Andy Warhol: critique ou célébrant de la société de consommation?

by Federico Giannini (Instagram: @federicogiannini1), published on 29/11/2015
Categories: Œuvres et artistes / Disclaimer

Tout a été écrit sur Andy Warhol (1928-1987) mais, malgré cela, de nombreuses questions subsistent sur de nombreux aspects de son art. L’une d’entre elles, en particulier, divise les chercheurs qui s’intéressent à son œuvre: Andy Warhol était-il un critique désenchanté et désillusionné du système et de la société de consommation, ou était-il parfaitement à l’aise dans le système et son pop art est-il donc une sorte de glorification du consumérisme? Il n’est pas facile de répondre à cette question. Nous pouvons donc commencer par une déclaration de l’artiste. Son livre The Philosophy of Andy Warhol (From A to B & Back Again), publié en 1975, contient un éloge singulier de Coca-Cola, que l’artiste célèbre en ces termes: “S’il y a une grande chose à propos de l’Amérique, c’est que la tradition a commencé ici, selon laquelle les consommateurs les plus riches achètent essentiellement les mêmes choses que les plus pauvres. Vous regardez la télévision et vous voyez du Coca, et vous savez que le Président boit du Coca, que Liz Taylor boit du Coca, et vous pouvez penser que vous buvez du Coca aussi. Un Coca est un Coca, et aucune somme d’argent ne peut garantir que vous boirez un meilleur Coca que celui que boit un clochard au coin de la rue. Tous les Cocas sont les mêmes et tous les Cocas sont bons. Liz Taylor le sait, le président le sait, le clochard le sait, et vous aussi”.

Andy Warhol, Bouteilles de Coca-Cola vertes ; 1962 ; New York, Whitney Museum of American Art

Le message semble donc positif: la démocratie véritable trouverait son accomplissement dans la société de consommation, qui rendrait chacun égal devant les caractéristiques des produits les plus populaires. Les produits les plus familiers, les plus banals, les plus quotidiens, que tout le monde peut se procurer, deviennent ainsi la spécification la plus connue de l’art d’Andy Warhol: nous avons tous en tête les images de la même bouteille de Coca-Cola ou de la même soupe Campbell. Andy Warhol a voulu attirer l’attention des observateurs sur ces objets, si ordinaires et banals qu’ils font même sensation. Mais c’est justement parce qu’il est élevé au rang d’œuvre d’art que l’objet ordinaire revêt une forte charge symbolique, et c’est sur cette charge symbolique que la réflexion doit être menée. Marcel Duchamp disait aussi ceci: “Si vous prenez la boîte de soupe Campbell et que vous la répétez cinquante fois, ce qui vous intéresse, ce n’est pas l’image visuelle. Ce qui vous intéresse, c’est le concept qui vous a conduit à mettre cinquante boîtes de soupe Campbell sur la toile”.

À première vue, la représentation artistique des objets quotidiens dans l’art d’Andy Warhol semble être la conséquence naturelle de leur élévation au rang de symbole de l’apparente démocratie qu’ils ont instaurée. Mais pour mieux cerner le concept (pour reprendre le terme de Duchamp) qui a conduit Andy Warhol à représenter des dizaines de fois la même image, et pour observer plus en profondeur l’œuvre de Warhol, il est nécessaire d’examiner une déclaration très significative que l’artiste a faite lors d’une interview pour le magazine Art News en 1963. L’interviewer, Gene Swanson, lui a demandé pourquoi il avait commencé à représenter des boîtes de soupe dans ses œuvres. Voici la réponse de Warhol: “Parce que j’avais l’habitude d’en consommer. J’avais l’habitude de consommer le même déjeuner tous les jours, pendant vingt ans, la même chose encore et encore. Quelqu’un m’a dit que ma vie me dominait, et j’ai aimé cette idée”. L’habitude de consommer les mêmes produits pendant des jours et des années est caractéristique de la société capitaliste, et pour Warhol, cette habitude était devenue si répétitive qu’elle en venait à le dominer: après tout, nous savons que Warhol était pleinement intégré dans la société de consommation qu’il représentait sur la toile. Un critique d’art américain, Hal Foster, a suggéré que son intégration dans la société de consommation était presque une sorte de réaction: dans la phrase “ma vie m’a dominé, et j’ai aimé cette idée” est implicite, selon le critique, la considération que si l’on ne peut pas dominer un système de l’extérieur, il est nécessaire de s’intégrer dans ce système, et donc de le critiquer de l’intérieur. C’est aussi pour cette raison que l’œuvre d’Andy Warhol nous paraît si fortement ambiguë: parce qu’il est difficile de distinguer la frontière floue entre le conformisme et la critique.

Andy Warhol, Campbell’s soup cans; 1962 ; New York, Museum of Modern Art

Andy Warhol, Big torn Campbell’s soup can (“Grande boîte de soupe Campbell’s déchirée”) ; 1962 ; Pittsburgh, The Andy Warhol Museum

Warhol lui-même, qui aimait évoluer à la lisière de cette ambiguïté, avec ses déclarations souvent contradictoires sur son art, ne nous aide pas à comprendre quel était le but réel de son art. Dans ce qui est considéré comme l’une de ses interviews les plus importantes, accordée à la journaliste Gretchen Berg durant l’été 1966 et publiée plus tard sous le titre Andy Warhol: My true story, il s’exprimait ainsi à propos de son art: “Je pense que je représente les États-Unis dans mon art, mais je ne suis pas un critique de la société: je peins simplement certains objets dans mes tableaux parce que ce sont les choses que je connais le mieux. Je n’essaie pas de critiquer les États-Unis de quelque manière que ce soit, je n’ai pas l’intention de montrer une quelconque laideur: je pense que je suis simplement un artiste pur. Mais je ne peux pas dire si je me prends vraiment au sérieux en tant qu’artiste: je n’y ai tout simplement jamais pensé”. En réalité, Warhol n’a jamais donné d’explications claires et définitives sur son travail, et l’ironie qui a toujours sous-tendu son art (et probablement aussi son existence même) conduit à ne pas attribuer un sens littéral à ses propos, et à penser que l’ironie est le moyen privilégié de Warhol pour mener sa critique de la société: C’est aussi pour cette raison que son art a divisé les chercheurs qui s’en sont occupés, entre ceux qui ont vu en Andy Warhol un artiste dont l’œuvre ne visait pas des fins sociales, et ceux qui ont au contraire essayé de donner à son art un poids plus profond que la surface ne nous incite à lui attribuer. Les boîtes de soupe Campbell et les bouteilles de Coca-Cola offrent ainsi une multitude de pistes de réflexion.

On pourrait y lire le désenchantement d’un artiste qui considère que l’art est désormais entièrement soumis aux lois du marché et donc privé de sa pureté intrinsèque. On pourrait y voir le paradoxe selon lequel une boîte de soupe cabossée à l’étiquette déchirée, donc un objet à éliminer selon la logique du commerce, devient au contraire l’affirmation la plus évidente de l’individualité et de la liberté au sein d’un système basé sur le conformisme. On pourrait aussi les interpréter comme une tentative de rendre l’art vraiment populaire, puisqu’un sujet familier à tous rend l’œuvre immédiatement reconnaissable: Andy Warhol, après tout, a commencé à travailler comme illustrateur pour des magazines à grand tirage, et il n’a jamais caché l’idée de vouloir voter pour un art qui puisse vraiment toucher tout le monde (et ce n’est pas un hasard si le nom qu’il a choisi pour l’atelier qu’il a ouvert en 1962 était The Factory). On pourrait, en somme, dire tout et le contraire de tout sur l’art d’Andy Warhol, sans pour autant parvenir à une conclusion définitive. Le but ultime de son art était-il de nous amener à discuter du sens même de l’art à notre époque?

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