Un temps heureux pour Guercino, un temps pour les expositions et les redécouvertes


Dans le climat général d'attention pour Guercino, la Pinacothèque nationale de Bologne lui consacre une exposition, sous la direction de Barbara Ghelfi et Raffaella Morselli, dans le cadre du projet culturel de Maria Luisa Pacelli, sur le réseau complexe de relations qui le liaient à ses collaborateurs et à ses clients.

La Pinacothèque nationale de Bologne propose aux citoyens et à la culture internationale une exposition sur Guercino (Cento, 1591 - Bologne, 1666). Une exposition vers une anthologie d’œuvres qui placent le maître au centre de la peinture européenne du XVIIe siècle et, surtout, font pleinement écho à une gloire qui ne s’est jamais éteinte au fil des siècles, des vicissitudes de la critique et des intérêts éphémères.

Génie splendide de la haute culture, mais capable d’un langage populaire, le peintre de Cento au surnom taquin a incarné universellement cet équilibre satisfaisant entre la métrique classique et l’immédiateté expressive qui a été le jaillissement créatif le plus généreux et le plus continu d’un courant artistique entièrement émilien entre le XVe et le XVIe siècle. Cette réussite n’est pas un secret pour les chercheurs qui connaissent bien la source joyeuse de la peinture émilienne: une source jaillissant du cœur de la Renaissance qui porte le nom et les actes d’Antonio Allegri. En effet, du Corrège, de sa vivante plénitude harmonique, de sa tendre tactilité et de sa liberté spatiale cosmique, est né un héritage qui a d’abord imité les Carrache et leurs successeurs, puis Guercino, qui a déclaré que le Corrège était un “maître sans égal”. Il reprit la grande leçon sans contrainte et y ajouta son heureuse pensée compositionnelle, ainsi que l’exemple prééminent d’un naturalisme immédiatement vécu et la fraîcheur parfumée d’un “esprit paysan” qui rend ses œuvres indégradables, surtout en ce qui concerne la dialectique pugnace et vivante entre la lumière, la pénombre et l’ombre.

Guercino, Scena di mietitura (1615-1617 ; fresque détachée, 106 x 66 cm ; Cento, Pinacoteca Civica)
Guercino, Scène de moisson (1615-1617 ; fresque détachée, 106 x 66 cm ; Cento, Pinacoteca Civica)
Il s’agit de l’une des nombreuses scènes peintes à fresque par le jeune peintre dans la maison d’un paysan. Le souffle de la nature et la luminosité évidente y accueillent les simples actions humaines. Un départ frais et joyeux de la part du fervent artiste
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Pour faire connaître Guercino à ses habitants et à ses visiteurs, la ville de Bologne a déjà commencé des illuminations et des itinéraires cycliques sur ce génie pictural qui a inondé la ville de plus de cinquante chefs-d’œuvre (comme il l’avait fait dans la Rome papale) et qui attire la pleine jouissance culturelle et esthétique de nombreux courants populaires et juvéniles qui augmentent volontiers leur intérêt précis pour les œuvres présentes et pour les arts figuratifs européens.

L’attention artistique italienne et générale vit également avec bonheur un grand moment de réévaluation admirative de Giovanni Francesco Barbieri, qui était un bel homme de noble allure, très cultivé et d’une limpidité chrétienne. Il était peintre, et un strabisme congénital le faisait appeler “il Guercino” dans son enfance, mais il voyait bien, et même très bien. Comme nous l’avons déjà écrit, il naquit à Cento en 1591 et termina sa vie à Bologne, après de nombreux triomphes, en 1666. Ayant grandi à la campagne, près des portes de sa ville, il s’est imprégné du bon sens des familles simples et du contact immédiat et universel avec la nature. Chacun de ses tableaux, en effet, porte en lui une limpidité subtile, une vérité qui pénètre l’âme de l’observateur avec élan, accompagnée dans les différentes visions par le puissant effet atmosphérique qui module la vive lumière rayonnante et les ombres puissantes recueillies dans les jours jeunes et tempérés de Cento.

Telle est notre hypothèse, qui est bien consciente des prodigieux dons que le ciel lui a accordés, mais aussi de l’étude compositionnelle qu’il a menée avec ténacité: nouvelle, convaincante, toujours efficace et totalement préhensile par rapport au sujet, même dans les propositions qui nous surprennent le plus par leur charme enveloppant. Nous savons que la prochaine saison d’études apportera d’illustres expositions sur Guercino, également à Turin et à Rome, presque une étreinte internationale du grand maître.

Guercino, Saint Sébastien guéri par Irène (1619 ; huile sur toile, 179,5 x 225 cm ; Bologne, Pinacoteca Nazionale)
Guercino, Saint Sébastien soigné par Irène (1619 ; huile sur toile, 179,5 x 225 cm ; Bologne, Pinacoteca Nazionale)
Ce tableau, grand témoin de la maturité précoce de Guercino, a été exécuté pour le cardinal Jacopo Serra, qui a certainement été frappé par l’exceptionnelle maîtrise de la composition et la complexité de l’articulation lumineuse. La thèse du “peintre autodidacte”, qui passa ensuite de nombreuses années à Cento, tient la route jusqu’à un certain point.
Quoi qu’il en
soit, le jeune homme entreprenant a dû faire des voyages décisifs dans les villes de l’Émilie et au-delà
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Guercino, Vestizione di san Guglielmo d'Aquitania (1620 ; huile sur toile, 348,5 x 231 cm ; Bologne, Pinacoteca Nazionale)
Guercino, Vestizione di san Guglielmo d’Aquitania (1620 ; huile sur toile, 348,5 x 231 cm ; Bologne, Pinacoteca Nazionale) Grande toile, elle a été peinte pour l’église San Gregorio de Bologne. Elle a ensuite connu diverses vicissitudes pour arriver finalement, et à juste titre, à la Pinacothèque nationale. En son temps, mais encore aujourd’hui, elle peut être admirée comme “l’un des tableaux les plus formidables” du jeune peintre, alors âgé de 29 ans. Aujourd’hui, elle constitue pour ainsi dire la “pierre de touche” de l’exposition conçue par Maria Luisa Pacelli comme une étape essentielle de la présence de la culture artistique bolonaise dans le miroir européen et universel.
Les
réactions au lancement de cette composition, céleste et terrestre, captent encore toute l’attention et l’énergie sur les valeurs
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Les valeurs de Giovanni Francesco Barbieri sont vraiment étonnantes. Elles ont frappé ses premiers partisans dans sa ville natale, et rapidement le milieu de la peinture bolonaise en la personne du grand Ludovico Carracci, puis immédiatement dans les appréciations des sages et des ecclésiastiques, avec une vague de renommée immédiate et omniprésente. Le cardinal Alessando Ludovisi, son client dans la ville de Bologne, lorsqu’il devint le pape Grégoire XV, l’emmena à Rome où, en deux ans (1621-23), il gagna toutes les comparaisons. Ensuite, très apprécié, il travailla pour Reggio Emilia et Piacenza ; il envoya des œuvres dans d’autres villes et lieux. En 1629, il est personnellement honoré à Cento par la visite intentionnelle de Diego Velasquez: un événement sensationnel. En 1642, il est invité à transporter son atelier à Bologne, où il travaille intensément jusqu’à sa mort.

Parmi les valeurs, on remarque la capacité de dessin, certainement libre de tout obstacle de recherche, et qui rend touchante cette mobilité figurative virtuelle et immédiate, faisant de la peinture un dialogue vivant, facile et assumable, pour chaque épisode représenté, qu’il soit religieux ou profane. L’équilibre de la composition, toujours, même lorsque les masses présentielles sont nombreuses. L’utilisation de couleurs vives, dont le bleu tant aimé qui distingue le maître. Le mimétisme des personnages, correspondant au cœur empathique du Guercino, dévot ou lyrique, qui entre dans l’intimité même des protagonistes de ses scènes. Le catalogue de l’exposition révèle certainement la force du langage et les détails les plus sensibles, ce que nous pouvons confirmer par l’étendue de ses applications.

Guercino, Renommée et honneur (1621 ; fresque ; Rome, Casino Ludovisi)
Guercino, La fama e l’onore (1621 ; fresque ; Rome, Casino Ludovisi)
L’élection du cardinal Ludovisi comme pape a ouvert à l’art de Guercino un terrain d’entraînement aérien à Rome. Son habileté et sa liberté en tant que peintre de fresques le placent au premier plan, mais son séjour dans la ville éternelle ne dure que deux ans
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Guercino, Enterrement et gloire de sainte Pétronille (1623 ; huile sur toile, 720 x 423 cm ; Rome, musées du Capitole)
Guercino, Enterrement et gloire de sainte Pétronille (1623 ; huile sur toile, 720 x 423 cm ; Rome, musées du Capitole)
Après les fresques du Casino Ludovisi, le pape Grégoire XV lui commande directement un retable destiné à la basilique Saint-Pierre. Ici, les trois domaines de la création divine circulent magistralement dans l’une des œuvres les plus émouvantes de Barbieri.
La
critique s’est longuement penchée sur ce poème sanctoral et il nous semble que l’hypothèse globale de Cesare Gnudi est pertinente: “des formes grandioses et vraies, d’une puissante force dramatique, naturelles et classiques”
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Nous pouvons ici rappeler le grand érudit qui a fait l’éloge de Guercino, à savoir Sir Denis Mahon, un excellent ami de Gnudi et plus tard d’Andrea Emiliani qui l’a suivi avec sagesse: nous l’avons vu sourire à l’exposition de 1968 ici même à Bologne, dans la même Pinacothèque. Aujourd’hui, le relais a été pris par Daniele Benati et son école, qui ont approfondi les recherches territoriales, documentaires, contextuelles et véritablement scientifiques. En suivant maintenant un parcours chronologique des œuvres de Guercini, nous pouvons en partie voir la diffusion territoriale qu’elles ont eue et la reconnaissance qu’elles ont obtenue après le retour de Rome du maître. Sans oublier le désormais célèbre “Livre de comptes” édité par son frère Paolo (excellent ciseleur en peinture), document auquel l’exposition qui s’ouvre en octobre consacre une section spéciale.

Guercino, San Lorenzo en prière (1624 ; huile sur toile ; Finale Emilia, église du séminaire)
Guercino, Saint Laurent en prière (1624 ; huile sur toile ; Finale Emilia, église du séminaire)
Guercino, Crucifixion (1624 ; huile sur toile ; Reggio Emilia, Basilica della Ghiara)
Guercino, Crucifixion (1624 ; huile sur toile ; Reggio Emilia, Basilica della Ghiara)
Alors qu’à San Lorenzo nous ressentons encore la simplicité musicale de la relation d’un croyant qui le restera jusqu’à son martyre, devant la Crucifixion de Reggio nous sommes submergés par la suprême tragédie salvatrice de la mort du Christ, tout comme Marie et les saints mystiquement placés à ses pieds, ainsi que l’Ange en pleurs. Cette toile, véritable hapax dans le corpus de Guercino, a suscité une grande émotion chez les habitants de Reggio, qui ont voulu honorer son auteur en ajoutant un collier d’or au paiement convenu
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Guercino, Le prophète Michée (1627 ; fresque ; Piacenza, cathédrale)
Guercino, Le prophète Michée (1627 ; fresque ; Piacenza, Cathédrale)
Avec les six segments de la coupole de la cathédrale de Piacenza, Guercino renoue avec ses engagements de jeunesse et romains en achevant la voûte de la cathédrale sous forme de fresque, après la mort de Morazzone, pourtant digne d’intérêt. Son acceptation démontre sa disponibilité intérieure pour les œuvres de foi et son respect pour ses collègues avec lesquels, d’ailleurs, il n’a jamais eu de désaccords. Cette figure du prophète qui a annoncé la naissance du Christ à Bethléem est heureuse
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Guercino, Le Christ ressuscité apparaît à la mère (1628-1630 ; huile sur toile, 260 × 179,5 cm ; Cento, Pinacoteca Civica)
Guercino, Le Christ ressuscité apparaît à la mère (1628-1630 ; huile sur toile, 260 × 179,5 cm ; Cento, Pinacoteca Civica)
C’est l’œuvre la plus célèbre du prodigieux peintre qui entre ici dans la plus haute mesure de sa maturité, de sa pensée créatrice, et nous voudrions dire des impulsions convaincantes qui l’ont toujours accompagné dans sa vie active telle qu’il l’a voulue: un service à la vie chrétienne de chaque communauté, de chaque parent. Sur le plan pictural, les critiques voient dans ce tableau, peint pour la “Compagnie du Très Saint Nom de Dieu” à Cento, la pleine réalisation de la suavité et du naturel qui vont de pair avec l’accomplissement de la forme classique.
Il suffit de
regarder l’étreinte divine
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Guercino, Saint Pierre Martyr (1647 ; huile sur toile, 218 x 136 cm ; Bologne, Pinacoteca Nazionale)
Guercino, Saint Pierre Martyr (1647 ; huile sur toile, 218 x 136 cm ; Bologne, Pinacothèque nationale)
Un autre joyau de la Pinacothèque nationale. Nous voyons ici, comme jamais auparavant, un martyre dans le silence lumineux d’une offrande intime et angéliquement abandonnée
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Guercino, Saint Antoine de Padoue avec l'Enfant Jésus (1651 ; huile sur toile ; San Giovanni in Persiceto, Collegiata di San Giovanni Battista)
Guercino, Saint Antoine de Padoue avec l’Enfant Jésus (1651 ; huile sur toile ; San Giovanni in Persiceto, Collégiale Saint-Jean-Baptiste)
L’apparition miraculeuse survenue à Saint Antoine de Padoue dans l’ermitage de Camposanpiero est capturée dans la douce lumière d’un paradis nouvellement ouvert dans la pénombre de la cellule et ici, comme jamais auparavant dans la peinture italienne, les deux âmes amoureuses se rencontrent. Les pinceaux de Guercino semblent sourire à Jésus nu assis sur le livre, mais quelle réalité théologique se cache là ? Et nos cœurs écoutent
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Guercino, Saint Bruno dans l'adoration de la Vierge et de l'Enfant en gloire (1647 ; huile sur toile, 388 x 235 cm ; Bologne, Pinacoteca Nazionale)
Guercino, Saint Bruno dans l’adoration de la Vierge et de l’Enfant en gloire (1647 ; huile sur toile, 388 x 235 cm ; Bologne, Pinacoteca Nazionale)
Une autre toile gigantesque du maître inépuisable, qui s’était déjà installé à Bologne en 1642 avec son atelier hautement qualifié. Nous sommes au cœur de la ville et le très coûteux chef-d’œuvre est demandé par les pères chartreux, dont le fondateur - saint Bruno - est présenté comme un modèle d’ardente piété mariale. Notre regard s’élève parfaitement du moine contemplatif agenouillé à saint Bruno tendu, et est happé par l’ange gigantesque (véritable invention décisive) vers Jésus bienveillant et la Madone resplendissante dans l’étreinte du bleu de l’enveloppement divin. Nous sommes de retour à Bologne et à la Pinacothèque, prêts pour une exposition passionnante
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Guercino, La Sibylle de Cumes (1651 ; huile sur toile, 218,5 x 180 cm ; Londres, National Gallery)
Guercino, La Sibylle des Cumes (1651 ; huile sur toile, 218,5 x 180 cm ; Londres, National Gallery)
Nous aimerions clore notre sollicitation de l’attention sur l’art de notre cher Giovanni Francesco avec cette splendide figure, ayant appartenu à la famille de Médicis, puis arrachée à Londres par l’éclairé Sir Denis Mahon. Le tableau est dans la dernière phase de l’artiste aujourd’hui universellement acclamé. On n’y trouve plus les conflits foudroyants entre ombre et lumière, ni les ombres ou les pénombres polies qui ont tant excité les critiques les plus sensibles, mais une clarté joyeuse qui restitue tout là où la composition s’étire avec une pureté de haut langage lyrique dans une parfaite dimension classique.
C’est
un triomphe de l’esprit pour le maître incliné, devenu bolonais, qui puise dans le mythe païen la joie de l’âme dans la prédiction du “Deus extensus” pour l’amour
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