La perspective linéaire à la Renaissance : qu'est-ce que c'est, quels artistes l'ont utilisée ?

Avec l’élaboration de la perspective scientifique (ou perspective linéaire) par Filippo Brunelleschi (Florence, 1377 - 1446), l’art de la Renaissance a marqué sans équivoque son départ du gothique international. En élaborant les canons de la perspective scientifique, Filippo Brunelleschi a apporté la réponse définitive à un problème qui avait caractérisé l’art occidental pendant des siècles, à savoir la représentation de la tridimensionnalité sur des supports bidimensionnels. Mais qu’est-ce que la perspective? C’est une méthode de représentation de l’espace: les lignes orthogonales de la composition convergent vers un point de fuite, ou “point de vue”, situé au bas du support, et ces lignes servent de guide pour représenter les objets dans leur profondeur. En bref, les lignes servaient de guide au peintre pour représenter les éléments vus dans leur rétrécissement progressif au fur et à mesure qu’ils s’éloignent de l’œil du spectateur. C’est la grande intuition de Brunelleschi : comprendre que pour donner une représentation fidèle de l’espace, il est nécessaire d’adopter un point de vue fixe.

Il s’agissait donc d’une méthode scientifique et mathématique basée sur des règles précises. Des sources anciennes rapportent que Filippo Brunelleschi fut précisément le premier artiste à mettre en pratique ces principes, dans deux tablettes (aujourd’hui malheureusement perdues) représentant l’une le Baptistère de Florence et l’autre la Piazza della Signoria. La première formulation écrite de l’invention de Brunelleschi est toutefois due à Leon Battista Alberti (Gênes, 1404 - Rome, 1472), qui a donné pour la première fois une formulation théorique de la perspective scientifique dans son traité De Pictura de 1436. Outre l’élaboration théorique, Leon Battista Alberti a également tenté d’aider les artistes en décrivant un des premiers perspectives, un instrument (qu’il appelait voile) qui consistait en un cadre auquel des fils étaient attachés pour former une grille avec des lignes orthogonales. Il faut toutefois souligner que l’invention de Brunelleschi ne doit pas être considérée comme donnant une représentation pleinement réaliste de ce qui est vu : en effet, le champ visuel de l’œil est beaucoup plus large que celui supposé par la perspective de Brunelleschi. En effet, la perspective scientifique de Brunelleschi ne permet pas de représenter ce qui est vu du “coin de l’œil”, parce que le point de vue n’est pas fixe et aussi parce que le même, en vision binoculaire, n’est pas unique, parce que notre œil ne perçoit pas des lignes droites mais des lignes courbes, et parce que notre champ de vision est flou sur les bords.

La perspective scientifique dans l’art

Mais la perspective est une invention qui a donné un élan aux études mathématiques dans l’art et qui a surtout permis aux artistes d’utiliser un nouvel outil pour représenter l’espace, qui a ainsi été organisé de manière plus réaliste qu’auparavant et selon des règles précises. La première œuvre, qui nous est parvenue, dans laquelle ces concepts sont appliqués est la grande fresque, peinte entre 1425 et 1427, de la Trinité (Florence, Santa Maria Novella) par Masaccio (San Giovanni Valdarno, 1401 - Rome, 1428), le premier artiste à appliquer en peinture les canons élaborés par Filippo Brunelleschi. Après Masaccio, la perspective a commencé à intéresser les artistes qui lui ont succédé et est devenue un outil très répandu parmi les artistes de la Renaissance, grâce également au travail de “vulgarisation” mené par Leon Battista Alberti avec son De Pictura. L’un des artistes sur lesquels l’intérêt pour la perspective a eu le plus d’effet est Paolo di Dono dit Paolo Uccello (Florence, 1397 - 1475), qui était obsédé par la perspective au point que des anecdotes sont nées à son sujet et qu’il a produit des œuvres presque irrationnelles, tant ses vues en perspective étaient audacieuses.

À la Renaissance, l’utilisation de la perspective suit deux lignes principales (qui, toutefois, ne distinguent pas seulement l’utilisation de la perspective au XVe siècle mais caractérisent également les siècles suivants) : une ligne selon laquelle la perspective est utilisée pour donner de l’ordre aux compositions en réalisant un espace rationnel créé selon des règles mathématiques, et une ligne selon laquelle, compte tenu des possibilités de l’instrument, des scènes illusionnistes sont créées. À la Renaissance, c’est la première ligne qui prévaut mais, par exemple, au XVIIe siècle, la grande décoration baroque repose sur l’utilisation illusionniste de la perspective.

L’un des principaux représentants de la première tendance est Piero della Francesca (Borgo San Sepolcro, vers 1412 - 1492). Piero della Francesca compose ses scènes selon des schémas géométriques rigides et bien calculés, ce qui conduit son art à des résultats extrêmes en termes d’harmonie, d’idéalisation et de rationalité, au point de créer, outre des compositions caractérisées par des espaces équilibrés, des figures à l’expression impassible et imperturbable, même dans les scènes d’agitation (tendances particulièrement évidentes dans les Histoires de la Vraie Croix, 1452-1466, Arezzo, San Francesco). Pour Piero, l’art, avant d’impliquer les émotions, devait impliquer l’intellect de l’observateur: c’est la base de la poétique de Piero. Ce n’est pas un hasard si Piero della Francesca était extrêmement fasciné par les études mathématiques, qu’il appliquait à la peinture, et qu’il était lui-même en contact avec les plus grands mathématiciens de l’époque (comme Luca Pacioli), tout en étant lui-même mathématicien (il a en effet écrit un traité mathématique, connu sous le nom de Traité de l’abaque). En outre, Piero était un théoricien de la perspective : il a en effet rassemblé ses notions et ses réflexions dans le traité De prospectiva pingendi, qui s’ajoute à sa production de traités par le Trattato dell’abaco déjà mentionné et De quinque corporibus regularibus, un traité de géométrie.

La plupart des grands peintres de la Renaissance ont suivi la ligne de perspective comme moyen de représentation harmonieuse de l’espace, sans toutefois atteindre le rationalisme et le géométrisme élevé de Piero della Francesca. Les recherches d’Andrea Mantegna (Isola di Carturo, 1431 - Mantoue, 1506) sont de nature opposée : après avoir appris les canons de la perspective scientifique à Padoue, où travaillaient certains peintres toscans de la Renaissance, il utilisa ce qu’il avait appris des Toscans pour réaliser les fresques de la chapelle Ovetari de l’église des Ermites de Padoue, dans lesquelles la peinture semblait être une continuation de l’espace réel de l’église. Ces recherches ont trouvé leur aboutissement dans ses œuvres ultérieures, dans lesquelles il a amélioré les résultats de Niccolò Pizzolo et, en combinant ce qu’il avait appris avec son étude de l’art de Piero della Francesca, il a créé des environnements dans lesquels la perspective était un expédient pour donner à l’observateur l’illusion qu’il y avait quelque chose au-delà du mur sur lequel se trouvaient les peintures. C’est le concept qui anime le plus grand chef-d’œuvre de perspective d’Andrea Mantegna, la Camera picta, plus connue sous le nom de Chambre nuptiale, dans le château de San Giorgio à Mantoue(pour en savoir plus, cliquez ici) : les murs sont percés de manière illusionniste, on a l’impression de participer aux scènes peintes sur les murs, et si l’on déplace le regard vers le plafond et que l’on observe le célèbre oculus, on a vraiment l’impression qu’il y a un ciel bleu et une balustrade au-delà du plafond, d’où regardent les cupidons et les personnages de la cour.

L’autre grand représentant de la Renaissance de la ligne "Mantegna" est Melozzo da Forlì (Forlì, 1438 - 1494), qui a étudié les œuvres de Piero della Francesca et d’Andrea Mantegna: lui aussi utilise la perspective de manière illusionniste (comme dans la coupole de la sacristie de Saint-Marc dans le sanctuaire de la Sainte Maison de Lorette), mais il s’inspire aussi de la délicatesse chromatique de Fra Angelico et “adoucit” la dureté de la peinture d’Andrea Mantegna avec son art, tout en utilisant les mêmes procédés perspectifs, ce qui fait de lui l’un des peintres les plus délicats de la Renaissance.

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