Un itinéraire en trois étapes pour analyser, à travers des œuvres visuelles et des documents sonores, la relation profonde entre l’art contemporain et le rock britannique dans les années 1960 et 1970. Intitulé Echoes. Origines et références de l’art rock britannique, le cycle d’expositions a débuté le 17 avril au Pavillon d’art de la Fondazione Luigi Rovatidi de Milan. Sous la direction de Francesco Spampinato, le projet se développe en trois expositions autonomes mais interconnectées, consacrées respectivement aux Beatles, à Pink Floyd, à Yes et à Genesis, et enfin à la carrière de Peter Gabriel.
L’ensemble du programme analyse le phénomène de l’art rock au Royaume-Uni, en documentant les contaminations entre les arts visuels et la musique et en illustrant la manière dont ce dialogue a profondément affecté l’imagination collective et la culture visuelle contemporaine. L’art rock est étudié comme un nœud central entre l’art d’avant-garde et l’industrie culturelle, explorant la fusion de l’approche conceptuelle et de la communication pop. L’exposition est encadrée par une riche sélection d’œuvres provenant de la collection de la Fondazione Luigi Rovati et de collections publiques et privées, notamment des peintures, des illustrations, des photographies, des installations, des vidéos et des souvenirs.
En imaginant et en réalisant ce voyage", explique Marco Fullone, “j’ai cherché les titres les plus significatifs qui seraient également ”agréables“ pour notre public, c’est-à-dire en évitant les chansons de prog rock ou les suites qui seraient trop difficiles pour ceux qui ne sont pas encore familiarisés avec ce genre musical important. En suivant cette poétique, nous ne pouvions pas manquer ”The Carpet Crawlers“ de Genesis ou ”A Day in the Life“ des Beatles, en passant par ”Heroes“ de David Bowie dans la magnifique réinterprétation de Peter Gabriel et Pink Floyd avec ”Echoes“. Ces titres, ainsi que d’autres, célèbres ou plus recherchés, sont destinés à célébrer au mieux un moment unique dans l’histoire de la musique mondiale”.
“Il est merveilleux de revisiter les images qui, à l’époque, n’étaient qu’un complément à la musique”, commente Lucio Rovati, président honoraire de la Fondation, “et de les mettre en relation avec certains traits de la pensée et des arts contemporains : un beau voyage dans l’une des périodes les plus fertiles du rock et des musiciens qui caractérisent encore souvent une partie cultivée de la scène musicale”.
“On cherchera ici les origines des contaminations entre les arts visuels et la musique pop, de ce territoire frontalier qui se dessine entre les bastions de la haute culture et les régions plus éclairées de la basse culture, et qui semble aujourd’hui s’être étendu à tous les domaines de l’art, de la communication et du commerce”, ajoute Francesco Spampinato.
Le cycle s’ouvre avec l’exposition Les Beatles. Le mythe au-delà de la célébrité, présentée jusqu’au 8 juin. L’exposition reconstitue l’impact des Beatles sur la société, l’industrie du disque et l’imagination visuelle. Au centre de l’exposition se trouve la création de la célèbre pochette de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de 1967, une œuvre symbolique du Pop Art britannique conçue par Peter Blake et Jann Haworth. L’exposition présente l’ensemble du portfolio photographique créé par Michael Cooper pour documenter le diorama original, ainsi qu’une œuvre de la série Old Lady (1962-63) de Haworth, une représentation tridimensionnelle utilisée plus tard sur la pochette de l’album. L’exposition aborde également la composante psychédélique du groupe à travers les portraits signés par Richard Avedon et les suggestions sombres évoquées par l’œuvre de Raymond Pettibon, qui reprend l’iconographie des Beatles pour faire allusion aux lectures déformées de Charles Manson. L’exposition se termine par deux vidéos qui confrontent la figure de John Lennon d’un point de vue intime et décentré : Smile (1968) de Yoko Ono et I’m Not The Girl Who Misses Much (1986) de Pipilotti Rist, cette dernière étant lue d’un point de vue féministe. Les œuvres témoignent de l’évolution du groupe, de phénomène de masse à objet de réinterprétation critique, au-delà de la popularité et dans le langage de l’art.
Du 14 juin au 27 juillet, la deuxième exposition intitulée Pink Floyd, Yes, Genesis. New Perceptions of Reality retrace l’esthétique du rock progressif et du psychédélisme à travers un ensemble d’œuvres dans lesquelles le langage visuel devient souvent halluciné, symbolique, aliénant. L’entrée de l’exposition est marquée par une peinture d’Alberto Savinio, une référence explicite à l’influence du surréalisme sur l’imagerie de ces groupes. Suivent les peintures de Roger Dean, auteur des pochettes les plus célèbres de Yes, les photographies oniriques du studio Hipgnosis et de Storm Thorgerson pour Pink Floyd, qui comprennent les célèbres clichés des albums The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here et Animals, avec le cochon gonflable dessiné par Jeffrey Shaw. Genesis est également présent avec des peintures originales de Paul Whitehead pour les albums Trespass, Nursery Cryme et Foxtrot, dont l’image du renard en costume rouge qui est devenu l’emblème visuel du groupe. Sont également exposées les aquarelles de Colin Elgie pour A Trick of the Tail et Wind and Wuthering. En dialogue avec cet univers figuratif, une installation de l’artiste suédoise Nathalie Djurberg met en scène un monde surréaliste composé de pilules multicolores, interprétation contemporaine d’une sensibilité lysergique et féerique.
L’exposition Peter Gabriel. Fragmentation of Identity, consacrée à la figure de Gabriel, d’abord au sein de Genesis, puis dans sa carrière solo. L’exposition documente la complexité de son image publique et la transformation continue de son identité visuelle. L’exposition présente des copies signées par l’artiste des œuvres produites par Hipgnosis pour les albums Car, Scratch et Melt, ainsi que des photographies et des clips vidéo documentant ses déguisements les plus célèbres : de la femme-renard de Foxtrot au maquillage adopté pour Shock the Monkey, immortalisé par une photographie de Guido Harari prise lors du festival de Sanremo en 1983. Une section entière est consacrée aux projets interactifs créés par Gabriel dans les années 1990 sous forme de CD-ROM, expression d’une recherche multimédia pionnière. Le thème de la multiplicité du moi est également abordé à travers des références à l’histoire de l’art : l’exposition s’ouvre sur la documentation photographique de Man Ray sur Rrose Sélavy (1921), l’alter ego de Marcel Duchamp, et se poursuit avec des œuvres de Keith Haring et de Kiki Smith qui reflètent les transformations de l’identité à l’ère postmoderne. Gabriel est ainsi placé dans un réseau de références qui contextualise sa figure d’auteur multiforme et visuellement conscient. Le projet est accompagné d’une publication monographique conçue par Francesco Spampinato lui-même et publiée par la Fondation Luigi Rovati, qui approfondit le contenu des trois expositions. Radio Monte Carlo est le partenaire médiatique officiel de l’initiative. Pour l’occasion, le concepteur musical Marco Fullone a créé une playlist disponible à la fois sur Spotify et dans l’exposition via un code QR, composée en sélectionnant des chansons cohérentes avec l’imagerie évoquée dans les œuvres exposées. La sélection musicale comprend des morceaux connus du grand public ainsi que des titres plus sophistiqués, afin d’offrir une expérience accessible même à ceux qui ne sont pas familiers avec le genre. Parmi les titres choisis, citons The Carpet Crawlers de Genesis, A Day in the Life des Beatles, Heroes de David Bowie réinterprété par Peter Gabriel et Echoes de Pink Floyd.
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| Des Beatles à Pink Floyd, l'art rock britannique raconté dans trois expositions à la Fondazione Luigi Rovati |
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