L’œuvre de Guido Guidi (Cesena, Italie, 1941) peut être comparée à celle d’un géologue qui, au lieu de chercher de l’or ou des diamants, se concentre sur les roches sédimentaires et les fissures apparemment ordinaires du sol. Guidi ne recherche pas la beauté spectaculaire (la montagne intacte), mais la stratification historique et conceptuelle inhérente au béton, aux murs provinciaux et aux tirs aléatoires. Son importance réside précisément dans sa capacité à transformer la simplicité du quotidien en un traité complexe de philosophie visuelle, démontrant que l’acte de photographier est un dialogue continu et profond entre l’œil, le temps et l’appareil photo, et non un simple enregistrement esthétique. Son rôle a été clarifié par la grande exposition Guido Guidi. Col tempo, 1956 - 2024, la plus grande exposition jamais consacrée à l’auteur, organisée par Simona Antonacci, Pippo Ciorra et Antonello Frongia, qui, après ses débuts au MAXXI à Rome du 13 décembre 2024 au 30 mars 2025, s’est poursuivie par une deuxième étape à Udine, dans les espaces du Musée d’art moderne et contemporain - Casa Cavazzini, du 27 septembre 2025 au 6 janvier 2026.
Né à Cesena en 1941, Guidi est aujourd’hui reconnu comme un maître fondamental de la photographie. Son activité de recherche, qui a débuté dans les années 1960, a permis de redéfinir profondément les relations entre l’image et son environnement, ainsi que celles entre la photographie et le domaine de l’architecture, exerçant un impact durable sur de nombreux photographes (dont Enrico Amici, par exemple). Son importance ne se limite pas au niveau artistique ; Guidi est également considéré comme un point de référence indispensable dans le domaine éducatif, fort de son expérience d’enseignant à l’Université IUAV de Venise. La valeur de son travail est confirmée par la présence de ses créations dans les collections de certains des plus prestigieux musées du monde, dont le MoMA de New York, le Centre Pompidou de Paris et le San Francisco Museum of Modern Art.
L’œuvre de Guidi peut également être considérée comme un vaste récit qui s’étend sur plus de soixante ans. Le titre même de l’exposition à Rome et à Udine, Col tempo, tiré d’un rouleau d’un tableau de Giorgione, symbolise l’ensemble de la production de l’artiste et le point atteint par le passage du temps.
Guidi appartient à ce groupe d’artistes de renommée internationale qui ont marqué un tournant dans notre façon de percevoir et d’interagir avec le paysage. Sa perspective artistique se caractérise par une vision à la fois rigoureuse et empreinte de poésie. En outre, il a créé l’une des poétiques visuelles les plus influentes de la culture contemporaine, développée à travers une méditation intense sur le langage de l’image. Son travail aborde de manière conceptuelle des questions cruciales concernant le mécanisme de la représentation visuelle, traitant la photographie comme un véritable langage qui communique à travers son propre système de signes. Chaque cliché de Guidi contient une réflexion sur l’acte même de voir, sur le moyen utilisé pour capturer la réalité et sur le passage inexorable du temps.
Guidi trouve les fondements de cette “écriture” visuelle non pas dans des paysages idylliques, mais dans le paysage quotidien, désordonné et apparemment sans qualité de la province dans laquelle il a toujours vécu, en particulier sa Romagne natale, qu’il a photographiée avec insistance tout au long de sa carrière. Sa vision est radicale dans la mesure où il rejette les hiérarchies esthétiques préétablies et les sujets traditionnellement privilégiés, en se concentrant sur les détails apparemment insignifiants du paysage et en accordant la même importance au banal et au monumental. Cette recherche cohérente et originale se poursuit sans interruption depuis 1956.
La carrière de Guidi a commencé par une formation importante, d’abord à l’Institut universitaire d’architecture de Venise (IUAV), où il a suivi les cours d’éminents personnages tels que Carlo Scarpa, Bruno Zevi et Mario De Luigi, puis au Cours supérieur de design industriel, où il a étudié avec Italo Zannier et Luigi Veronesi. Dès ses premières images, dans les années 1950, sa capacité particulière à donner une structure visuelle reconnaissable aux événements les plus simples de la vie quotidienne est évidente. Les œuvres réalisées entre les années 1960 et 1970, telles que les séries Esercizi, Al mare et Attesa, se caractérisent par une incertitude stimulante, typique de ces premiers moments d’expérimentation. Ces objets photographiques, soigneusement choisis pour leur vocabulaire visuel, possèdent une matérialité intrinsèque, portant en eux la mémoire de leur création, les signes de leur utilisation et les imperfections dues à l’artisanat. Souvent, la précision optique typique de la perspective photographique se confond avec l’ajout d’inscriptions, destinées à enregistrer des informations sur les bords de l’image, aspects qui resteront constants dans son travail.
Au cours des années 1970, Guidi expérimente dans deux directions complémentaires : d’une part, l’utilisation d’appareils photo de petit format pour documenter son microcosme personnel, les espaces privés et les rencontres fortuites lors de ses voyages entre la Vénétie et la Romagne. Ces photographies montrent des compositions complexes, des formes déformées ou anti-classiques, où le champ visuel peut être flou, compromis par le mouvement ou aveuglé par la lumière artificielle d’un flash. Dans des séries comme Coincidenze et Andata e ritorno, Guidi expérimente même l’abandon du contrôle total de la composition, en photographiant sans approcher l’appareil de l’œil. Dans Di sguincio, le thème du temps est abordé à travers des instantanés qui visent à générer ce qu’il appelle une “performance de la rencontre”. Parallèlement, depuis 1972, grâce également à une étude approfondie de l’œuvre de Walker Evans, Guidi a entamé une longue enquête sur les bâtiments provinciaux ordinaires, en se concentrant en particulier sur le thème de la façade, dont il souligne le caractère presque anthropomorphique.
La décennie des années 1980 marque une évolution stylistique cruciale : Guidi approfondit son exploration du paysage bâti, en privilégiant l’utilisation du moyen et du grand format. Ce choix technique répond à la nécessité d’une plus grande netteté, d’un contrôle plus méticuleux du cadrage et d’un processus créatif plus lent, tandis que l’utilisation de la couleur devient de plus en plus systématique.
À partir des environs immédiats de Cesena, tout en maintenant une attention constante aux lieux de sa vie, la géographie explorée par Guidi s’élargit de manière significative. Après avoir travaillé sur Naples, il s’intéresse à Trieste, à la Via Emilia, à la ville industrielle de Marghera, à Graz et à la province de Milan. Malgré l’adoption de dispositifs tels que le 20x25, Guidi ne renonce pas aux “transgressions” qui ont toujours caractérisé ses recherches sur le langage photographique. Un exemple en est le travail réalisé à Rubiera et Gibellina en 1989, où il a incliné l’appareil photo sur le côté, obtenant ainsi des équilibres de composition complètement nouveaux. À Rimini, en 1991, il a utilisé la mise au point sélective et l’inclinaison pour développer un regard “subjectif”, ramenant directement l’attention du spectateur à l’acte de voir.
Guidi a également interprété les nombreuses missions de documentation sur l’architecture et le territoire qu’il a reçues d’institutions internationales et italiennes avec une philosophie essentielle : "Le photographe n’a pas d’idées. Il doit s’adapter à ce qui est là. Que puis-je en faire ? Entre 1993 et 1996, il a entrepris un voyage le long de la route B1 reliant Kaliningrad et Saint-Jacques-de-Compostelle, produisant un atlas sans précédent des espaces entre les villes.
Dans le domaine spécifique de l’architecture, une commande du CCA de Montréal lui offre l’opportunité de photographier plusieurs réalisations de Carlo Scarpa, dont la Tombe Brion. Dans ce travail, Guidi tente de pénétrer le processus de pensée de l’architecte et réussit à découvrir des configurations de lumière et de matière qui n’avaient jusqu’alors pas été détectées par les spécialistes. Par la suite, Guidi a tourné son objectif vers l’architecture de maîtres tels que Le Corbusier, Mies van der Rohe et Álvaro Siza, en mettant en évidence des jeux de lumière, des ombres, des géométries, des codes et des détails qu’il a identifiés presque “malgré” les auteurs eux-mêmes. Chez Guidi, ce sont les chefs-d’œuvre de ces architectes qui sont intégrés dans son paysage personnel, et non l’inverse.
La complexité et la profondeur théorique de la pensée de Guidi ne sont pas seulement rendues par les tirages photographiques qui, dans l’exposition Col tempo, dépassent les 350 œuvres réparties en 34 séquences organisées par l’auteur lui-même. Les archives et les vitrines jouent un rôle fondamental. À travers des carnets, des manuscrits, des volumes de sa bibliothèque, des gravures et des spécimens, les visiteurs peuvent se plonger dans l’évolution de son langage visuel. Ces documents thématiques révèlent ses références, de l’histoire de l’art aux maîtres contemporains tels que Carlo Scarpa et Walker Evans, et approfondissent les aspects techniques de l’impression et de l’expérimentation avec différents appareils photo.
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