Quand les marionnettes sont art et avant-garde. Leur histoire exposée à Reggio Emilia

À une époque dominée par les réseaux sociaux, les nouvelles technologies et l’émergence de l’intelligence artificielle, qui suscite déjà de profonds débats tant sur son rôle que sur la nécessité ou non de la présence humaine dans certains domaines, qui sait si les nouvelles générations éprouvent encore une fascination pour les marionnettes et les pantins. Je me souviens que lorsque j’étais enfant, très souvent les soirs d’été, accompagné de mes parents, j’assistais à de fantastiques spectacles de marionnettes et de pantins qui, mus par les mains habiles de marionnettistes ou de marionnettistes, mettaient en scène des histoires avec une cabane et un castelet devant lesquels je restais magiquement enchanté et séduit. Aujourd’hui, ces spectacles sont de moins en moins nombreux, ils sont presque en train de disparaître, et je crois que c’est mauvais pour la société actuelle, car cela prive les nouvelles générations de ce sens de la magie qui anime ce monde et les prive de plus en plus de cette bonne imagination et de cette créativité qui font que même la plus insignifiante des bouteilles en plastique ou un banal sac en papier se transforme en un personnage d’une histoire fantastique. Une sensibilité qui a poussé la Fondazione Palazzo Magnani à réaliser l’exposition Marionnettes et avant-garde. Picasso, Depero, Klee, Sarzi, jusqu’au 17 mars 2024, sous la direction de James M. Bradburne, au Palazzo Magnani de Reggio Emilia. Cependant, l’idée qu’il s’agit d’une exposition destinée uniquement aux enfants ne doit pas induire en erreur : bien que ludique, colorée et agréable à visiter, l’exposition se concentre sur des thèmes tels que les grandes avant-gardes du début du 20e siècle, ses artistes et le théâtre. Les jeunes visiteurs prendront certainement plaisir à découvrir les créations les plus étranges nées de l’imagination des artistes et vivront cette exposition comme une découverte ludique ; les adultes parcourront probablement cette exposition avec un sentiment de nostalgie qui les ramènera à leur enfance, mais ils auront surtout l’occasion d’apprendre l’histoire des marionnettes et des pantins à travers le 20e siècle.

Il s’agit donc d’une exposition qui fascinera tout le monde, petits et grands. Qui a dit que les marionnettes étaient réservées aux enfants ? Il suffit de dire, et c’est l’un des principaux objectifs de cette exposition, que les artistes du début du XXe siècle, au lieu de considérer les “marionnettes” comme de simples jeux enfantins, ont vu en elles un grand potentiel, à partir de la curiosité de la jeunesse, à la fois pour imaginer un monde meilleur à travers ces mêmes représentations et comme instruments de changement social dans les révolutions qui ont marqué la première moitié du siècle. La réappropriation des marionnettes par les avant-gardes européennes au début du XXe siècle s’inscrit donc dans le contexte de la période historique, dans la mesure où, à l’exception des traditions indigènes, les artistes ont souvent réalisé ces créations précisément pour présenter la société dans laquelle ils vivaient, avec l’intention d’en faire un instrument de changement social. pour critiquer les conditions politiques et sociales et peut-être imaginer un monde meilleur, diffusant ainsi ces idées à travers de nouveaux modes d’expression visuelle, comme une sorte de jeu créatif porteur de significations plus profondes et plus actuelles.

En parcourant les salles de l’exposition et ses sections, clairement marquées par les différentes expérimentations qui ont eu lieu au cours des premières décennies du XXe siècle et par ses protagonistes, on entreprend en fait, comme le déclare le président de la Fondazione Palazzo Magnani Maurizio Corradini, “ un voyage dans le temps et dans l’espace à travers les expérimentations d’artistes visionnaires ” et à travers “ les principales traditions européennes du théâtre de figures du XXe siècle ”. En fait, chaque section explore une époque et un lieu spécifiques des premières décennies du XXe siècle, ainsi que la façon dont le théâtre s’est transformé, passant d’un spectacle dominé par les acteurs à une forme d’art total créée par des metteurs en scène d’avant-garde.

Picasso, Depero, Klee,

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Elle commence par quatre costumes grandeur nature (dont Le prestidigitateur chinois et le Manager américain) dessinés par Pablo Picasso pour Parade, un ballet chorégraphique sans intrigue, monté par les Ballets russes de Sergej Djagilev à Paris en 1917, qui était une sorte de défilé de forains donnant chacun un échantillon de leur numéro. On passe au futurisme des années 1920 avec Fortunato Depero et ses Balli plastici, qui mettent en scène des formes en bois en mouvement accompagnées de musique représentant des animaux (parmi les plus célèbres, le chat noir, le coq, les souris), ou des personnages comme la marionnette blanche et le sauvage rouge, créés avec l’aide de son ami et mécène Gilbert Clavel, pour célébrer le geste pur du mouvement, en plein futurisme, avec l’élimination aussi de l’acteur. Les marionnettes de Depero sont présentées pour la première fois au Teatro Odescalchi de Rome en avril 1918. Les marionnettes originales ont été détruites au bout de quelques années, mais les dessins se sont retrouvés à Rovereto lorsque Depero lui-même a ouvert sa Casa d’Arte Futurista dans la ville du Trentin en 1919. Elles ont été reconstruites en 1981 selon les dessins de l’artiste et sont aujourd’hui conservées au Mart de Rovereto, d’où proviennent celles présentées dans l’exposition. Les dix marionnettes futuristes d’Enrico Prampolini, réalisées en 1922, représentent à la fois des caricatures de personnages qui jouaient à l’époque un rôle politique et culturel important, comme Gabriele d’Annunzio, Giovanni Giolitti, le roi Vittorio Emanuele III, Benito Mussolini, Dina Galli (la seule marionnette féminine), et des concepts, comme le monde ou le fascisme.

Une section est consacrée aux marionnettes javanaises classiques en cuir sculpté, connues sous le nom de Wayang, du théâtre d’ombres, qui étaient utilisées lors de fêtes de village, de rituels communautaires ou de passages et jouaient ainsi un rôle important dans la magie divinatoire et l’art oratoire politique. Encore très prisées aujourd’hui, elles sont apparues en Europe à la fin du XIXe siècle grâce aux marchands et aux voyageurs dans le sillage du goût pour l’Orient ; depuis 2003, elles sont protégées par l’UNESCO en tant que patrimoine culturel immatériel indonésien et chef-d’œuvre de la tradition orale et immatérielle de l’humanité. Le Bohémien Richard Teschner, considéré comme l’un des plus grands innovateurs du théâtre de marionnettes du XXe siècle, s’est inspiré du principe du mouvement du Wayang, actionné par des baguettes par le bas (une tige principale soutenait le personnage, tandis que d’autres baguettes permettaient le mouvement des autres parties, par exemple les membres), pour bouleverser le processus traditionnel d’animation des marionnettes. Son théâtre de marionnettes a pris forme autour de la Wiener Werkstätte: les personnages sculptés dans le bois étaient habillés de tissus de la Wiener Werkstätte ou peints de motifs ornementaux comme ceux de l’art populaire de l’Egerland, créant ainsi une symbiose entre les traditions culturelles de l’Est et le monde pictural européen. Le théâtre de Teschner est un théâtre sans langage, qui se réduit aux gestes, et qu’il capture lui-même car “la marionnette est une structure sans vie tant qu’elle est suspendue dans la boîte du marionnettiste, mais dès qu’il la prend dans ses mains et la conduit sur des fils ou à l’aide de perches sur de petites scènes raffinées, elle connaît une animation étrange et une vie propre presque dérangeante”. Certaines de ses marionnettes sont présentées dans l’exposition, notamment la belle Nawang Wulan et les créatures étranges, presque extraterrestres, Zipzip et le Jaune.

Il y a aussi les marionnettes de la Suissesse Sophie Taeuber, épouse de l’artiste franco-allemand Jean Arp : en 1918, elle est chargée de concevoir les marionnettes et les décors du texte de la commedia dell’arte Re Cervo de Carlo Gozzi, adapté par Werner Wolff et René Morax, que ce dernier transforme en une parodie de la psychanalyse de Freud. Viennent ensuite les marionnettes “sonores” du Roi Deramo, des Gardes, du Cerf, du Dr Komplex, du Perroquet, qui sont également présentées en mouvement dans une production vidéo visible dans la même section de l’exposition.

Nous passons ensuite au Bauhaus de Weimar des années 1920, dont les protagonistes dans l’utilisation des figurines-marionnettes (influencées par la redécouverte de l’œuvre de Heinrich von Kleist, Le théâtre de marionnettes de 1810) sont Lothar Schreyer, premier directeur de l’atelier de théâtre du Bauhaus (de 1921 à 1923) et son successeur, Oscar Schlemmer (de 1923 à 1929). Des figures géométriques telles que la Femme lascive, l’Homme lascive et l’Ange de la naissance pour le spectacle de marionnettes Geburt de Schreyer, dont les plans sont conservés, comme on peut le voir dans l’exposition, et le Ballet triadique de Schlemmer, présenté pour la première fois en août 1923 comme point culminant des célébrations de la Semaine du Bauhaus, avec des costumes sculpturaux couvrant tout le corps et transformant les danseurs en marionnettes stylisées, ont été créées. Il s’agissait en fait d’un anti-ballet, une danse symphonique sans intrigue divisée en trois sections, d’allegro à serio.

Paul Klee, professeur au Bauhaus, a également réalisé une série de marionnettes et un théâtre de marionnettes pour son fils Felix. Klee emmena son fils, alors âgé de huit ans, au théâtre de marionnettes du marché aux puces Auer Dult de Munich : ce dernier y fut tellement fasciné par le personnage espiègle et pugnace de Kasperl qu’en guise de cadeau d’anniversaire, son père créa une série de marionnettes artisanales représentant les personnages du spectacle qu’ils avaient vu ensemble, et Felix monta même de véritables pièces de théâtre domestique pour sa famille, ses amis et ses invités.

Nous poursuivons avec l’avant-garde russe: des artistes comme El Lissitzky et Nina Efimova ont trouvé dans les marionnettes et les pantins la liberté qui faisait souvent défaut dans les médias plus conventionnels. Lissitzky a conçu ses personnages principalement pour présenter l’avenir radieux du prolétariat international, transmettant une idée de la nouvelle société et du nouvel art par le biais d’images abstraites. Ces figures sont composées de diverses pièces qui prennent l’apparence de machines en mouvement plutôt que de corps humains, et chaque personnage a la forme du travail qu’il effectue, par exemple l’Annonceur comprend un mégaphone qui émet les sons des gares, le grondement des chutes du Niagara et le martèlement des aciéries ; le Vagabond a un corps en forme d’hélice, symbolisant l’avion à bord duquel il voyage. Les corps des Undertakers sont des cercueils abstraits ornés de croix. Mais c’est l’Homme Nouveau qui incarne pleinement un message politique, diffusant l’idée que l’homme du futur est communiste, comme sa vision (l’œil gauche est formé par l’étoile rouge soviétique) ; Lissitzky lui-même affirmait que “le système communiste de vie sociale crée un homme nouveau : de petite roue insignifiante d’une machine, il en est devenu le capitaine”.

Enfin, des croquis, des affiches et des projections rendent hommage à l’une des pionnières du théâtre expérimental pour enfants: la peintre et marionnettiste Nina Efimova. Dans le jeune État soviétique dirigé par Lénine et son épouse, les marionnettes sont devenues un excellent outil pour lutter contre l’analphabétisme généralisé et pour éduquer le nouveau citoyen soviétique, et c’est dans cette optique que des artistes comme Efimova ont utilisé les marionnettes comme moyen de propagande pour impliquer les masses dès l’enfance. Les personnages étaient donc stéréotypés et facilement identifiables et incarnaient souvent des types politiques et sociaux. L’une de ses créations les plus célèbres est la marionnette russe Petruška (que l’on voit dans l’exposition, assise sur un banc, attendant de la compagnie) : Nina l’emmenait partout, dans les nombreuses représentations qu’elle donnait dans les usines, les écoles, les cercles d’ouvriers et dans les rues de Moscou avec son mari Ivan (avec les Efimova, la popularité des marionnettes de foire s’est énormément accrue).

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L’exposition se termine par une section consacrée au marionnettiste de Reggio Emilia Otello Sarzi (Vigasio, 1922 - Reggio Emilia, 2001). D’abord jeune assistant de la troupe itinérante familiale, il entame dans les années 1950 une collaboration avec Gianni Rodari, en fabriquant des masques pour les enfants qui incarnent les personnages des histoires de l’écrivain. Dès lors, Sarzi se consacre exclusivement au théâtre de marionnettes, mettant en scène Alfred Jarry, Samuel Beckett et Bertolt Brecht, et réalisant de grandes figures avec des techniques innovantes et des matériaux recyclés tels que le caoutchouc mousse, les bouteilles d’eau, les boîtes de conserve et la ficelle. Il fonde ensuite le T.S.B.M. - Teatro Stabile di Burattini e Marionette à Rome en 1957. En 1969, il s’installe avec certains membres de la compagnie à Reggio Emilia et, la même année, Sarzi et ses collaborateurs du T.S.B.M. commencent à travailler dans les écoles maternelles avec Gianni Rodari, Loris Malaguzzi et des enseignants, collaborant au projet d’une nouvelle pédagogie de l’enfance. Plusieurs de ses marionnettes sont exposées, dont Angoscia, un personnage qui s’exprime avec des gestes expressionnistes et représente l’angoisse de l’homme contemporain dans la société industrielle. Cet ultime hommage est en fait l’une des principales intentions de l’exposition, qui entend valoriser l’héritage théâtral expérimental d’Otello Sarzi en le mettant en dialogue avec les principales traditions européennes du théâtre de figures du XXe siècle, telles qu’elles ont été illustrées jusqu’à présent.

L’idée d’accompagner l’exposition de spectacles de la Compagnia marionettistica Carlo Colla de Milan et de l’Associazione 5T de Reggio Emilia était belle et singulière, afin que les visiteurs puissent vivre un moment de représentation du théâtre de figures. Une exposition qui mérite donc d’être visitée pour redécouvrir la fascination, malheureusement presque perdue aujourd’hui, pour le monde des marionnettes et des pantins et pour en connaître l’histoire tout au long du XXe siècle.

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