Trois cents chefs-d'œuvre de la Zurich Graphische Sammlung exposés au MASI, de Dürer à Warhol

Du 10 septembre 2023 au 7 janvier 2024, le MASI - Museo d’arte della Svizzera italiana à Lugano présente l’exposition Da Albrecht Dürer a Andy Warhol. Chefs-d’œuvre de la Graphische Sammlung ETH Zürich, organisée par la directrice de la Graphische Sammlung ETH Zürich Linda Schädler, à travers laquelle le musée suisse entend offrir au public l’opportunité de découvrir trois cents chefs-d’œuvre de l’ une des plus importantes collections suisses d’art graphique.

L’exposition se développe de manière chronologique, dans une confrontation entre maîtres anciens et artistes contemporains: des œuvres de maîtres de l’histoire de l’art européen, d’Albrecht Dürer à Rembrandt van Rijn, de Francisco de Goya à Maria Sibylla Merian, Pablo Picasso et Edvard Munch, sont présentées aux côtés d’œuvres d’artistes vivants tels que John M Armleder, Olivier Mosset, Candida Höfer, Susan Hefuna, Shirana Shahbazi ou Christiane Baumgartner.

Des thèmes communs tels que le processus de création d’une œuvre d’art, la relation entre la copie et l’original, la transmission de motifs et d’iconographies, mais aussi la collaboration entre différentes professions dans le domaine de l’art seront mis en avant. Outre la mise en valeur de la grande variété des techniques graphiques, de la gravure sur bois et au burin à l’eau-forte et à la sérigraphie, l’exposition présente également des dessins, des photographies et des multiples. Le projet d’exposition propose également des informations et des curiosités sur les origines, les fonctions et l’importance des œuvres à travers les siècles.

“La Graphische Sammlung ETH Zürich, fondée en 1867 en tant que collection universitaire à des fins d’étude et d’enseignement, est l’une des institutions suisses les plus importantes en matière d’estampes et de dessins du XVe siècle à nos jours”, déclare Joël Mesot, président de l’ETH Zürich. Chaque fois que je la visite, je suis très impressionné par la qualité et l’actualité des œuvres. Je me réjouis donc que plusieurs chefs-d’œuvre de cette extraordinaire collection puissent être présentés pour la première fois à un large public au MASI Lugano".

L’exposition s’ouvre sur un grand mur sur lequel sont accrochés des autoportraits ou des portraits d’artistes, selon le “style pétersbourgeois”. Dans cette vue d’ensemble, qui embrasse différentes époques, les visiteurs de l’exposition se retrouvent face à des siècles d’histoire de l’art : du regard intense de la gravure de Rembrandt dans l’autoportrait avec sa femme Saskia, à ceux plus festifs d’Antoon van Dyck ou de Maria Sibylla Merian ; des photographies d’autoportraits en noir et blanc d’Urs Lüthi ou de Fischli/ Weiss à l’autoportrait synthétique de quelques lignes de Max von Moos ou, encore, à la simple bouche de Meret Oppenheim dans la gravure de Markus Raetz, pour n’en citer que quelques-uns.

L’exposition se poursuivra par la présentation d’ œuvres historiques de la collection, de la fin du XVe siècle à nos jours, dans l’ordre chronologique. À une époque où la photographie n’avait pas encore été inventée, la gravure dite “de translation”, qui reproduisait des peintures et des œuvres d’art, a été, à partir du XVIe siècle, un moyen fondamental de faire connaître les chefs-d’œuvre à un large public. Les chefs-d’œuvre étaient également réinterprétés par l’imprimerie : dans l’exposition, la Caricature de la copie du Laooconte de Niccolò Boldrini est un exemple de la manière dont une estampe vénitienne du XVIe siècle pouvait adapter un motif ancien, en le transformant en une nouvelle image : les figures anciennes étaient en effet remplacées par des singes. L’estampe a également été utilisée comme outil de représentation scientifique et naturaliste, comme en témoigne la célèbre gravure sur bois Rhinocerus d’Albrecht Dürer présentée dans l’exposition. Bien que l’artiste n’ait jamais vu cet animal exotique, il en a fait une représentation qui a longtemps été considérée comme réaliste et qui a donc été réimprimée à plusieurs reprises.

Le livre Metamorphosis Insectorum Surinamensium, publié en 1705 par Maria Sibylla Merian, est né de l’observation minutieuse d’insectes au Surinam, en Amérique du Sud. Entrepreneuse et enseignante, Merian était considérée comme l’une des plus grandes spécialistes des insectes de son époque et fut également la première artiste à représenter les différents stades de développement d’un insecte, ainsi que les plantes qui lui servaient de nourriture.

Il est également possible d’observer la transmission des techniques de gravure au fil du temps, mais aussi les différentes méthodes de travail des artistes. Chez Rembrandt, cet aspect est évident dans les deux versions de la gravure Ecce Homo, d’où il ressort que l’artiste a continuellement retouché et perfectionné son œuvre. Cela était également possible grâce à la technique de la pointe sèche, qui permettait de graver la plaque à l’aide d’un instrument en acier en forme d’aiguille pointue, que l’on pouvait manœuvrer librement comme un crayon. Au fil du temps, la technique de la pointe sèche sera souvent reprise et revisitée, par exemple par une artiste contemporaine comme Miriam Cahn qui, dans sa série de 1995 soldaten, frauen + tiere, intervient directement sur la plaque avec des gants recouverts de papier émeri, créant par les mouvements de sa main des visages, des regards et des physionomies d’une grande force expressive.

La transmission de sujets iconographiques à travers les siècles se retrouve dans de nombreux exemples, et même jusqu’aux époques les plus récentes, comme dans les représentations dramatiques de la tauromachie par Francisco de Goya en 1816, un thème repris par les figures de Pablo Picasso dans son aquatinte Salto con la Garrocha (Sauter avec la pique) de la série La tauromachia et de manière plus plastique et stylisée dans la gravure sur bois sur tissu de coton de Bernhard Luginbühl. La représentation de la figure et donc du corps est également un thème qui émerge tout au long de l’exposition, particulièrement condensé au tournant du XXe siècle chez les expressionnistes, dans les estampes d’Edvard Munch et de Käthe Kollwitz, et dans les dessins en filigrane d’Egon Schiele et de Ferdinand Hodler.

La relation entre l’homme et la femme est intimement présentée dans les gravures sur bois de la série Intimités (1891) de Félix Vallotton : un exemple de l’évolution de la diffusion des estampes d’art, qui a vu l’introduction de l’édition limitée, un modèle commercial à succès, à la fin du 19e siècle. Dans le cas de la série Vallotton, par exemple, une fois le processus d’impression terminé, toutes les plaques de bois utilisées par l’artiste étaient découpées en petites parties et imprimées sur une feuille supplémentaire afin de donner à l’acheteur la certitude qu’il n’y aurait pas d’autres éditions. Plusieurs exemples de l’exposition témoignent de l’évolution de l’estampe en tant que forme d’art graphique dans la seconde moitié du 20e siècle, comme la série de diptyques composés d’images et de textes créée en 1999 par l’artiste Louise Bourgeois. À travers la question " Quelle est la forme de ce problème ?", placée sur la page de titre, l’artiste stimule le raisonnement du spectateur par le biais de réponses et de contre-questions possibles, en essayant de donner une forme visuelle aux émotions. Dans les risographies de Camping The Two, Shirana Shahbazi explore plutôt le genre classique de la photographie de voyage, laissant de côté le caractère documentaire pour capturer des moments fugaces de situations quotidiennes.

Même l’image de la soupe Campbell d’Andy Warhol a été inspirée par la vie de tous les jours. Emblème de la culture et de l’art pop, la boîte de soupe rouge et blanche la plus célèbre de l’histoire de l’art est immortalisée dans l’exposition par une sérigraphie issue de la célèbre série créée par Warhol en 1968.

À l’occasion de l’exposition, un catalogue sera publié en trois éditions distinctes (italien, anglais et allemand) éditées par Scheidegger&Spiess et Edizioni Casagrande avec un essai introductif de Linda Schädler, des notices approfondies sur une sélection d’œuvres par Linda Schädler et Patrizia Keller et des textes de John M Armleder, Stephanie Buck, Andreas Fichtner, Pia Fries, Candida Höfer, Jane Munro, Nadine M. Orenstein, Philip Ursprung, Lenny Winkel, ainsi qu’un glossaire des techniques graphiques de Saskia Goldschmid.

Image : Albrecht Dürer, Rhinocerus (Le Rhinocéros) (1515 ; gravure sur bois et typographie ; Graphische Sammlung ETH Zürich)

Trois cents chefs-d'œuvre de la Zurich Graphische Sammlung exposés au MASI, de Dürer à Warhol

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