L'art d'aujourd'hui ? Trop commercial: les vrais talents se tournent vers l'avenir. Roberto Casamonti parle


Longue interview de Roberto Casamonti, qui retrace l'histoire de sa galerie Tornabuoni et dresse un état des lieux de l'art actuel: trop commercial, trop d'artistes imitant les maîtres du passé. Les vrais talents ? Ce sont ceux qui regardent vers l'avant.

Le marchand d’art Roberto Casamonti a consacré presque toute sa vie à la découverte et à l’encouragement d’artistes visionnaires et sa galerie Tornabuoni, fondée en 1981 à Florence, est devenue une étape incontournable pour les amateurs d’art, exposant des œuvres de maîtres du XXe siècle et de l’après-guerre. Un homme, Casamonti, doté d’une profonde sensibilité et d’une passion inépuisable pour l’art, dont le dévouement à son travail s’est avéré infatigable, défiant les hauts et les bas, mais restant un témoignage inébranlable et vivant de la façon dont la persévérance et l’amour pour ce que l’on fait peuvent être une source de gratification au fil du temps. À propos de l’art contemporain, le marchand d’art révèle son sens de l’innovation et la nécessité pour les artistes d’embrasser la nouveauté, en créant des œuvres qui représentent une véritable avancée dans le paysage artistique. Sa recherche d’œuvres d’une qualité et d’une beauté rares le pousse à rester ouvert à des idées différentes et uniques, semblables à celles qui ont conduit de grands maîtres comme Fontana et Burri à révolutionner le monde de l’art.

Roberto Casamonti
Roberto Casamonti. Photo: Alessandro Pasquali / Projet Danae

FG. Active depuis 1981, la galerie Tornabuoni s’est imposée dans le monde de l’art et a réussi à marquer l’histoire en exposant des œuvres de grands maîtres du XXe siècle et de l’après-guerre. Partie de Florence, en passant par Paris et Londres, elle est arrivée à Rome. Il s’agit là d’une réalisation dont nous pouvons être extrêmement fiers.

RC. Je suis convaincu que le dévouement au travail, à long terme et malgré les hauts et les bas, est toujours payant. J’ai travaillé de 1981 à aujourd’hui sans jamais baisser les bras et ce n’est que maintenant que je me rends compte à quel point le temps passe vite et que l’on vieillit sans même s’en rendre compte. Je vieillis, oui [rires], mais toujours avec une passion et un amour inimaginables pour ce que je fais. Ce qui m’a toujours défendue et aidée dans la vie, c’est aussi mon expertise de l’art à partir du XXe siècle, mais surtout la joie qui m’envahit lorsque je découvre un beau tableau. Quand cela arrive, je suis aux anges, précisément parce qu’il m’est extrêmement difficile de découvrir des œuvres d’une qualité et d’une beauté rares. Nous sommes arrivés à Rome en partant de la galerie Florentine à laquelle je suis particulièrement attaché parce qu’elle murmure aux passants que la ville n’est pas seulement constituée d’art ancien et de la Renaissance, mais qu’elle peut aussi regarder l’avenir avec curiosité et qu’elle est en constante évolution.

Dans une interview vidéo pour Finestre sull’Arte, il a déclaré qu’il savait reconnaître un artiste qui a du talent de celui qui, malheureusement, n’en a pas. À partir de là, que voyez-vous sur la scène artistique actuelle ? Avez-vous trouvé des innovateurs ?

Presque tous les jours, de nouveaux artistes viennent à ma galerie et souhaitent travailler avec moi, et je pense maintenant savoir comment reconnaître l’innovation: l’art doit toujours être un pas en avant, pas un pas en arrière. Un bon artiste doit connaître l’histoire et tout ce qui a été fait jusqu’à présent, car ce n’est qu’ainsi qu’il peut avancer subtilement et créer quelque chose de nouveau. Par exemple, si je vois aujourd’hui un artiste qui ressemble à un autre d’il y a cinquante ans, ce n’est pour moi qu’une perte de temps, mais si demain arrive un artiste qui ne ressemble à rien et qui est simplement lui-même dans toute son innovation, alors c’est un bon artiste et j’en suis extrêmement fier. Je suis donc toujours à la recherche de personnes aux idées différentes, comme Fontana qui jetait simplement des pierres sur la toile, ou Burri qui utilisait des sacs, ce qui s’est avéré être un moyen d’expression très puissant et nouveau dans son extrême banalité, auquel personne n’avait encore pensé. C’est ce que je recherche et ce que j’aime, mais je me rends compte que c’est très difficile.

Que pensez-vous de la scène artistique italienne par rapport à la scène internationale, et comment la relation entre les deux évolue-t-elle ?

Je pense qu’on ne peut plus parler d’une scène artistique italienne distincte de la scène internationale. Elles sont désormais liées et enchevêtrées, et ce qui m’intéresse, c’est qu’un artiste puisse aller de l’avant, créer quelque chose de nouveau. C’est ce qui compte vraiment, car plus le temps passe, plus je vois des artistes revenir en arrière, ressembler à Tancredi, Burri Fontana ou Picasso, mais ils avaient déjà inventé quelque chose d’important, ils avaient avancé, mais leur imitation est quelque chose de déjà vu. Ainsi, à mon avis, être un bon artiste est indépendant du drapeau que vous portez, l’important est que vous connaissiez l’histoire et que vous la déformiez. L’art est très semblable à la médecine en cela: au fil des siècles, des découvertes sont faites qui permettent de guérir de plus en plus de gens et de plus en plus de maladies, et l’artiste devrait se comporter de la même manière en étudiant et en sauvant de plus en plus de gens de maux toujours différents et avec des idées tout aussi novatrices.

Alberto Burri, Rosso nero (1955 ; tissu, huile, vinavil sur toile, 100 x 86 cm ; Florence, collection Roberto Casamonti)
Alberto Burri, Rosso nero (1955 ; tissu, huile, vinavil sur toile, 100 x 86 cm ; Florence, Collection Roberto Casamonti)
Piero Dorazio, Cavernicola (1958 ; huile sur toile, 115 x 147 cm ; Florence, collection Roberto Casamonti)
Piero Dorazio, Cavernicola (1958 ; huile sur toile, 115 x 147 cm ; Florence, collection Roberto Casamonti)
Michelangelo Pistoletto, Personne debout (1962-1963 ; tissu peint sur acier inoxydable poli miroir, 120 x 120 cm ; Florence, collection Roberto Casamonti)
Michelangelo Pistoletto, Personne debout (1962-1963 ; tissu peint sur acier inoxydable poli miroir, 120 x 120 cm ; Florence, collection Roberto Casamonti)
Lucio Fontana, Concept spatial, Attente (1965 ; peinture à l'eau sur toile, bois laqué, 102 x 132 cm ; Florence, collection Roberto Casamonti)
Lucio Fontana, Concept spatial, Attente (1965 ; peinture à l’eau sur toile, bois laqué, 102 x 132 cm ; Florence, collection Roberto Casamonti)

L’art contemporain explore souvent des thèmes sociaux et politiques complexes. Comment abordez-vous les œuvres d’art qui traitent de questions sensibles ou controversées ? Avez-vous déjà été confronté à des critiques ou à des débats concernant les œuvres d’art que vous avez choisi d’exposer ?

Je n’ai jamais été confronté à des débats ou à de fortes critiques, bien que toutes les idées politiques, toutes les vérités personnelles puissent se trouver dans ma galerie et que je sois là pour les respecter et non pour les juger ou imposer mes pensées. Guttuso, par exemple, a toujours abordé la politique en prenant des partis lourds et il est juste qu’un artiste fasse toujours ce qu’il ressent et choisisse ses batailles. Ce qui m’intéresse, c’est seulement de savoir si cet artiste a la capacité et le pouvoir d’expression nécessaires pour représenter ses idées, même si elles sont politiquement opposées aux miennes.

La technologie a eu un impact extrêmement important sur la création de l’art contemporain. Comment voyez-vous le rôle des nouvelles technologies dans le contexte de l’art ? Voyez-vous des opportunités potentielles dans l’utilisation de technologies telles que la réalité virtuelle dans la production artistique ?

Je suis extrêmement intéressé par tout ce que les nouveaux médias peuvent offrir aux artistes et s’ils contribuent à créer quelque chose d’innovant, je m’en réjouis. J’admire Plessi qui a beaucoup à faire avec les écrans de télévision où il met du feu, de l’eau et d’autres éléments précaires et destructeurs à l’intérieur. J’apprécie beaucoup sa façon de travailler, mais aussi celle de Bill Viola. Les téléviseurs sont utilisés dans le monde de l’art depuis les années 1970 et, au début, comme tout le reste, il s’agissait d’une nouvelle technologie qui n’était utilisée que par très peu de personnes. Si Plessi et Viola réussissent aujourd’hui, c’est précisément parce qu’ils ont eu le courage de proposer de nouvelles choses en premier. Je suis également convaincu qu’il ne faut pas chercher l’innovation dans le support utilisé, mais qu’il faut toujours partir d’une bonne idée, car si cela ne fonctionne pas, tout s’écroule. Une fois que l’artiste a fait ce premier pas, il doit aussi avoir la force de faire accepter ses idées par le marché. Cela peut paraître banal, mais nous sommes tous capables de créer un tableau esthétiquement beau, alors qu’avoir des idées qui marchent et les poursuivre avec acharnement n’est pas à la portée de tout le monde.

Qu’est-ce qui vous a poussé à ouvrir vos collections au public ?

C’est un désir que j’ai toujours eu. Je suis le fils d’un collectionneur et, dès mon plus jeune âge, j’ai été tellement passionné par ce monde que je ne pouvais pas le garder secret et caché, mais que je ressentais le besoin de le partager. Pendant des années, j’ai admiré le choix de mon père Ezio pour des œuvres d’artistes tels que Casorati ou Soffici, et j’ai lentement appris ce travail, en faisant mes premiers pas parmi Guttuso ou Mafai, pour arriver aux œuvres très différentes de Fontana et de Burri. Mon travail ne se résume pas seulement à l’acte d’achat et de vente, mais surtout à l’admiration et au partage. C’est pourquoi j’ai ouvert ma collection à Florence: parce que cette ville belle et ancienne est aussi extrêmement vivante et contemporaine. Il aurait été égoïste de garder toute cette beauté pour soi seul.

Quelle est l’œuvre d’art que vous avez trouvée personnellement la plus difficile ou la plus controversée et que vous avez pourtant choisi d’ajouter à votre collection ?

Chaque œuvre est comme un enfant pour moi et chacune est controversée et stimulante à sa manière. C’est un coup de foudre immédiat et total et je ne peux pas dire que j’en aime une plus que les autres. Je les aime toutes, avec leurs caractéristiques propres: il y a un Basquiat extraordinaire de deux mètres sur deux, avec lui photographié juste devant, qui vaut vraiment la peine de visiter ma collection, un Pistoletto de 62, un Tutto de Boetti de six mètres. Chaque œuvre raconte quelque chose de moi et représente mon expérience ; en choisir une parmi toutes les autres reviendrait à choisir une partie de moi.

Jean-Michel Basquiat, Sans titre (1984 ; acrylique, pastels gras et sérigraphie sur toile, 223,5 x 198 cm ; Florence, collection Roberto Casamonti)
Jean-Michel Basquiat, Sans titre (1984 ; acrylique, pastels gras et sérigraphie sur toile, 223,5 x 198 cm ; Florence, collection Roberto Casamonti)
Alighiero Boetti, Tutto (1992-1994 ; broderie sur tissu, 255 x 595 cm ; Florence, collection Roberto Casamonti)
Alighiero Boetti, Tutto (1992-1994 ; broderie sur tissu, 255 x 595 cm ; Florence, collection Roberto Casamonti)
L'exposition Digital Emotions de Fabrizio Plessi (Florence, Galleria Tornabuoni, 22 septembre - 18 novembre 2022) L’
exposition Digital Emotions de Fabrizio Plessi (Florence, Galleria Tornabuoni, 22 septembre - 18 novembre 2022)
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Parmi les artistes que vous avez rencontrés, quel est celui avec lequel vous vous êtes senti le plus en affinité ?

J’ai rencontré tellement d’artistes qu’il m’est très difficile de répondre à cette question, mais essayons. J’ai été l’ami de Piero Dorazio et je l’ai toujours respecté comme un homme de grande culture qui a créé des œuvres merveilleuses, dont le travail n’est pleinement reconnu qu’aujourd’hui. Je n’ai pas rencontré Fontana personnellement, même si j’admets qu’il aurait été spectaculaire, mais j’ai rencontré son épouse, qui était une femme exquise, et j’ai prêté de nombreuses fontaines pour diverses expositions. J’ai une estime infinie pour l’œuvre de Fontana. J’ai aussi rencontré Emilio Vedova qui n’était pas un homme ordinaire et qui pouvait toujours vous apprendre quelque chose, il avait une culture inimaginable. En fin de compte, si vous êtes prêt à écouter et à tendre l’oreille, tous les artistes peuvent vous apprendre beaucoup, précisément parce qu’ils ont une sensibilité différente et presque toujours une immense culture.

Certains critiques affirment que le marché de l’art contemporain est devenu trop commercial et qu’il relègue au second plan la valeur artistique des œuvres. Desnoms viennent à l’esprit comme Thierry de Duve, critique d’art belge, qui a analysé la domination croissante du marché de l’art et l’impact qu’il a eu sur la perception de l’art contemporain, Julian Stallabrass qui a critiqué sa commercialisation excessive et sa distanciation par rapport aux valeurs artistiques et culturelles. Mais aussi Boris Groys, philosophe et critique d’art russe, qui s’est interrogé sur la nature capitaliste de l’art. Quelle est votre opinion sur ce sujet et comment équilibrez-vous la composante commerciale et l’“intégrité” artistique dans votre collection ?

Ils ont raison ! Je pense la même chose, l’art d’aujourd’hui est trop commercial et quand c’est le cas, il ne faut pas trop s’y fier. Je pense que beaucoup d’artistes d’aujourd’hui sont définitivement gonflés à bloc. Disons qu’ils sont poussés par les ventes aux enchères avec des évaluations exagérées et inhumaines qui ne correspondent pas à la réalité. L’artiste doit aimer son travail et le résultat vient ensuite, mais il ne faut pas chercher à atteindre ces chiffres excessifs, car l’œuvre est alors déformée. Le marché enseigne qu’il y a des périodes sombres et des périodes prolifiques, mais c’est l’histoire qui exalte les grands et élimine les médiocres, pas le marché. C’est le temps qui est l’aiguille de la balance. Les critiques que vous évoquez ont raison, et il faut faire très attention à ne pas acheter uniquement avec sa poche, car le cœur doit primer. Cette pensée est palpable pour quiconque vient visiter ma collection d’art à Florence où j’ai choisi de dévoiler quelques 180 pièces, non vendues, qui font partie intégrante de mon histoire. J’espère que ma collection sera également appréciée avec le temps et qu’elle survivra à l’histoire. Par ailleurs, j’invite les amateurs d’art à visiter mes galeries à Florence, Milan, Rome, Paris, Crans Montana et Forte dei Marmi.


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