Giulio Turcato au CAMeC: une histoire de liberté

Article publié à l’origine sur culturainrivera.it

Parmi les expositions les plus intéressantes de l’été (et j’ose ajouter “de tout le pays”), on ne peut pas ne pas inclure l’exposition que le CAMeC de La Spezia consacre à la figure fondamentale de Giulio Turcato (Mantoue, 1912 - Rome, 1995), l’un des peintres les plus représentatifs de l’Italie du XXe siècle. Giulio Turcato. De la forme poétique à la peinture de surface (d’où le titre) n’est pas seulement une exposition d’art contemporain (mais désormais codifié à tel point que l’on peut aisément parler d’histoire de l’art): c’est une histoire de liberté, car Giulio Turcato a été l’un des artistes les plus libres et les moins apprivoisés parmi ceux qui ont travaillé à partir des années 1950. Et c’est précisément cette extrême liberté qui semble constituer le principal leitmotiv sur lequel l’exposition veut insister, en retraçant largement l’ensemble de la carrière artistique de Turcato, depuis les œuvres des années 1940 jusqu’à ses dernières recherches.

Giulio Turcato. De la forme poétique à la peinture de surface

Les premières années de Turcato, lorsqu’il fait partie du groupe Forma 1, puis du Fronte Nuovo delle Arti et qu’il s’en détache pour rejoindre en 1952 ce que l’on appelle le Gruppo degli Otto (Groupe des Huit), sont résumées dans certaines œuvres de la première salle: il s’agit d’œuvres dans lesquelles l’adhésion au référentiel naturel est encore assez évidente, bien que la sensibilité du peintre semble déjà s’orienter vers des formes originales qui seront développées davantage dans les années à venir. C’est le cas de certaines œuvres qui présentent encore des références cubistes mais qui commencent déjà à s’ouvrir à d’autres expériences, comme celle de Kandinsky, envers lequel, à partir de 1947, année de son séjour à Paris, Turcato commencera à éprouver une sincère admiration. Nous avons ainsi une Nature morte aux poissons de 1945, provenant d’une collection privée milanaise, et surtout le Chantier naval de 1951, une œuvre fondamentale pour plusieurs raisons. Premièrement, il s’agit d’une œuvre qui lie indissolublement l’artiste à la ville qui accueille l’exposition, parce qu’avec cette œuvre, l’artiste a remporté le prix national de peinture “Golfo della Spezia” et parce qu’il s’agit de l’une des deux toiles conservées dans la collection permanente du CAMeC. D’autre part, c’est certainement l’œuvre de l’exposition qui témoigne le mieux de l’engagement social de Giulio Turcato dans cette phase de son activité (son œuvre la plus célèbre dans ce sens, le fameux Comizio, n’est malheureusement pas présente dans l’exposition).

Giulio Turcato, “Nature morte au poisson” (1945 ; huile sur toile, 60 x 80 cm ; Milan, collection privée)

Giulio Turcato, “Cantiere” (1951 ; huile sur toile ; La Spezia, CAMeC)

Giulio Turcato était en effet un communiste convaincu, mais il n’était certainement pas un communiste à qui l’on imposait la ligne à suivre: cela devient particulièrement évident au moment de la rupture entre les peintres figuratifs et abstraits qui constituent le Fronte Nuovo delle Arti. Le PCI rejette l’art abstrait, le jugeant inadapté aux besoins du parti, dont les exigences, selon Togliatti, seraient mieux servies par un art réaliste et immédiat. Turcato, quant à lui, accorde plus d’importance à sa propre sensibilité qu’aux directives du parti. Il rejoint donc, comme prévu, le “Gruppo degli Otto” (Groupe des Huit), fondé par une poignée d’artistes qui pensent comme Turcato, et poursuit ses recherches, qui s’orientent définitivement vers un abstractionnisme éclectique et polyvalent. Selon Lionello Venturi, “sa nature d’artiste l’emporte”.

Non pas que les liens avec la réalité (et aussi avec l’engagement politique) disparaissent d’un jour à l’autre: c’est ce que démontre une œuvre comme Le jardin de Micurin de 1953, dont le titre fait référence à la figure du botaniste russe (puis soviétique) Ivan Vladimirovic Micurin, qui a travaillé à la création de variétés de plantes résistantes aux dures conditions climatiques de la Russie, un engagement qui lui a valu la reconnaissance du régime (qui a même changé la toponymie d’une ville en son honneur). Dans le tableau, qui fait partie d’une série entière sur le même sujet (celui-ci, provenant d’une collection privée milanaise, est le seul exposé à La Spezia), les tissages noirs évoquent les branches des plantes tandis que les figures de couleurs variées suggèrent les couleurs des fleurs et des fruits produits par les plantes étudiées par Micurin.

Giulio Turcato, “Le jardin de Micurin” (1953 ; huile sur toile, 66,5 x 80 cm ; Milan, collection privée)

La charge innovatrice de l’art de Giulio Turcato a connu d’autres évolutions dictées, selon toute probabilité, par les suggestions que les artistes spatialistes , mais aussi, dans un certain sens, les nouveaux réalistes, ont pu lui fournir: on peut expliquer dans ce sens des œuvres telles que les Tranquillanti et les Superfici , dont le visiteur peut trouver plusieurs exemples au CAMeC. Il s’agit de recherches qui ont débuté vers la fin des années 1950 mais qui se sont poursuivies tout au long de la décennie suivante. Dans les Tranquillanti, l’artiste colle de véritables comprimés de tranquillisants sur des surfaces monochromes: l’usage des tranquillisants étant très répandu, l’artiste pense que personne ne s’opposera à ce qu’ils soient utilisés pour créer une œuvre d’art. L’objet réel entre dans l’œuvre d’art pour évoquer certaines situations à l’observateur, aidé également par les tons presque toujours sombres et nocturnes de l’arrière-plan. Les Superfici ( Surfaces) poursuivent cette recherche de nouvelles possibilités expressives: le matériau lui-même devient une œuvre d’art capable d’exprimer et d’évoquer, comme dans les Superfici lunari (Surfaces lunaires), où les aspérités, les trous et les fissures du caoutchouc mousse, l’un des matériaux préférés de Turcato dans cette phase, suggèrent les cratères et les mers de la Lune. “J’expérimente pour pouvoir repousser un peu plus loin la limite de l’expression possible”, déclare Turcato dans une interview datant de 1982, “pour dilater le langage. Il faut créer une forme intensément psychologique, en travaillant également sur les outils”, et cette recherche de nouvelles possibilités découle de la conviction que le tableau doit “être un véhicule de sens et de communication, atteindre immédiatement l’œil” et que c’est “tout le tableau” qui doit “vous gifler”. Le choix du caoutchouc mousse, comme l’écrivait l’artiste en 1966, mais aussi comme le rappellent les inscriptions en grosses lettres sur le mur où sont exposées les Surfaces lunaires au CAMeC, est né “parce que sa croûte rugueuse est pleine de nouveaux avertissements et de merveilles”.

De gauche à droite, œuvres de Giulio Turcato: “Tranquillanti” (vers 1968 ; huile et technique mixte sur toile ; Milan, collection privée), “Tranquillanti” (1961 ; huile et technique mixte sur toile ; Milan, collection privée), “Superficie malata” (1961 ; huile et technique mixte sur toile ; Milan, collection privée).

Trois “Surfaces lunaires” de Giulio Turcato

Giulio Turcato, “Surface lunaire” (1968 ; huile et techniques mixtes sur caoutchouc mousse, diamètre 90 cm ; collection particulière)

Les nouvelles possibilités des techniques expressives permettent ensuite d’explorer non seulement les objets et les surfaces, mais aussi les formes, les couleurs et la lumière. La pertinence du geste de l’artiste apparaît dans une œuvre comme Alleluia, où la ligne blanche, courbe, continue et entrelacée, créée avec une technique expressionniste abstraite, s’unit à l’empreinte de la main: pour un artiste, il n’y a pas de geste plus simple et plus primitif que de poser la main sur la toile, et ce geste presque libérateur (d’où peut-être le nom du tableau) permet à Turcato de “s’identifier” dans l’œuvre. Des hypothèses pas très éloignées de celles des expressionnistes abstraits, à la différence que, écrit le critique Vito Apuleo, “l’angoisse existentielle de Rothko dans Turcato devient une émotion musicale”. Cette émotion musicale est également suggérée par les œuvres où le motif de ces graffitis aux couleurs vives revient, souvent en emprisonnant des objets réels: c’est le cas, par exemple, de Lire, où les signes colorés chers à Turcato créent des entrelacements ludiques en toute liberté autour de vrais billets de banque.

Giulio Turcato, “Alleluia” (1970 ; huile et techniques mixtes sur toile, 180 x 180 cm ; collection privée)

De haut en bas, œuvres de Giulio Turcato: “Lire” (1971 ; huile, techniques mixtes et collage sur toile ; Milan, collection privée), “Lire” (1971 ; huile, techniques mixtes et collage sur toile, 73 x 92 cm ; Milan, collection privée).

Les recherches les plus récentes, entre les années 1980 et 1990, concernent principalement la couleur et ses possibilités: les Cangianti appartiennent à cette période, des toiles sur lesquelles Giulio Turcato étale des couleurs, explorant les combinaisons et les tons et faisant presque exécuter à ses dessins une sorte de danse harmonieuse (et ce n’est pas un hasard si, dans la dernière salle de l’exposition, celle qui abrite les Cangianti, on évolue sur un fond musical conçu pour l’occasion: une “installation sonore” conçue par le musicien Andrea Nicoli qui enseigne au conservatoire de La Spezia). Les changements de couleur expriment des changements d’humeur, soulignent des sensations, tentent d’établir une relation avec l’observateur, devant lequel “nous pouvons recevoir différents signaux: il dépend de nous de vouloir bouger”. La conclusion de l’exposition est confiée à deux “variantes” du thème de Cangianti, à savoir Astral Voyage etArchipelago, qui démontrent pleinement les possibilités susmentionnées: avec une seule couleur, à travers diverses gradations, Turcato offre la possibilité d’emprunter un itinéraire dans l’espace et de voir d’en haut un groupe d’îles émergeant d’une mer cristalline.

Dans le sens des aiguilles d’une montre, œuvres de Giulio Turcato: Cangiante arancio“ (1989 ; huile et techniques mixtes sur toile ; 80 x 100 cm ; Milan, collection privée) ; ”Barbaglio“ (1988 ; huile et techniques mixtes sur toile ; 80 x 100 cm ; Milan, collection privée) ; ”Cangiante blu, viola“ (1989 ; huile et techniques mixtes sur toile ; 80 x 100 cm ; Milan, collection privée).Cangiante blu, viola” (1991 ; huile et techniques mixtes sur toile ; 80 x 100 cm ; Milan, collection privée) ; “Cangiante giallo, rosa” (1991 ; huile et techniques mixtes sur toile ; 80 x 100 cm ; Milan, collection privée).

À gauche: Giulio Turcato, “Astral Journey” (1989 ; huile et techniques mixtes sur toile ; 200 x 260 cm ; collection privée). À droite: Giulio Turcato, “Archipelago” (1983 ; huile et techniques mixtes sur toile, 90 x 130 cm ; collection privée).

Les deux commissaires, Eleonora Acerbi et Marzia Ratti, ont réussi à créer un itinéraire riche et complet qui retrace toute la carrière de Giulio Turcato, en abordant les points les plus importants de son évolution artistique, en s’attardant intelligemment sur les sommets les plus originaux de sa recherche, en sondant en profondeur la personnalité de l’un des artistes les plus libres et les plus novateurs du XXe siècle en Italie. Si l’on voulait vraiment trouver un défaut, on pourrait dire qu’en l’absence totale d’œuvres d’autres artistes, l’appareil aurait pu insister davantage sur le contexte dans lequel Giulio Turcato a travaillé, en utilisant peut-être un langage plus adapté au grand public (tout le monde n’est pas censé connaître, pour citer l’un des panneaux introductifs, “les orientations du zdanovisme italien” qui ont conduit le peintre à rompre avec les artistes du Fronte Nuovo delle Arti plus fidèles aux directives du parti), et peut-être mettre l’accent sur les relations avec d’autres expériences contemporaines. Mais à part cela, le visiteur de Giulio Turcato. De la forme poétique à la peinture de surface sera agréablement surpris par une exposition organique capable de raconter un “protagoniste du XXe siècle”, comme le définit Marzia Ratti, d’une manière agréablement efficace.

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