Le cubisme, la révolution des formes: origines, développement et principaux artistes

Le cubisme est un mouvement artistique d’avant-garde décisif du XXe siècle, né à Paris vers 1907 et qui s’est développé tout au long des années 1910 et jusqu’aux années 1920. La première affirmation du style cubiste coïncide avec l’exécution du tableau de l’artiste espagnol Pablo Picasso (Malaga, 1881 - Mougins, 1973) Les demoiselles d’Avignon, considéré comme une œuvre capitale pour l’art contemporain et un précurseur des développements cubistes. L’aspect le plus frappant pour l’époque est la technique des plans de couleur fragmentés par des angles géométriques, les lignes des formes étant en continuité avec le fond, qui annonce ce qui sera plus tard une révolution formelle dans la peinture et la manière de concevoir l’image.

Le cubisme fait suite à un bouleversement des habitudes picturales et artistiques qui s’était déjà produit avec les post-impressionnistes et les fauves, entre la fin du XIXe siècle et les premières années du XXe siècle, mais il est absolument révolutionnaire en ce qu’il a le pouvoir de remettre fondamentalement en cause, pour la première fois, l’idée du “tableau”, qui prévalait depuis la Renaissance et envisageait la représentation d’objets et de formes à partir d’un point de vue spécifique. Le style cubiste a complètement reconsidéré le concept de plan pictural basé sur les recherches de son prédécesseur Paul Cézanne, rejetant les techniques traditionnelles de la perspective, du raccourci ou du clair-obscur et rompant complètement avec les théories et pratiques académiques établies de la représentation d’après nature et d’après modèle, afin de présenter une nouvelle réalité picturale donnée par plusieurs points de vue dans la même œuvre.

Le nouveau langage artistique a été introduit en peu de temps par la fréquentation et l’expérimentation rapides et assidues entre Pablo Picasso et Georges Braque (Argenteuil, 1882 - Paris, 1963), puis développé à partir de 1909 dans une phase appelée cubisme analytique, qui a été suivie jusqu’à l’éclatement de la Première Guerre mondiale en 1914 par le cubisme synthétique. Dans la première phase, un enchevêtrement de lignes géométriques entrecroisées décompose les figures en une multitude de plans picturaux sans centre du tableau, avec des arrière-plans et des figures qui s’interpénètrent.

Cette phase a radicalement changé l’idée que l’homme et son point de vue unique étaient la mesure de la vision. Au contraire, la phase synthétique se caractérise par de larges plans géométriques délimités avec plus de clarté, où, après avoir surmonté la question du point de fuite, l’œuvre fait un bond vers la valeur conceptuelle qui sera décisive dans l’art à venir: elle est considérée comme une sollicitation non seulement du regard mais aussi de la pensée, sans trahir les procédures propres à l’œuvre artistique. Picasso et Braque introduisent dans leurs toiles des lettres imprimées, des chiffres, du papier peint et des coupures de journaux, de sorte que la peinture commence à ressembler à une construction et, ayant un volume, à ressembler proprement à une sculpture. À partir de cette étape, la révolution formelle du cubisme s’étend à Paris et à toutes les capitales de l’avant-garde internationale. À la symbiose initiale des deux artistes se joignent, avec des contributions significatives, le peintre espagnol Juan Gris (Madrid, 1887 - Boulogne-sur-Seine, 1927) et Fernand Léger (Argentan, 1881 - Gif-sur-Yvette, 1955), qui travaillent sur la fragmentation des formes. Avec de nombreux autres représentants tels que Jean Metzinger (Nantes, 1883 - Paris, 1956), Robert Delaunay (Paris, 1885 - Montpellier, 1941), Sonia Delaunay (Sonja Terk ; Odessa, 1885 - Paris, 1979), Roger de la Fresnaye (Le Mans, 1885 - Grasse, 1925) ; et bien que principalement associé à la peinture, le cubisme a exercé une profonde influence sur la sculpture et l’architecture.

Origine, développement et étapes du cubisme

L’élément moteur du “tournant” du cubisme a été une rétrospective posthume de l’œuvre de Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 1839 - 1906), qui a profondément inspiré les cubistes à leurs débuts. Elle s’est tenue au Salon d’automne parisien de 1907, année où Pablo Picasso, l’initiateur du cubisme, a composé Les demoiselles d’Avignon, œuvre charnière de l’histoire de l’art. Dans cette œuvre, aujourd’hui exposée au Moma - Museum of Modern Art de New York, cinq femmes nues deviennent des formes fragmentées et anguleuses et, comme dans l’art de Cézanne, la perspective est rendue par la couleur, avec des bruns-rouges chauds qui avancent et des bleus froids qui s’éloignent.

Cézanne s’est attaché à articuler une organisation compositionnelle qui décrit la nature “en termes de cylindre, de sphère, de cône” - les composants géométriques les plus simples. En utilisant des plans de couleur pour créer ces formes, il combine des parties des figures du premier plan avec des éléments de l’arrière-plan, la surface et la profondeur se rejoignant. Les grandes baigneuses (1900-1906) est son chef-d’œuvre, dont Picasso s’est inspiré pour Les demoiselles. En déformant les figures, en rendant leurs volumes sous forme de plans fragmentés avec une palette sourde, il a introduit certains des éléments clés du cubisme ultérieur. L’influence de Cézanne conduit également Georges Braque, jusqu’alors fasciné et impliqué dans les Fauves, à abandonner cette année-là les couleurs vives et les tendances fauves pour une stylisation de la réalité dans des couleurs sourdes, obtenue en réduisant les objets, les arbres et les maisons à des formes géométriques élémentaires. Après avoir vu Les Demoiselles de Picasso dans son atelier, il intensifie ses explorations similaires et produit en 1908 une série de peintures de paysages, dont Maisons à l’Estaque, dans lesquelles les arbres et les montagnes sont rendus sous forme de cubes et de pyramides, semblables à des formes architecturales.

Le terme “cubisme”, “cubiste”, apparemment et selon le témoignage du poète Guillaume Apollinaire, est dérivé d’une expression dérisoire d’Henri Matisse, qui, en tant que membre du jury du Salon d’Automne en 1908, avait rejeté cinq des sept peintures envoyées à cette exposition par Georges Braque. Mais c’est le critique Louis Vauxcelles qui, pour la première fois et toujours à propos des tableaux de Georges Braque, parle de"bizarreries cubiques“ dans un article publié dans ”Gil Blas". Comme cela s’était déjà produit avec les Impressionnistes en 1874 et les Fauves en 1905, les artistes acceptèrent la définition.

Le cubisme est présenté au public avec l’exposition personnelle de Braque à la galerie Daniel-Henry Kahnweiler, rue Vignon à Paris, à la fin de la même année. Les expériences de Picasso et de Braque doivent beaucoup à Kahnweiler, qui les a beaucoup soutenus en leur proposant d’acheter les œuvres au fur et à mesure qu’elles étaient peintes. Après l’exposition de 1908, les deux artistes n’exposeront plus, à quelques exceptions près, que dans sa galerie. L’étroite collaboration entre Picasso et Braque a été déterminante pour la genèse du style. Tous deux vivaient dans le quartier de Montmartre à Paris et se rencontraient régulièrement pour discuter de leurs progrès, s’influençant mutuellement à tel point que leurs œuvres étaient parfois impossibles à distinguer l’une de l’autre. En 1912, comme le montre une interview publique du galeriste Kahnweiler sur le cubisme, l’intérêt du public et une certaine reconnaissance du mouvement se développent. Dès cette année-là, un essai théorique intitulé Du cubisme de Jean Metzinger et Albert Gleizes, et à partir de 1913, le recueil de Guillaume Apollinaire dans le volume Méditations esthétiques: les peintres cubistes de certains de ses écrits consacrés à la nouvelle peinture.

Bien qu’il y ait eu quelques expositions cubistes jusqu’en 1925, le mouvement n’a pas duré longtemps après la Première Guerre mondiale. En 1914, au début de la Première Guerre mondiale, Picasso, en tant qu’étranger en France, n’est pas enrôlé, mais Braque l’est, et blessé au combat, il ne recommencera à peindre qu’en 1917 ; Kahnweiler, en tant qu’Allemand, est exilé de France et le principal marchand d’art cubiste à Paris devient Léonce Rosenberg avec son frère Paul Rosenberg, qui continue à vendre les peintures de Picasso dans les années qui entourent la Seconde Guerre mondiale.

Dans les mêmes années, les Cubistes de Salon sont apparus, ainsi appelés parce qu’ils exposaient des œuvres cubistes influencées par le style de Picasso et de Braque. C’est grâce aux œuvres des cubistes de salon que le mouvement s’est fait connaître du grand public. Parmi les artistes, on trouve Juan Gris, Fernand Léger, Roger de La Fresnaye, Robert Delaunay, ainsi que Jean Metzinger et Albert Gleizes eux-mêmes, qui avaient déjà vécu en contact étroit dans leur pays d’origine. Ils se réunissent avec d’autres membres du groupe à Puteaux, une banlieue où le peintre et graveur Jacques Villon et son frère, le sculpteur Raymond Duchamp-Villon (appelé le"groupe de Puteaux") ont leur atelier. Il est probable que les idées principales de leur Du cubisme (1912), la première déclaration publiée sur le style, aient été formalisées à la suite de ces rencontres. Le Salon de la Section d’Or, qui réunit les courants les plus radicaux de la peinture et qui se tient après le Salon d’Automne à la Galerie La Boetie, est une expérience mémorable de l’année 1912. Comme pour le cubisme de Picasso et Braque, le groupe de la Section d’Or n’a pas connu de continuité après la Première Guerre mondiale, avec des expositions sporadiques entre 1918 et 1925.

Thèmes et styles: l’évolution du cubisme

Les différentes étapes du développement du style cubiste sont principalement basées sur l’évolution de l’œuvre de Picasso et de Braque plutôt que sur celle des cubistes de salon. La première phase, dite de formation, dans les années 1908-1909, fait suite à la rétrospective parisienne de Paul Cézanne en 1907, dont plusieurs artistes ont retenu la leçon picturale: l’absence d’effet de profondeur, la remontée des objets de la vision vers des formes géométriques, la qualité matérielle et uniforme de ses coups de pinceau. Braque explore cette décomposition des volumes et le traitement schématique des plans dans plusieurs œuvres aux facettes nuancées et au chromatisme essentiel, qui sont les premiers paysages pleinement cubistes, peints en Provence comme Cézanne lui-même l’avait fait dans les années 1870 et 1880.

À la même époque, Picasso reçoit à Paris de nombreux autres stimuli et influences, loin de la tradition de la Renaissance classique ; en 1906, il entre en contact dans les musées parisiens, dont le Louvre, avec l’art ibérique et l’archéologie de son pays d’origine, ainsi qu’avec l’art africain, qui oriente une nouvelle peinture vers la simplification du corps humain et des figures en général, niant l’illusion de la profondeur dans les tableaux. D’un point de vue stylistique, il est intéressant de noter, dans Les Demoiselles de 1907, la différence entre les trois figures de gauche, relativement douces, et les deux figures de droite, beaucoup plus dures et agressives. Le premier groupe dénote l’influence de l’art ibérique ancien, tandis que le second montre le désir de Picasso d’assimiler les leçons sculpturales de l’Afrique noire, auxquelles les Fauves comme Henri Matisse, André Derain et Maurice de Vlaminck s’étaient déjà intéressés.

La saison cubiste se développe de manière très systématique. Le cubisme analytique concerne les années 1910-1912, au cours desquelles les deux artistes se tournent vers l’analyse minutieuse d’objets dans leur contexte et selon différents points de vue, et où la couleur perd sa valeur descriptive. Picasso et Braque limitent leurs sujets aux genres traditionnels du portrait et de la nature morte, et leur palette aux tons de terre et aux gris sourds qui réduisent les contours des formes fragmentées des personnages et des objets. La palette de couleurs se prête à la présentation de visions complexes et multiples de l’objet, réduites à des plans superposés. Ces plans semblent dépasser la surface de la toile plutôt que de s’enfoncer dans les profondeurs.

Bien que leurs œuvres soient souvent similaires, leurs intérêts distincts sont apparus au fil du temps. Braque avait tendance à montrer des objets explosant ou se séparant en fragments, tandis que Picasso les magnétisait, avec des forces d’attraction poussant les éléments de l’espace pictural vers un centre de la composition. Les motifs représentatifs de cette période sont les instruments de musique, les bouteilles, les carafes, les verres, les journaux, le visage et la figure humaine.

La fragmentation analytique est évidente dans des œuvres telles que le Portrait d’Ambroise Vollard de Picasso ou Le Guitariste de Braque, dans lesquelles les relations entre les plans de couleur et l’enchevêtrement de lignes brisées remplissent les figures dans leur intégralité, tandis que l’arrière-plan envahit des parties importantes du corps avec ses arêtes vives. Des images à “reconstruire” non seulement avec les yeux, mais aussi par une activité mentale complexe. Parmi les œuvres de ce style, citons le prédécesseur de Braque, Violon et palette (1909), ou Ma Jolie (1911-1912) de Picasso. Le cubisme synthétique couvre la production entre 1912 et 1914, toutes orientées vers la synthèse avec laquelle les objets sont présentés à l’esprit du peintre. C’est aussi une période où des éléments concrets et tridimensionnels sont introduits dans les tableaux avec des perspectives multiples et où la couleur joue un rôle important. Les formes, tout en restant fragmentées et plates, seront plus grandes et plus décoratives et les surfaces des toiles accueilleront des matériaux étrangers collés sur la toile en combinaison avec les zones peintes.

En 1912, Pablo Picasso réalise l’œuvre Nature morte à la chaise empaillée, dans laquelle, pour la première fois, un élément, au lieu d’être représenté, est physiquement incorporé à la peinture: l’empaillage est un morceau de toile cirée tandis que le cadre est formé par une corde collée au bord de la composition. C’est le lancement du collage cubiste et, avec Braque qui commence à coller des journaux sur ses toiles, de la technique du papier collé. Avec le papier collé du cubisme synthétique, l’opération artistique commence dans le sens où les déchets du monde matériel prennent place dans le monde idéal de la peinture et du dessin. Il ne s’agit plus de peinture au sens propre, mais d’une sorte d’hybride entre le travail au pinceau et le travail aux ciseaux et à la colle. La composition synthétique de l’ époque fait également souvent appel à un format de toile inhabituel, l’ovale, et tous ces aspects posent la question de savoir ce qui relève de la réalité et ce qui relève de l’illusion artistique.

Juan Gris, qui travaillait déjà depuis quelques années en solitaire à la recherche d’un langage libérant l’image de la description de la réalité, apporta une contribution importante aux solutions du cubisme synthétique, affirmant: “Cézanne fait un cylindre avec une bouteille, je fais une bouteille avec un cylindre”(Nature morte avec assiette de fruits et bouteille d’eau, 1914).

Nature mortedans un paysage (Place Ravignan) est un magnifique exemple de son style mature. Gris a peint ce tableau en 1915, en pleine guerre mondiale. L’œuvre, exécutée à l’huile, représente une taverne avec une table pour les clients placée devant une fenêtre ouverte. On retrouve ici le thème de l’illusion picturale et de la décomposition de la réalité visuelle en plans: alors que la fenêtre présente une vraisemblance presque réaliste, les objets quotidiens proches du spectateur sont morcelés et désarticulés. Gris ne nie donc aucun point de vue dans la même vision. Cette interprétation du cubisme, sans trahir les prémisses initiales des fondateurs, anticipe le tournant conservateur, défini comme"le retour à l’ordre", qui se manifestera à la fin de la guerre.

Le cas de Fernand Léger est différent: dans sa peinture, la fragmentation kaléidoscopique et dynamique des formes et la palette lumineuse et livide laissent entrevoir les symboles optimistes de la civilisation mécanique, qui deviendront de plus en plus explicites au fil du temps. En 1911, sous l’influence du cubisme analytique, il peint ses Nus dans la forêt. Dans ce tableau, les figures et les objets sont réduits à une étrange combinaison de tubes grisâtres et verdâtres. À partir de là, son intérêt pour la civilisation industrielle et le monde du travail évolue rapidement: Léger veut trouver un nouveau médium pictural qui reflète la vie moderne. Dans le Contraste des formes, peint en 1913, des cylindres, des cônes tronqués et des plans métalliques sont empilés sans sujet littéraire reconnaissable ni genre pictural traditionnel. La couleur et les lignes indiquent une sorte de cubisme qui se situe à cheval entre l’analytique et le synthétique, mais qui diffère en même temps de celui des fondateurs du courant, Picasso et Braque. Entre 1915 et 1922, en réaction au chaos de la guerre, de nombreux artistes français ont eu tendance à se retirer de l’expérimentation radicale ; ce penchant n’était pas exclusif au cubisme(Trois femmes de Léger, 1921).

Fernand

Fernand Léger,

L’héritage du cubisme

Le cubisme s’est rapidement répandu dans toute l’Europe dans les années 1910, tant pour son approche systématique du rendu des images que pour l’ouverture qu’il offre dans la représentation nouvelle des objets.

Le mouvement a impliqué, bien au-delà de la production d’œuvres, toute la sphère de l’activité artistique et a été à la base d’un certain nombre de styles du début du XXe siècle, y compris le futurisme, et de nombreux artistes importants sont passés par une phase cubiste dans leur développement, dont le plus notable est peut-être Marcel Duchamp, le père de l’art conceptuel(Nu descendant l’escalier n° 2, 1912).

Des mouvements ultérieurs tels que le minimalisme ont également été influencés par l’utilisation cubiste de la géométrie, et on ne peut s’empêcher de relier le développement de l’art abstrait aux expériences des cubistes.

Le cubisme, la révolution des formes: origines, développement et principaux artistes

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