Luca Rossi bewertet mehr als 60 zeitgenössische Künstler: der Michelin-Führer 2026

Wenn es auf dem Kunstmarkt unterschiedliche Preise gibt, dann gibt es natürlich auch unterschiedliche “Werte”. Der Wert ist etwas anderes als der Preis, aber er trägt zusammen mit anderen Elementen zum Preis bei. Aber warum spricht niemand darüber? Rund um den Kunstmarkt und die Kunstmessen herrscht ein Klima der Omertà und der Ehrfurcht, in dem es unangenehm, unbequem und peinlich erscheint, bestimmte Fragen zu stellen: Wenn ein Kunstwerk keinen Wert für unser Leben hat, können wir darauf verzichten. Wie beim Michelin-Führer für das internationale Gastgewerbe habe ich mir für das Jahr 2022 überlegt, den Michelin-o-Führer vorzustellen, der sich neben dem gleichnamigen Restaurantführer auf einen der historischen Eingänge der Messe von Bologna bezieht, den “Michelino”-Eingang. Dieser Führer, der jetzt inseiner Ausgabe 2026 erscheint, ist hoffentlich nur der erste von vielen Einträgen, die gemeinsam eine kritische Diskussion anregen und dem Publikum und den Sammlern als Wegweiser dienen. In den letzten dreißig Jahren hat die zeitgenössische Kunst die Museen verlassen und lebt unter uns. Wenn wir uns nicht um die zeitgenössische Kunst kümmern, wird die schlechteste zeitgenössische Kunst unser Leben übernehmen und es wird Ärger geben.

Der Preis eines Kunstwerkes sollte von drei Elementen abhängen, die eine Bewertung von 1 bis 100 bestimmen:

1) Zu 80 % vom künstlerischen Wert des Werks, der sich dadurch begründen lässt, dass das Werk in Beziehung zur Kunstgeschichte und zur Gegenwart gesetzt wird. Das Werk legt Zeugnis ab von wertvollen Lesarten unserer Zeit, die es zu ertragen gilt.

2) 20% aus dem Lebenslauf des Künstlers, d.h. dem Werdegang des Künstlers. Die bereits realisierten Werke, Ausstellungen an “wichtigen” Orten, die den Wert des Künstlers hervorheben konnten (Punkt eins).

3) 10 % aus der Unterstützung des Systems, die eine “gebrochene Krücke” sein kann, die zwar eine Rolle spielen kann, aber marginal sein muss, sowohl um keine Ungleichgewichte bei den Preisen zu schaffen als auch um zu verhindern, dass sich die Künstler auf ihren Lorbeeren ausruhen. Wenn die Unterstützung zu hoch ist, haben wir es mit einem “PR-Doping” zu tun, das den Künstler selbst auf lange Sicht vergiftet.

Heute wird der erste Parameter auf der Grundlage des dritten Parameters als selbstverständlich angesehen, wobei 2-3 Personen den zweiten Parameter beeinflussen können. Der dritte Parameter bestimmt also zu fast 100% die Möglichkeiten und den (vermeintlichen) Wert des Künstlers. Langfristig schreckt diese Unbestimmtheit vom Kauf zeitgenössischer Kunst zugunsten moderner und 1990er Künstler ab, deren Wert und Preisparameter über viele Jahre hinweg besser definiert sind.

Wir werden nun eine Reihe von nationalen und internationalen Künstlern betrachten, die mit einem Rating: bewertet werden. Das Rating: bestimmt zusammen mit dem zweiten und dritten Bewertungsindex den Preis für ein Werk des Künstlers im Standardformat 50×50 cm. Darüber hinaus werden einige Künstler als zusätzliche Anerkennung 1, 2 oder 3 Michelin-Sterne erhalten, ähnlich wie in der Restaurantbranche. Alle sechs Monate werden wir diese Liste ergänzen und aktualisieren.

Der Leitfaden

Lulua Alyahya. Die saudi-arabische Künstlerin, die in London studiert hat, malt immer noch mit einem Hauch von Vintage und Modernismus. Wenn sie Maria Ciccarelli hieße, hätten wir Mühe, sie in der letzten Galerie in Bari zu finden. Noch ein dritter Weg, aber hier scheint es, dass der exotische Name im Vergleich zur westlichen Szene das Bild praktisch macht. Bewertung: 3,5.

Yuri Ancarani. Innerhalb weniger Tage und weniger Kilometer hatte er zwei Einzelausstellungen, im MAMbo in Bologna und im PAC in Mailand. Aber wenn man die Projektoren ausschaltet, bleiben die beiden Museen leer. Das zeigt die Krise des Kunstwerks, das in Ancaranis Werk erzählerische Mittel findet, um sich ein wenig zu retten. Vor einem Jahrzehnt von Cattelan selbst stark unterstützt (Ancarani war zum Videofilmer von Cattelans Erfolgen geworden), ist es ihm gelungen, sich als Künstler und Regisseur zwischen Kino und zeitgenössischer Kunst zu etablieren. Der neue Atlantide (mehr als 100 Minuten) erscheint kühner und langsamer und versucht, den “Sorrentino-Stil” nachzuahmen, der bereits seine Probleme hat. Zu anderen Zeiten gleitet er zu sehr in die dokumentarische Dimension ab, wie im Film Leonardo. Die Hilfe von Cattelan, der ihn systematisch in vielen Bereichen (Moma, Guggenheim, Gallery Zero, Filmproduktion) vorgeschlagen hat, hat sicherlich seine Forschung unterstützt, aber es ist nicht genug, die Magie von Il Capo (2010) kämpft, um zurückzukehren. Bewertung: 4,5.

Giulio Alvigini. Memes und bissige Witze über die Kunstwelt, immer an der Grenze zwischen Satire und Kunstwerk. Zu sehr darauf fokussiert, die Leute über Probleme lachen zu lassen, anstatt sie zu lösen, zumal nur Insider lachen, oft und mit zusammengebissenen Zähnen. Sollte mehr autonome Kunstwerke außerhalb der institutionellen Kritik an Memen entwickeln. Bewertung: 5,5.

Giorgio Andreotta Calò. Supergeförderter Künstler in Italien, der es trotz hervorragender Unterstützung noch nicht geschafft hat, international anerkannt zu werden. Auch er leidet unter dem Young-Indiana-Jones-Syndrom: Kerne aus dem Untergrund, informelle Arbeiten wie vom Wasser erodierte Sanduhren (Sartellis Leinwände aus den 1950er Jahren), Arbeiten, die die Tiefen der Meere erforschen, Spaziergänge im Stil von Richard Long und Muscheln, die wie archäologische Funde aussehen. Sein Italienischer Pavillon war gut, spielte aber immer noch mit schwermütigen Atmosphären aus der Tiefengrabung. Stimme: 4.

Francesco Arena. Ein junges Indiana-Jones-Syndrom, das sich auf die akademische Überarbeitung der Arte povera bezieht. Perfekt für ein Publikum und einen Markt, die bereits die Bilder der arte povera in ihren Augen haben. Zu abgeleitet. Bewertung: 3,5.

Ethan Assouline. Komplexe und poetische Installationen mit gefundenen Objekten und seiner eigenen Poesie, vielleicht das Beste, was heute auf dem Sockel gemacht werden kann. Einige sehr interessante Passagen. Bewertung: 6.

Massimo Bartolini. Eingeladen für den italienischen Pavillon 2024, zu sehr im intelligenten Relativismus verloren, wo alles und das Gegenteil von allem passen kann. Bewertung: 4.

Claudio Coltorti. Ausgezeichneter dritter Weg. Stimmabgabe: 7.

Jacopo Benassi. findet eine authentische und persönliche Temperatur in der Fotografie, zwischen Tillmans und Nan Goldin. Seine Überlagerungen von Werken und Fotografien sind schön, wenn auch repetitiv und augenzwinkernd. Auch er hat sich völlig in die archäologische Faszination des kleinen Marktes unter dem Haus zurückgezogen. Zu sehr hängt er an dieser Lösung und einigen ’Faux-Punk’-Performances in der Galerie oder dem pingeligen, bürgerlichen Museum. In letzter Zeit wiederholt er sich zu sehr mit sich überschneidenden Fotos, bei der Quadriennale geht er sogar so weit, das Foto komplett zu verstecken, und fällt so in die Untiefen des 20. Jahrhunderts, mit Künstlern wie Man Ray, Piero Manzoni und Christo. Abstimmung: 5.

Riccardo Benassi. Eine gute Intuition mit Botschaften, die poetisch in Visieren ankommen, die wie die des Bus.... aussehen. Aber dann eher zerbrechliche und verworrene Projekte. Er sollte eine bestimmte Haltung, die sehr wirksam werden könnte, besser optimieren. Nicht gut kürzlich beim Maxxi-Preis mit Roboterhunden, zu Robocop 2.0. Bewertung: 4,5.

Meriem Bennani. Erkundet das Potenzial der Erzählung, indem er die Realität durch den Einsatz fantastischer Bilder und Humor und die Vermischung von Sprachen, wie sie für YouTube-Videos, Reality-TV, Dokumentarfilme, Animationen und die Ästhetik großer Produktionen typisch sind, verstärkt. Eine Art magischer Realismus, der schließlich zu einer “zufälligen Sache” wird, ein guter Ansatz, der aber in einer scholastischen und didaktischen Betrachtung des Potenzials stecken bleibt. Auch er ist marokkanischer Herkunft. Wenn man aus dem Zentrum von Viterbo kommt, zählt man nicht. Bewertung: 4,5.

Luca Bertolo. Ein kultivierter und spielerischer Eklektizismus. Jedes Werk scheint einer banalen Lesart der Malerei ein Schnippchen zu schlagen. Ein hervorragender Interpret der Malerei, die ich heute als den dritten Weg betrachte. In letzter Zeit auf der Quadriennale sehr undurchsichtig. Bewertung: 5.

Monica Bonvicini. Eine der 4-5 italienischen Künstlerinnen mit internationalem Ruf, die seit Jahren rigorose Arbeiten zu Machtverhältnissen, mit Gürteln, Ketten und minimalen Atmosphären vorlegt. In den letzten Jahren ist sie weniger in den Fokus gerückt und war in der Endauswahl für den italienischen Pavillon 2022, den dann Tosatti-Viola gewann. Offensichtlich hat er dieses Projekt einige Monate später bei der Neuen Nationalgalerie unter der Leitung von Superkurator Klaus Biesenbach, einem Vertreter einer Generation von Starkuratoren, erneut eingereicht, aber mit schwachen Arbeiten kann es nicht funktionieren. Interessant, wenn er das Publikum bittet, in seiner Ausstellung für eine gewisse Zeit in Handschellen zu bleiben (dann aber mehr auf diesen Santiago Sierra). In den letzten Jahren hat er von seinen Einnahmen gelebt und seine Arbeit nicht wirklich effektiv entwickelt. Bewertung: 5.

Chiara Camoni. Perfektes Beispiel für das Young-Indiana-Jones-Syndrom, primitive Pixie-Atmosphäre, Feen und Tonarbeiten. Sie wurde vom Ministerium für den italienischen Pavillon 2026 ausgewählt, als ob die Verantwortlichen heute sagen wollten: “OK, Frauen, aber lasst sie nette kleine dekorative Arbeiten machen und nicht zu viel Geld ausgeben”. Abstimmung: 4.

Ludovica Carbotta. Interessant am Anfang mit Arbeiten für eine seltsame Idee von einer Stadt, und dann die strengen und eingezäunten Interventionen bei einem Kollektiv im MAMbo. Dann ein schönes Projekt für den Maxxi-Preis 2018, wenn auch sehr überladen. Aber dann nimmt sie, wahrscheinlich begünstigt durch Patrizia Sandretto, an der Biennale von Venedig 2019 teil und verliert sich in vielen skulpturalen Boxen, die alle unterschiedlich sind, wie Stilübungen. Dann zieht sie nach Spanien, um kürzlich ein Soloprojekt im OGR Turin zu machen, in demselben Umfeld, das sie unterstützt hatte, mit großen Tafeln und Experten aus allen Bereichen, die sich unterhalten. Tafeln und Experten aus allen Bereichen vermitteln das Gefühl, dass man Werte und alle Kosten finden will, nur um alles in einer offenen Dynamik zurückzugeben, zu viel, wo man alles und sein Gegenteil einbeziehen will. Dann wiederum wird Lorenzo Balbi sie für eine Einzelausstellung im MAMbo mit Mitteln des italienischen Rates im Jahr 2024 einladen. Unterstützung bis zum bitteren Ende ist schön und gut, aber zuerst muss man aufhören und eine definierte und solide Arbeit haben, während Ludovica immer noch in einer bissigen und akademischen Dynamik zu sein scheint. All diese Möglichkeiten ohne eine solide Arbeit werden zu einem Bumerang, der noch unausgereifte Wege herauskristallisiert. Bewertung: 5,5.

Maurizio Cattelan. Großartige neunziger Jahre, großartige Einstellung, Krise von 2001 bis 2018 wie ein Gigione gemanagt, der von seinem Einkommen lebt. Meisterwerk mit Banane im Jahr 2019. Man mag ihn mögen oder nicht, aber der Modus im Fokus: der selbstbewusste Ahnungslose, der die Situation mit Witz und bitterer Ironie löst. Bewertung: 7. 2 Michelino-Sterne.

Giulia Cenci. bleibt akademisch und bissig, erst in ihrer informellen Aufarbeitung und dann in ihrer Zersetzung des Körpers. Auch sie hat eine archäologische Ästhetik, sei es im Stil der “Ausgrabungen von Pompeji” oder der postindustriellen Bildsprache. Wie Tosatti und Senatore treibt sie die Öffentlichkeitsarbeit dazu, schwache Formen endlos zu wiederholen, die Gefahr laufen, sich zu kristallisieren und zu einem Problem zu werden. Das PR-Doping, das in letzter Zeit im Palazzo Strozzi noch stärker depotenziert wurde, berauscht und lässt sie altern, als wäre sie bereits 90 Jahre alt. Bewertung: 4,5.

Gabriel Chaile. Von coolen internationalen Kuratoren geliebter Künstler, der mit seinen großen traditionellen Öfen zur Biennale 2022 von Cecilia Alemani eingeladen wurde. Junges Indiana-Jones-Syndrom, das aber durch eine starke Authentizität und eine originelle formale Umsetzung gerettet wird. Wir würden jedoch gerne mehr sehen. Abstimmung: 6.

Ali Cherri. Gewinner des Silbernen Löwen auf der Biennale Venedig 2022 als bester junger Künstler. Raten Sie mal, was er macht? Schlammfiguren, die aussehen, als gehörten sie in ein archäologisches Museum. Superjunges Indiana-Jones-Syndrom, sogar mit wenig formalem Überschwang. Bewertung: 3,5.

Roberto Cuoghi. Neulich im Friedicianum mit einer Einzelausstellung, die nicht überzeugt. Wenig fokussierte Arbeiten, vieles mit wenig Ereignis. Ebenfalls aus der Zuffi-Generation und in den letzten Jahren in einer Art (oft ’maritimer’) Archäologie verloren, und dann erinnern wir uns an seine Imitatio Christi im italienischen Pavillon 2017. Auch er hat das junge Indiana-Jones-Syndrom mit Werken, die als “sehr seltsame” Funde faszinieren sollen. Hervorragende Unterstützung von Clan Cattelan über die Galerie De Carlo bis hin zum Riesen Hauser und Wirth, wo alles, was auf der Messe auf den Stand geworfen wird, an Wert gewinnt und interessant wird. In letzter Zeit sehr gut beim Pascali-Preis. Stimmabgabe: 6.

Binta Diaw. Gute Intuitionen, die nicht in die “Afrika”-Rhetorik fallen, in der Wiederholung besteht jedoch die Gefahr, ein exotisches Juwel für einen neuen hinterhältigen Kolonialismus zu werden... fast so, als ob man das Gewissen gegenüber dem Migrationsdrama reinigen wollte. Die Probleme eines kritischen Systems, das nicht lebensfähig und gerecht ist, zeigen sich vor allem auf lange Sicht: Nach vielen Jahren stellen wir fest, dass wir uns in einer Wüste bewegen, außer den “üblichen Bekannten”, die vom System bis zum bitteren Ende unterstützt werden, finden wir keine echten Alternativen. Nachdem das System die Brunnen ausgetrocknet hat, stürzt es sich auf neue Exotismen, die diese Künstlerinnen zu “exotischen Schmuckstücken” für einen zurückkehrenden Kolonialismus machen könnten. Die Werke von Künstlerinnen, in denen der Bezug zu ihrer Herkunftskultur offensichtlich ist, werden wie ein netter Aufdruck auf einer Hose, die wir bei Rinascente oder Zara in Mailand finden können. Und nicht nur das: Künstlerinnen wie Binta Diaw (oder wie Monia Ben Hamouda) zu würdigen, bedeutet auch, unser Gewissen im Hinblick auf die verzweifelte Lage vieler Migranten aus den Herkunftsländern dieser Künstlerinnen ein wenig zu beruhigen. Wenn ein Künstler aus Viterbo, Palermo oder Bozen die Gewürze, die er zu Hause verwendet, auf seine Skulpturen wirft oder seine Haare als Textur auf den Boden legt, berührt uns das überhaupt nicht. Wenn tunesische oder afrikanische Künstler dies tun, wird in den Augen westlicher Kuratoren und Sammler alles sofort “interessant”. Wir sind ein bisschen wie Christoph Kolumbus, der an den Küsten Indiens und Amerikas ankam, wir merken nicht, dass wir das Andere und die Vielfalt nur in dem Maße akzeptieren, wie wir stereotype, “bereits verdaute” und “akzeptable” Kunstwerke vorfinden, und nicht, weil wir wirklich Interesse an der Begegnung mit einer anderen Kultur haben. Die Künstler selbst werden langsam dazu gebracht, sich mit der westlichen Kultur und unserem Kunstsystem auseinanderzusetzen, um unbefriedigende und ermüdende Arbeiten zu vermeiden. Bewertung: 5.

Patrizio Di Massimo. Listige und augenzwinkernde Malerei für ein internationales Publikum, ein bisschen wie Fratino. Frizzante, aber auf lange Sicht verpufft es. Stimme: 5.

Chiara Enzo. Intime und hyperrealistische Malerei. Ausgezeichnete Entwicklung der derivativen Sprachen des 20. Jahrhunderts. Nicht genug. Bewertung: 5,5.

Haris Epaminonda. Gewinner des Silbernen Löwen auf der Biennale von Venedig 2019, als bester junger Künstler. Auch sie verarbeitet Codes und Friese aus der griechischen Antike. Pures Young-Indiana-Jones-Syndrom. Interessant, dass die ersten, die diese Wege beschritten haben, unsere eigenen Flavio Favelli und Francesco Vezzoli in den frühen Tagen waren. Stimmabgabe: 4.

Roberto Fassone. Besser als in seinen frühen Tagen, er sollte sich konzentrieren und sich nicht verirren. Aber eine gute Einstellung ist oft in der Lage, aus vorher festgelegten Schemata und starren, nostalgischen Haltungen auszubrechen. Verwirrte kürzlich beim Maxxi-Preis. Stimme: 5.

Matteo Fato. Von einer Malerei asiatischen Ursprungs, die aus Zeichen besteht, zu einer eher frontalen Malerei, die um jeden Preis authentisch sein will. Aber dieser allzu offensichtliche Eigensinn wird zu einer Pose, die den Künstler in das Derivat des 20. Jahrhunderts hineinzieht: Wie könnte man nicht an Ligabue denken? Und so muss er manchmal, um zu überleben, kleine Installationskrücken finden (die ausgestellte Kiste, der schmutzige Lappen des Malers), so dass diese Krücken letztlich von der Schwäche der Malerei selbst zeugen. Abstimmung: 4.

Flavio Favelli. Seit mehr als 20 Jahren und seit ungeahnten Zeiten widmet er sich einer obsessiven und leidenschaftlichen Ausarbeitung des Antiquitätenmarktes. In letzter Zeit zu repetitiv und redundant, mit einer Überpräsenz in Italien (er ist überall und in jedem Ausstellungskontext), die nicht die gleiche Sichtbarkeit auf internationaler Ebene findet, wo er stark abwesend ist, wäre es nützlich, einen Weg zu finden, um seine Forschung auf internationaler Ebene anzuerkennen, ohne sie in Italien zu sehr zu wiederholen. Abstimmung: 6.

Irene Fenara. Gute Idee, “poetische” Momente von Überwachungskameras einzufangen, aber es bedarf eines abwechslungsreicheren und vielleicht weniger kontemplativen Werks. Ihr Werk ist letztlich Malerei, ein guter dritter Weg. Bewertung: 6.

Claire Fontaine. Während sie eine interessante konzeptionelle Aktion entwickeln, die jedoch Gefahr läuft, zu einem intelligenten Relativismus zu werden, bleiben sie innerhalb eines elitären kulturellen Rahmens, der es schafft, bestimmte Themen auf eine begrenzte und symbolische Weise zu behandeln. Sie haben die Aufschrift auf dem Dior-Kleid von Chiara Ferragni “Think Free” (nicht ihr eigenes Zitat...) gemacht. Alles schön und gut, aber das Risiko besteht in einer Vereinfachung, die bestimmte politische und soziale Widerstände nicht berücksichtigt: Eine Mutter, die zu Hause unter Gewalt leidet, hat aus wirtschaftlichen, beruflichen und sozialen Gründen möglicherweise nicht die Möglichkeit, sich “frei zu fühlen”. Auch hier muss die Kunst eine tiefere und komplexere kulturelle Arbeit leisten, wenn sie sich mit bestimmten Themen befassen will, jenseits des spektakulären und symbolischen Effekts, der auf jeden Fall gut ist. Abstimmung: 4.

Luis Fratino. Supercooler junger Maler von internationalem Rang, der mit seiner Malerei alle über die Krise des nicht-bildlichen Werks zu trösten scheint. Verweise auf Picasso und die LGBTQ-Kultur. Meiner Meinung nach nicht genug. Bewertung: 3,5.

Cyprien Gaillard. Auch ein Versprechen aus der internationalen Szene, und meiner Meinung nach nicht erfüllt. Wie Cuoghi verwirrt die Arbeit an verschiedenen Richtlinien und die Notwendigkeit, Antikes und Modernes auszuarbeiten, um zu punkten. Bewertung: 3,5.

Ryan Gander. Britischer Konzeptkünstler, den ich mit großem Interesse verfolge. Trotz seiner großen Eklektizismus, schafft er es immer, eine bestimmte Temperatur zu halten. Einige kleine Ausrutscher, aber immer mit Interesse zu verfolgen. Bewertung: 7. Zwei Michelin-Sterne.

Francesco Gennari. Ein Künstler, der der Tradition der Arte Povera und des Zauberpoeten à la Gino De Dominicis etwas hinzufügt; sehr schöne Werke, bei denen es zu einem physischen oder emotionalen Kontrollverlust kommt, wie die Entartung des Parsifal mit Mehl oder das Werk aus weißem Marmor, das wie zwei Schneefälle aussieht, die seine Emotionalität bedecken. Aber auch er ist gezwungen, die Neuheiten dort zu präsentieren, wo sie sich versammeln, sei es in der Galerie oder auf der Messe. Bewertung: 7. Michelino-Star.

Aldo Giannotti. Eine weitere Überraschung Wahl von MAMbo. Wenn die Einfachheit der Linie und der Vignette zu einer wirksamen Waffe wird. Höhen und Tiefen im Werk. Bewertung: 6.

Massimo Grimaldi. In letzter Zeit hat er seltsame Porträts auf iPads angefertigt, die einer seltsamen künstlichen Intelligenz zu entstammen scheinen. Aber mittlerweile sind diese Imaginarien von der realen künstlichen Intelligenz, die zu jeder visuellen Virtuosität fähig ist, völlig betäubt. Längst sind die Zeiten vorbei, in denen er Ausstellungsgelder an ein Notfallkrankenhaus spendete oder in denen er die Natur des Kunstwerks durch kurze Texte an der Wand destabilisierte. Ein Künstler, der vor 10-15 Jahren sicherlich eine gewisse neugierige Energie hatte, scheint heute im iPad gestrandet zu sein, als ob der Gebrauch des iPads sie trotzdem retten könnte. Bewertung: 4,5.

Carlo und Fabio Ingrassia. Interessante Haltung, aber auch sie stecken in der konzeptionellen und formalen Dynamik des 20. Jahrhunderts fest. Sie müssen alles in Frage stellen. Wertung: 4.

Xie Lei. Vage repetitive poetische Malerei, chinesischer Künstler, der aber in Paris lebt (natürlich), surreale Situationen zwischen Figur und Abstraktion. Fotogramme, die uns ein wenig reisen lassen. Noch ein dritter Weg, das Problem ist, dass niemand die ersten beiden reist. Bewertung: 5,5.

Iva Lulashi. Zweideutige und träge Situationen, die mehrere Referenzen in ländlichen Umgebungen beinhalten. Alles schön und gut, aber das Risiko besteht darin, dass diese Reihe ihre Wiederholbarkeit nicht aufrechterhalten kann, wie es zum Beispiel Morandi konnte. In letzter Zeit zu sehr in den üblichen Dimensionen und Temperaturen verhaftet. Bewertung: 4,5.

Mira Mann. Eine neue skulpturale und installative Dimension, eine Art dreidimensionaler dritter Weg, man nennt sie medienübergreifend: die Gefahr besteht darin, unaufhaltsam ins Beliebige abzugleiten. Diese Haltung sollte besser gezielt werden. Bewertung: 5,5.

Diego Marcon. Sehr nachhaltig, verlässt er sich auf das Kino, um Werke zu schaffen, die versuchen können, sich mit erzählerischer Zweckmäßigkeit zu retten. Sein Ludwig, in Computergrafik, zuerst beim Maxxi-Preis 2018, dann kürzlich 2023 in der Fondazione Trussardi, wird durch Virtuosität und den besonderen grafischen Effekt gerettet; aber wenn Ludwig zum Beispiel zur Skulptur wird (wie in der Galleria Zero und bei Sadie Coles geschehen), verliert es viel und sieht aus wie eine Arbeit von Elmgreen und Dragset von vor dreißig Jahren.Selbst das Video auf der Biennale (eingeladen von Cecilia Alemani, der Ehefrau des Trussardi-Kurators Massimiliano Gioni) wirkt melancholisch und unbedeutend, und selbst hier ist das Mittel der Puppenspieler dasselbe wie die Idee des Regisseurs Kaufman, der 2015, also lange vor Marcons Arbeit, den Film Anomalisa drehte. Die Ausstellung wird 2026 von Gioni und Patrizia Sandretto im New Museum in NY gezeigt. Bewertung: 4.

MSCHF: Amerikanisches Kollektiv, das den Kapitalismus und die Kunst der 1990er Jahre auf dystopische und herausfordernde Weise neu interpretiert. In letzter Zeit zu sehr auf den Verkauf von Turnschuhen fixiert. Hoffentlich gut. Bewertung: 6.

Nefeli Papadimouli. Verwendung von Textilien für Installationen und Textilskulpturen, die den Menschen aufnehmen und zum Leben erwecken können. Sehr saubere visuelle Wirkung mit allzu modernistischen Andeutungen (das Kleid, das im Stoffteppich Gestalt annimmt). Übermäßig dekorative Dimension, eine Art verrückte Modenschau. Bewertung: 5.

Paola Pivi. Ebenfalls aus der Generation von Zuffi, und ihre Haltung aus den Anfangstagen passt zu ihr, zum Beispiel mit ihren bunten Bären. Gute Unterstützung vom Clan Cattelan, Höhen und Tiefen; gut zum Beispiel ihr Projekt für Fondazione Trussardi oder der kürzlich in Marseille präsentierte Laufsteg. Er muss seinen Fokus effektiver aufrechterhalten. Stimme: 5.

Agnes Fragezeichen. Eine sehr junge Künstlerin mit einer faszinierenden Biografie, die wie die Tochter oder Enkelin von Matthew Barney aussieht. Interessant ist ihre Performance, bei der sie stundenlang regungslos in einem Schrein im Zentrum von Mailand verharrt, gekleidet wie ein seltsames Meerestier. Sie ist ein Symbol für einen neuen “jugendlichen” Pantheismus, der uns zum Nachdenken über die Mädchen ihrer eigenen Generation anregt, die sich mit Schlamm beschmutzen, um für das Klima und gegen die Verwendung fossiler Brennstoffe zu protestieren. Um Barneys abgeleitete Sprache zu vermeiden, muss er sicherlich übertreiben und seine Werke immer realer und immer weniger repräsentativ für ein Imaginäres machen. Wenn die Werke von Haltungen abstammen, können wir diese Haltungen jeden Tag anwenden, wenn die Werke von Bildern abstammen, sind wir mit den Gadgets um ihrer selbst willen von Harry Potter oder dem neuesten Marvel-Film konfrontiert. Bewertung: 4.

Luis Sal. Unkonventioneller italienischer Künstler, der in den letzten 10 Jahren aufgetaucht ist. Er geht von einem kunstgeschichtlichen Hintergrund aus, der dann auf eine sehr persönliche Art und Weise mit der Dynamik von Sichtbarkeit und Erfolg auf YouTube abgeglichen wird. Er geht über die üblichen Kunstweltkreise und Qualitätsjurys hinaus. Und er bestimmt eine eigene, spezifische Haltung, die es schafft, mit jedem zu kommunizieren. Vielleicht ein bisschen repetitiv in letzter Zeit, wir warten auf einen Quantensprung. In letzter Zeit ein bisschen verloren. Bewertung: 7. Ein Michelin-Stern.

Erzengel Kieselstein. Schöne Reflexion über die Widerstandsfähigkeit von Materialien, besser, wenn er es übertreibt, um die informelle Trockenheit zu vermeiden, wo Burri die Materialien bereits verbrannt hatte. Hüten Sie sich vor dem von Francesco Bonami erwähnten “Hardware-Syndrom”. Kürzlich auf der Quadriennale mit szenografischen Arbeiten, bei denen das ’Glas, das nicht zerbricht’ eher wie ein Zirkustrick als etwas Substanzielles wirkt. Bewertung: 4,5.

Tino Sehgal. Ein wahres Versprechen der internationalen zeitgenössischen Kunst der letzten zwanzig Jahre. Sehr gut bis 2012, dann geriet er in die Krise, indem er seine “Live-only”-Performances verwässerte und sie auf gefährliche Weise in eine Form von vorhersehbarem und langweiligem Tanztheater abgleiten ließ. Seine jüngste Arbeit in der Ausstellung im Palazzo Strozzi, in der die Sandretto-Sammlung präsentiert wurde, war wunderschön. Das beste Stück der Sammlung und völlig immateriell und undokumentiert. Bewertung: 7,5 (auf Vertrauen). Zwei Michelin-Sterne.

Marinella Senatore. Eine Künstlerin, die partizipatorische, politische und feministische Instanzen in Werken und Projekten deklariert, die diese Instanzen nicht enthalten, sondern sich darauf beschränken, vorhersehbare und elementare Formen der “Pop Art” wie farbige Illuminationen und Partys zu sein. Auch sie verlässt sich auf PR-Doping und Storytelling, unterstützt von Kuratoren und Insidern, um ihren Werken einen Wert zu verleihen und uns nicht erkennen zu lassen, was sie wirklich sind. Bewertung: 3,5.

Serpas. Die 1995 in Los Angeles geborene Künstlerin verbindet Malerei mit Skulpturen, die das Ready-made überarbeiten. Sowohl in den Gemälden als auch in den Skulpturen zeigt sich eine bestimmte Haltung: eine Art unverschämte und bisweilen brutale Intimität. Interessant. Bewertung: 5.

Michael E. Smith. Ein Künstler, den ich früher nicht sehr mochte, den ich jetzt aber zu schätzen gelernt habe. Das Readymade wird kompliziert und erhält eine starke ökologische Konnotation, spielt und dialogisiert mit dem Raum. Dies bestimmt eine bestimmte Haltung und Temperatur, die unseren Blick mit kleinen Verschiebungen schult. Bewertung: 6,5. Ein Michelin-Stern.

Eugenio Tibaldi. Großartige Arbeit in den Vorstädten, mit viel Geschick formalisiert. In letzter Zeit hat er sich auch der Bearbeitung des Vintage- und Antiquitätenmarktes gewidmet. Er könnte mehr tun, indem er den ständigen “Vintage”-Bezug entfernt und aus einer gewissen rein dekorativen Komfortzone herauskommt. Bewertung: 4,5.

Gian Maria Tosatti. Nach dem intensiven Doping in der Öffentlichkeitsarbeit nach Covid bleibt er nur noch in der Galerie Lia Rumma und dem Kurator Eugenio Viola verankert. Eine Haltung, die zu sehr auf alte und schlechte Kunst ausgerichtet ist, zu manieristisch und abgeleitet. Schlittert in einfache, rhetorisch aufgeblähte Versatzstücke. Bewertung: 4.

Patrick Tuttofuoco. Aus der Generation Zuffi, hat er im Laufe der Jahre die Energie und Vitalität verloren, mit der wir ihn in seinen frühen Tagen kannten, sogar mit den großen bunten Bällen, die er 2003 im “fliegenden” italienischen Pavillon in Massimiliano Gionis Zona schob. Früher lebte er in Berlin, jetzt ist er mit guter PR-Unterstützung zurück in Italien und hat eine Reihe von Ausschreibungen gewonnen, bei denen er Neonarbeiten mit verschränkten Armen, die an die Unendlichkeit erinnern, und Händen, die sich bewegen, aufstellt. Für die konventionelleren Arbeiten, die jetzt auf einfache, farbenfrohe und formalistische Ausarbeitungen zurückgreifen, hat er mit hohem Risiko Stadtmöbel und Ikea entwickelt. Abstimmung: 4.

Nico Vascellari. Ein Künstler, dem ich immer sehr kritisch gegenüberstand, weil er in Italien zu sehr im Rampenlicht stand und weil seine Sprache von einer gewissen John-Bock-meets-Provinz-Punk-Atmosphäre abgeleitet schien. In Wirklichkeit ist es ihm nach seinem Ausstieg aus dem System gelungen, seinen eigenen, unabhängigen Weg zu finden (Konzerte in Wohnungen während des Covid, Pop-up-Shops in Rom und Mailand). Das gelingt ihm sehr gut, wenn er eine Mensch-Tier-Spannung aufspürt, weniger gut, wenn er die frühen Jahre wieder aufleben lässt, die im Vergleich zu den 1990er Jahren zu abgeleitet waren. Heute scheint er mit Werken wie Falena (das im Maxxi und auf der Triennale gezeigt wurde) zum System zurückzukehren, das im Vergleich zu der spezifischen Energie, die er uns vermittelt hat, etwas zu wünschen übrig lässt. Auch das Video in Florenz, wo er betäubt fliegt, und die Performance Alessio. Was er jetzt braucht, ist die internationale Szene und nicht, dass er sich in Italien weiter mit Gelegenheiten abmüht, die vielleicht anderen dienen. Vote: 6.

Francesco Vezzoli. Seit mehr als 20 Jahren und seit ungeahnten Zeiten widmet er sich einer obsessiven und leidenschaftlichen Ausarbeitung von Vintage-Glam und neuerdings auch authentischen archäologischen Funden. Er ist nicht “mein Fall”, aber ich schätze seine Obsession, die es schafft, Verbindungen zum Zeitgenössischen zu finden, sehr. Seine letzte Ausstellung in Rom im Palazzo delle Esposizioni war in diesem Sinne sehr wirkungsvoll. Bewertung: 6. Michelin-Stern.

Danh Vo. Internationaler Vorläufer des Young Indiana Jones Syndroms, archäologische Ausarbeitung seiner eigenen Erfahrungen mit authentischen archäologischen Stücken und anderen guten formalen Lösungen. Bewertung: 6.

Jala Wahid. Etwas delirierende Innenarchitektur. Eine Art verrückter Pop-Trash, der nicht über die Untiefen all dessen hinauskommt, was heute auf den Sockel klettert, immer noch der dritte Weg, aber auf der Suche nach Krücken aus dem Bild. Bewertung: 3,5.

Xiyadie. Autodidaktischer Künstler, der in der schwulen Subkultur Pekings lebt. Zerreißt traditionelles chinesisches Papier, um erotische Fantasien zu kreieren. Hostage to the tastes of the Grandparents Parents Foundation (Geisel des Geschmacks der Großeltern-Eltern-Stiftung) geht in Richtung Young Indiana Jones Syndrome, immer noch der dritte Weg. Bewertung: 4.

Italo Zuffi. Vielleicht der bedeutendste Künstler seiner Generation, zusammen mit Vezzoli. Ausgezeichnete Idee von MAMbo für seine jüngste Einzelausstellung. Er findet eine eigene Temperatur, die den Eklektizismus der späten 1990er Jahre wiederherstellt. Bewertung: 6,5. Ein Michelino-Star.

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