Supercult. Pietro Zampetti sur Gentile da Fabriano

L’Adoration des Mages, la seule œuvre qui nous soit parvenue intacte, a été commandée au peintre par l’homme le plus riche de Florence, Palla Strozzi, pour sa propre chapelle de Santa Trinita à Florence - dont l’exécution architecturale avait été confiée à Ghiberti - et est aujourd’hui exposée à la Galerie des Offices. Signé en 1425, ce fabuleux assemblage - un thème cher au goût “courtois” qui avait l’habitude d’enrichir le récit d’inventions et de fables - est un ensemble d’hyperboles fantaisistes, d’images et d’illustrations. un ensemble d’hyperboles fantaisistes, le non plus ultra de la culture picturale courtoise, où l’aube et le crépuscule, les fables et les inventions, le sacré et le profane se mêlent aux vérités vérifiables, à la douceur et à la mélancolie, à la violence et à la mort, où l’on retrouve toute la transposition figurative d’un monde en train de se dissoudre. La cavalcade des Mages est vue dans un seul espace mais dans des moments successifs : de l’apparition de l’étoile aux Mages sur la colline de gauche, de ce côté-ci d’une étendue de mer, à la longue cavalcade, au voyage à travers montagnes, vallées, villages et châteaux jusqu’au premier plan, à la lumière finale de cette luxueuse vision scénographique, où les rois arrivent, après tant de voyages et d’errances parmi les scènes de chasse, qui arrêtent leur voyage harnachés, et descendent de leurs chevaux pour rendre hommage à l’Enfant Jésus.

Un monde obscur et élégant, avec des annotations exotiques, qui s’explique aussi “par le snobisme et les goûts aristocratiques du comittente”, un marchand très riche, mais aussi un homme de culture. Et Florence, à cette époque, était une ville qui voyait loin, précisément grâce à son commerce et à ses produits raffinés qui atteignaient tous les coins du monde connu. Dans ce tableau somptueux, fait de cadres dorés, de couleurs, d’événements sacrés, de mondanités et de préciosités inégalées, il y a tout l’univers, à commencer par l’Éternel et les prophètes. La foule des hommes et des chevaux au premier plan est telle qu’elle ressemble à la réception d’une fête, d’un tournoi, d’un défilé, où un monde raffiné et indifférent se montre, se met en valeur, comme le jeune roi au centre, avec sa robe précieuse piquée d’or et de broderies. Il a l’apparence d’un mannequin pour solenniser la préciosité de sa robe et l’élégance soutenue de son comportement. L’événement est une parade splendide, mais il ne contient aucune sollicitation de la signification profonde qu’il renferme pour le christianisme (quelle différence avec l’interprétation dramatique que Léonard offrirait de ce même épisode évangélique, quelques décennies plus tard, d’une manière dramatique et sévère, visible à peu de distance dans cette même galerie florentine).

Mais à y regarder de plus près, tout n’est pas or et splendeur, tout n’est pas représentation épuisée et presque étouffante, aussi élevée soit-elle. Dans la prédelle, presque à l’opposé, trois épisodes : la Nativité, la Fuite en Égypte et la Présentation au Temple (dont l’original se trouve au Louvre - ici, il s’agit d’une copie) proposent des scènes solitaires et silencieuses, où les présences ostentatoires disparaissent et où les événements dominent. Le “nocturne” de la Nativité sous le ciel étoilé est une nouveauté absolue en raison de cette lumière qui irradie de l’Enfant et qui frappe la façade de la petite maison où dort une jeune fille : il semble presque la fantaisie d’un peintre métaphysique, une vision plongée dans le mystère et l’attente d’un événement redouté. Cette atmosphère d’attente trouve sa suite dans la Fuite en Égypte, où le soleil est haut mais où le silence est profond dans le regard de Jésus et de la Madone, avec saint Joseph qui précède et les dames qui regardent et commentent. C’est une atmosphère résignée et triste, si loin de l’indifférence totale de la scène précédente ; un sentiment de tristesse plane presque comme dans l’adieu de Lucia dans Les Fiancés. Mais les élégantes gentilles femmes rappellent la réalité florentine, la plus proche, vécue de première main. Remarquez leur ressemblance, presque des participantes à la même fête que les “modèles” dessinés par Pisanello, dans les feuilles du musée de Bayonne.

Enfin, l’attraction de cette grande œuvre qu’est l’Adoration, l’expérience extrême d’une figuration qui allait se dissoudre et faire place à un goût nouveau, c’est la décoration “florale” des piliers percés qui ferment sur les côtés la merveilleuse machine. Là où des compositions similaires - jusqu’au retable de Pesaro de Bellini - présentent habituellement des figures de saints superposées, Gentile a inventé un assemblage d’herbes et de fleurs, presque un hommage et un dernier adieu aux prairies fleuries chères à la peinture lombarde de l’époque. Mais ces présences prennent ici une valeur nouvelle, celle de la “nature morte”, comme l’a bien noté Grassi, suivi par Bellosi, qui affirme : “on ne peut que s’étonner que les amateurs de ce domaine particulier de l’art n’aient pas souligné cet aspect étrangement anticipateur de l’œuvre de Gentile”. En effet, herbes et fleurs, fraises et cerises, tout ce que la nature peut offrir à notre attention admirative, l’artiste l’a rassemblé ici avec une précision de rendu qui intéresserait à la fois l’art et la science. Et c’est aussi pour cela que l’Adoration apparaît comme une œuvre emblématique : elle l’était lorsqu’elle a été placée dans la chapelle Strozzi de Santa Trinita, elle l’est encore aujourd’hui à plus de cinq siècles de distance.

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Pietro Zampetti, Gentile et les peintres de Fabriano, Nardini, Prato, 1997, pp. 99-100.

Supercult. Pietro Zampetti sur Gentile da Fabriano

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