la bonne attitude est souvent capable de sortir des schémas préétablis et des postures rigides et nostalgiques. Confus récemment au Prix Maxxi. Vote : 5.
Matteo Fato. D’une peinture d’origine asiatique et faite de signes, à une peinture plus frontale qui se veut authentique à tout prix. Mais cette obstination trop évidente devient une pose qui aspire l’artiste dans le dérivé du XXe siècle : comment ne pas penser à Ligabue ? Et donc parfois pour survivre, il doit trouver de petites béquilles d’installation (la caisse exposée, le chiffon sale du peintre), donc ces béquilles témoignent finalement de la faiblesse de la peinture elle-même. Vote : 4.
Flavio Favelli. Depuis plus de 20 ans et depuis des temps insoupçonnés, il se consacre à une élaboration obsessionnelle et passionnée du marché des antiquités. Ces derniers temps trop répétitif et redondant avec une surexposition en Italie (il est partout et dans n’importe quel contexte d’exposition) qui ne trouve pas la même visibilité au niveau international où il est fortement absent, il serait utile de trouver un moyen de reconnaître sa recherche au niveau international sans la répéter excessivement en Italie. Vote : 6.
Irene Fenara. Bonne idée de capturer les moments “poétiques” des caméras de surveillance, mais un ensemble de travaux plus diversifiés et peut-être moins contemplatifs est nécessaire. La sienne est en fin de compte de la peinture, une bonne troisième voie. Note : 6.
Claire Fontaine. Tout en développant une action conceptuelle intéressante, qui risque cependant de devenir un relativisme intelligent, ils restent dans un enclos culturel élitiste qui parvient à aborder certaines questions de manière limitée et symbolique. Ils ont fait inscrire sur la robe Dior de Chiara Ferragni “Think Free” (ce n’est pas leur propre citation... ). C’est très bien, mais le risque est celui d’une simplification qui ne tient pas compte de certaines résistances politiques et sociales : une mère qui subit des violences à la maison n’a peut-être pas la possibilité de “se sentir libre” pour des raisons économiques, professionnelles et sociales. Encore une fois, l’art doit faire un travail culturel plus profond et plus complexe s’il veut aborder certaines questions, au-delà de l’effet spectaculaire et symbolique, qui est bien de toute façon. Vote : 4.
Luis Fratino. Jeune peintre super cool, collectionneur international, qui semble consoler tout le monde en peignant sur la crise de l’œuvre non picturale. Références à Picasso et à la culture LGBTQ. Pas assez à mon avis. Note : 3,5.
Cyprien Gaillard. Également une promesse de la scène internationale qui, à mon avis, n’a pas été tenue. Comme Cuoghi, un travail confus sur des directives différentes et le besoin d’élaborer l’antique et le moderne pour marquer les esprits. Note : 3,5.
Ryan Gander. Artiste conceptuel britannique que je suis avec grand intérêt. Malgré son grand éclectisme, il parvient toujours à maintenir une température spécifique. Quelques petits dérapages mais toujours à suivre avec intérêt. Note : 7. Deux étoiles Michelin.
Francesco Gennari. Un artiste qui ajoute quelque chose à la tradition de l’Arte Povera et au magicien-poète à la Gino De Dominicis ; de très belles œuvres où il y a une perte de contrôle physique ou émotionnel, comme la dégénérescence de Parsifal avec de la farine ou l’œuvre en marbre blanc qui ressemble à deux chutes de neige recouvrant son émotivité. Mais même lui est obligé de présenter les nouveautés dans les lieux où elles se rassemblent, que ce soit la galerie ou la foire. Note : 7. Michelino star.
Aldo Giannotti. Un autre choix surprise du MAMbo. Quand la simplicité du trait et de la vignette devient une arme efficace. Des hauts et des bas en perspective. Note : 6.
Massimo Grimaldi. Ces derniers temps, il élabore d’étranges portraits sur des iPads qui semblent provenir d’une étrange intelligence artificielle. Mais ces imaginaires sont désormais complètement anesthésiés par la véritable intelligence artificielle capable d’une quelconque virtuosité visuelle. Il est loin le temps où il faisait don de l’argent de l’exposition à un hôpital d’urgence ou où il déstabilisait la nature de l’œuvre d’art en présentant de courts textes sur le mur. Un artiste qui, il y a 10-15 ans, avait certainement une certaine énergie curieuse, mais qui semble aujourd’hui bloqué à l’intérieur de l’iPad, comme si l’utilisation de l’iPad pouvait la sauver malgré tout. Note : 4,5.
Carlo et Fabio Ingrassia. Attitude intéressante, mais eux aussi sont coincés dans la dynamique conceptuelle et formelle du XXe siècle. Ils doivent tout remettre en question. Note : 4.
Xie Lei. Peinture poétique vaguement répétitive, artiste chinoise mais qui vit à Paris (cela va sans dire), situations surréalistes entre figure et abstraction. Des photogrammes qui nous font un peu voyager. Toujours troisième voie, le problème c’est que personne ne voyage les deux premières. Note : 5,5.
Iva Lulashi. Des situations ambiguës et langoureuses impliquant plusieurs références dans des décors ruraux. C’est bien, mais le risque est que cette ligne ne puisse pas soutenir sa répétitivité, comme Morandi, par exemple, a pu le faire. Ces derniers temps, elle est trop figée dans la dimension et la température habituelles. Note : 4,5.
Mira Mann. Une nouvelle dimension sculpturale et d’installation, une sorte de troisième voie tridimensionnelle, qu’on appelle cross-media settings : le risque est de glisser inexorablement vers des choses aléatoires. Cette attitude devrait être mieux ciblée. Note : 5,5.
Diego Marcon. Très soutenu, il s’appuie sur le cinéma pour créer des œuvres qui peuvent tenter de se sauver par des expédients narratifs. Son Ludwig, en images de synthèse, d’abord au Prix Maxxi 2018, puis récemment en 2023 à la Fondazione Trussardi, est sauvé par la virtuosité et l’effet graphique spécial ; mais si Ludwig devient, par exemple, sculpture (comme cela s’est produit à Galleria Zero et Sadie Coles), il perd beaucoup et ressemble à une œuvre d’Elmgreen et Dragset d’il y a trente ans.Même la vidéo de la Biennale (invitée par Cecilia Alemani, épouse du curateur de Trussardi Massimiliano Gioni), apparaît mélancolique et insignifiante, et même ici l’expédient des acteurs marionnettes est le même que l’idée du réalisateur Kaufman, qui en 2015, et donc bien avant l’œuvre de Marcon, a réalisé le film Anomalisa. Présentée au New Museum de New York par Gioni et Patrizia Sandretto en 2026. Note : 4.
MSCHF. Collectif américain qui réinterprète le capitalisme et l’art des années 1990 d’une manière dystopique et provocante. Ces derniers temps, il s’est trop concentré sur la vente de baskets. Espérons qu’il se porte bien. Note : 6.
Nefeli Papadimouli. Utilisation de textiles pour des installations et des sculptures textiles qui peuvent s’adapter à la personne et prendre vie. Impact visuel très soigné avec des suggestions trop modernistes (la robe qui prend forme dans la tapisserie). Dimension trop décorative, une sorte de défilé de mode déjanté. Note : 5.
Paola Pivi. Également de la génération de Zuffi, son attitude des débuts s’intègre, par exemple avec ses ours colorés. Bon soutien du clan Cattelan, avec des hauts et des bas ; bon, par exemple, son projet pour la Fondazione Trussardi ou le défilé présenté récemment à Marseille. Il doit rester concentré plus efficacement. Vote : 5.
Agnes Questionmark. Très jeune artiste à la biographie intrigante qui ressemble à la fille ou à la petite-fille de Matthew Barney. Ce qui est intéressant, c’est sa performance où elle reste immobile pendant des heures, habillée comme une étrange créature marine, dans un sanctuaire au centre de Milan. Elle est le symbole d’un nouveau panthéisme “jeune” qui nous fait réfléchir aux filles de sa propre génération qui se salissent avec de la boue pour protester contre le climat et l’utilisation des combustibles fossiles. Pour éviter le langage dérivé de Barney, il doit sûrement exagérer et rendre ses œuvres de plus en plus réelles et de moins en moins représentatives d’un imaginaire. Si les œuvres découlent d’attitudes, nous pouvons appliquer ces attitudes au quotidien, si les œuvres découlent d’imageries, nous sommes confrontés aux gadgets pour eux-mêmes de Harry Potter ou du dernier film de Marvel. Note : 4.
Luis Sal. Artiste italien non conventionnel qui a émergé au cours des dix dernières années. Il part d’une connaissance de l’histoire de l’art qui est ensuite déclinée de manière très personnelle en ce qui concerne la dynamique de la visibilité et du succès sur YouTube. Il dépasse les cercles habituels du monde de l’art et les jurys de qualité. Et il détermine une attitude spécifique qui lui est propre et qui parvient à communiquer avec tout le monde. Peut-être un peu répétitif ces derniers temps, nous attendons un saut quantique. Ces derniers temps, un peu perdu. Note : 7. Une étoile Michelin.
Caillou archange. Belle réflexion sur la résistance des matériaux, meilleure quand il exagère pour éviter la sécheresse informelle là où Burri avait déjà brûlé les matériaux. Attention au “syndrome de la quincaillerie” évoqué par Francesco Bonami. Récemment à la Quadriennale avec des œuvres scénographiques où le “verre qui ne se brise pas” ressemble plus à un tour de cirque qu’à quelque chose de substantiel. Note : 4,5.
Tino Sehgal. Véritable promesse de l’art contemporain international des vingt dernières années. Très bon jusqu’en 2012, puis il est entré en crise en diluant ses performances “live only” et en les faisant glisser très dangereusement vers une forme de danse-théâtre prévisible et ennuyeuse. Son travail récent dans l’exposition du Palazzo Strozzi présentant la collection Sandretto était magnifique. La meilleure pièce de la collection, totalement immatérielle et non documentée. Note : 7,5 (en toute confiance). Deux étoiles Michelin.
Marinella Senatore. Une artiste qui déclare des instances participatives, politiques et féministes dans des œuvres et des projets qui ne contiennent pas ces instances, mais qui se limitent à des formes prévisibles et élémentaires de “pop art” telles que des illuminations colorées et des fêtes. Elle aussi s’appuie sur le dopage des relations publiques et le storytelling, soutenus par des conservateurs et des initiés, pour donner de la valeur à ses œuvres et ne pas nous faire voir ce qu’elles sont réellement. Note : 3,5.
Serpas. Cet artiste né en 1995 à Los Angeles intègre la peinture à des sculptures qui retravaillent le ready-made. Une attitude spécifique émerge à la fois dans les peintures et les sculptures : une sorte d’intimité effrontée et parfois brutale. Intéressant. Note : 5.
Michael E. Smith. Artiste que je n’aimais pas beaucoup mais que j’ai fini par apprécier. Le ready-made se complique et prend une forte connotation environnementale, jouant et dialoguant avec l’espace. Cela détermine une attitude et une température spécifiques qui entraînent notre regard par de petits déplacements. Note : 6,5. Une étoile Michelin.
Eugenio Tibaldi. Grand travail sur les banlieues, formalisé avec talent. Il s’est également penché dernièrement sur le traitement du marché du vintage et des antiquités. Il pourrait faire mieux en supprimant cette référence continue au “vintage” et en sortant d’une certaine zone de confort purement décorative. Note : 4,5.
Gian Maria Tosatti. Après le dopage intense des relations publiques post-Covid, il reste ancré uniquement à la galerie Lia Rumma et au conservateur Eugenio Viola. Une attitude trop axée sur l’art vintage et pauvre, trop maniériste et dérivée. Glisse dans des facilités de mise en scène boursouflées de rhétorique. Note : 4.
Patrick Tuttofuoco. De la génération des Zuffi, il a perdu au fil des ans l’énergie et la vitalité qu’on lui connaissait à ses débuts, même avec les grosses boules colorées à pousser dans la Zona de Massimiliano Gioni dans le pavillon italien “ volant ” en 2003. Il vivait à Berlin, il est maintenant de retour en Italie avec un bon soutien en termes de relations publiques, remportant une série d’appels d’offres où il installe des œuvres en néon représentant des bras croisés pour rappeler l’infini et des mains qui bougent. Mobilier urbain à haut risque et Ikea évolué pour les œuvres plus conventionnelles, qui sont maintenant retombées dans la facilité de l’élaboration colorée et formaliste. Vote : 4.
Nico Vascellari. Un artiste que j’ai toujours beaucoup critiqué pour sa surexposition en Italie et pour un langage qui semblait dérivé de certaines ambiances punk John Bock-meets-provincial. En réalité, après sa sortie du système, il a réussi à définir sa propre voie indépendante (concerts dans des maisons pendant le Covid, pop-up shops à Rome et à Milan). Il réussit très bien lorsqu’il détecte une tension homme-animal, moins bien lorsqu’il renoue avec les premières années trop dérivées par rapport aux années 1990. Aujourd’hui, il semble revenir au système avec des œuvres comme Falena (présentée au Maxxi et à la Triennale) qui laissent à désirer par rapport à l’énergie spécifique qu’il nous avait laissé entrevoir. Bien la vidéo de Florence où il vole anesthésié et bien la performance Alessio. Ce qu’il lui faut maintenant c’est la scène internationale et non pas continuer à moudre des opportunités en Italie qui peuvent servir à d’autres. Vote : 6.
Francesco Vezzoli. Depuis plus de 20 ans et depuis des temps insoupçonnés, il se consacre à l’élaboration obsessionnelle et passionnée de glam vintage et, dernièrement, de découvertes archéologiques authentiques. Ce n’est pas ma tasse de thé, mais j’apprécie beaucoup son obsession, qui parvient à trouver des liens avec le contemporain. Sa dernière exposition à Rome au Palazzo delle Esposizioni était très efficace dans ce sens. Note : 6. Étoile Michelin.
Danh Vo. Progéniteur international du syndrome du jeune Indiana Jones, élaboration archéologique de sa propre expérience avec des pièces d’archéologie authentique et d’autres bonnes solutions formelles. Note : 6.
Jala Wahid. Un design d’intérieur quelque peu délirant. Une sorte de pop trash déjanté qui n’arrive pas à franchir les bancs de tout ce qui monte aujourd’hui sur le piédestal, toujours en troisième voie mais à la recherche de béquilles hors du tableau. Note : 3,5.
Xiyadie. Artiste autodidacte vivant dans la sous-culture gay de Pékin. Il utilise du papier chinois traditionnel pour créer des fantasmes érotiques. Otage des goûts de la Fondation des grands-parents, il s’oriente vers le syndrome du jeune Indiana Jones, toujours en troisième voie. Note : 4.
Italo Zuffi. Peut-être l’artiste le plus important, avec Vezzoli, de sa génération. Excellente idée du MAMbo pour sa récente exposition personnelle. Il trouve une température qui lui est propre et qui restaure l’éclectisme de la fin des années 1990. Note : 6,5. Une étoile de Michelino.
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