Das Werk von Guido Guidi (Cesena, Italien, 1941) kann mit dem eines Geologen verglichen werden, der nicht nach Gold oder Diamanten sucht, sondern sich auf Sedimentgestein und scheinbar gewöhnliche Risse im Boden konzentriert. Guidi sucht nicht nach spektakulärer Schönheit (dem unversehrten Berg), sondern nach der historischen und konzeptionellen Schichtung, die in Beton, Provinzmauern und zufälligen Aufnahmen steckt. Seine Bedeutung liegt gerade in seiner Fähigkeit, die Einfachheit des Alltäglichen in eine komplexe Abhandlung der visuellen Philosophie zu verwandeln und zu zeigen, dass der Akt des Fotografierens ein kontinuierlicher und tiefgreifender Dialog zwischen dem Auge, der Zeit und der Kamera ist und nicht nur eine ästhetische Aufnahme. Seine Rolle wurde durch die große Ausstellung Guido Guidi. Col tempo, 1956 - 2024, die größte Ausstellung, die dem Autor je gewidmet wurde, kuratiert von Simona Antonacci, Pippo Ciorra und Antonello Frongia, die nach ihrer Premiere im MAXXI in Rom vom 13. Dezember 2024 bis zum 30. März 2025 mit einer zweiten Etappe in Udine fortgesetzt wurde, in den Räumen des Museums für moderne und zeitgenössische Kunst - Casa Cavazzini, vom 27. September 2025 bis zum 6. Januar 2026.
Der 1941 in Cesena geborene Guidi gilt heute als einer der wichtigsten Meister der Fotografie. Seine in den 1960er Jahren begonnene Forschungstätigkeit hat es vermocht, die Beziehungen zwischen dem Bild und seiner Umgebung sowie zwischen der Fotografie und dem Bereich der Architektur grundlegend neu zu definieren und zahlreiche Fotografen nachhaltig zu beeinflussen (zu ihnen gehört beispielsweise Enrico Amici). Seine Bedeutung beschränkt sich nicht nur auf die künstlerische Ebene, sondern Guidi gilt auch als unverzichtbarer Bezugspunkt im Bildungsbereich aufgrund seiner Lehrtätigkeit an der Universität IUAV in Venedig. Der Wert seiner Arbeit wird durch die Präsenz seiner Werke in den Sammlungen einiger der renommiertesten Museen der Welt bestätigt, darunter das MoMA in New York, das Centre Pompidou in Paris und das San Francisco Museum of Modern Art.
Guidis Werk kann auch als eine große Erzählung gesehen werden, die sich über mehr als sechzig Jahre erstreckt. Schon der Titel der Ausstellung in Rom und Udine, Col tempo, der einer Schriftrolle eines Gemäldes von Giorgione entnommen ist, symbolisiert die gesamte Produktion des Künstlers und den Punkt, der durch das Verstreichen der Zeit erreicht wird.
Guidi gehört zu den international bekannten Künstlern, die einen Wendepunkt in der Wahrnehmung der Landschaft und im Umgang mit ihr markiert haben. Seine künstlerische Sichtweise ist von einer rigorosen und zugleich von Poesie durchdrungenen Vision geprägt. Darüber hinaus hat er eine der einflussreichsten visuellen Poetiken der zeitgenössischen Kultur geschaffen, die durch eine intensive Meditation über die Sprache des Bildes entwickelt wurde. Sein Werk befasst sich auf konzeptionelle Weise mit entscheidenden Fragen zum Mechanismus der visuellen Darstellung, wobei er die Fotografie als eine echte Sprache betrachtet, die durch ihr eigenes Zeichensystem kommuniziert. Jede von Guidis Aufnahmen enthält eine Reflexion über den Akt des Sehens selbst, über das Medium, mit dem die Realität erfasst wird, und über den unaufhaltsamen Lauf der Zeit.
Guidi findet die Grundlagen dieser visuellen “Schrift” nicht in idyllischen Landschaften, sondern in der alltäglichen, unaufgeräumten und scheinbar qualitätslosen Landschaft der Provinz, in der er immer gelebt hat, vor allem in seiner Heimat Romagna, die er während seiner gesamten Laufbahn beharrlich fotografiert hat. Seine Vision ist insofern radikal, als dass er sich gegen vorgegebene ästhetische Hierarchien und traditionell privilegierte Themen wendet, indem er sich auf die scheinbar unbedeutenden Details der Landschaft konzentriert und das Banale wie das Monumentale gleichermaßen berücksichtigt. Diese konsequente und originelle Forschung wird seit 1956 ununterbrochen fortgesetzt.
Guidis Karriere begann mit einer bedeutenden Ausbildung, zunächst am Universitätsinstitut für Architektur in Venedig (IUAV), wo er die Kurse von bedeutenden Persönlichkeiten wie Carlo Scarpa, Bruno Zevi und Mario De Luigi besuchte, und dann am Fortgeschrittenenkurs für Industriedesign, wo er bei Italo Zannier und Luigi Veronesi studierte. Schon in seinen ersten Bildern aus den 1950er Jahren zeigt sich seine besondere Fähigkeit, selbst den einfachsten Ereignissen des täglichen Lebens eine erkennbare visuelle Struktur zu geben. Die zwischen den 1960er und 1970er Jahren entstandenen Werke, wie die Serien Esercizi, Al mare und Attesa, sind von einer anregenden Ungewissheit geprägt, die für diese frühen Momente des Experimentierens typisch ist. Diese fotografischen Objekte, die aufgrund ihres visuellen Vokabulars sorgfältig ausgewählt wurden, besitzen eine intrinsische Materialität, die die Erinnerung an ihre Entstehung, die Zeichen ihres Gebrauchs und die handwerklich bedingten Unvollkommenheiten mit sich trägt. Die optische Präzision, die für die fotografische Perspektive typisch ist, verbindet sich oft mit der Hinzufügung von Beschriftungen, die darauf abzielen, Informationen an den Rändern des Bildes festzuhalten - Aspekte, die in seinem Werk konstant bleiben werden.
In den 1970er Jahren experimentiert Guidi in zwei sich ergänzenden Richtungen: zum einen mit der Verwendung von Kleinbildkameras, um seinen persönlichen Mikrokosmos, private Räume und zufällige Begegnungen auf seinen Reisen zwischen Venetien und der Romagna zu dokumentieren. Diese Fotografien zeigen komplexe Kompositionen, verzerrte oder antiklassische Formen, bei denen das Gesichtsfeld verschwommen, durch Bewegung beeinträchtigt oder durch das künstliche Licht eines Blitzes geblendet sein kann. In Serien wie Coincidenze und Andata e ritorno experimentierte Guidi sogar damit, die totale Kontrolle über die Komposition aufzugeben und zu fotografieren, ohne die Kamera ans Auge zu halten. In Di sguincio wird das Thema Zeit mit Hilfe von Schnappschüssen aufgegriffen, die das Ziel haben, eine “Performance der Begegnung” zu erzeugen. Gleichzeitig hat Guidi seit 1972, auch dank einer eingehenden Beschäftigung mit dem Werk von Walker Evans, eine lange Untersuchung über gewöhnliche Gebäude in der Provinz begonnen, wobei er sich insbesondere auf das Thema der Fassade konzentriert, deren fast anthropomorphen Charakter er hervorhebt.
Das Jahrzehnt der 1980er Jahre markiert eine entscheidende stilistische Entwicklung: Guidi vertieft seine Erkundung der gebauten Landschaft und bevorzugt die Verwendung von Mittel- und Großformaten. Diese technische Wahl entspricht dem Bedürfnis nach größerer Schärfe, einer sorgfältigeren Kontrolle des Bildausschnitts und einem langsameren kreativen Prozess, während der Einsatz von Farbe immer systematischer wird.
Ausgehend von der unmittelbaren Umgebung von Cesena und unter Beibehaltung eines konstanten Fokus auf die Orte seines Lebens, weitet sich die von Guidi erforschte Geografie erheblich aus. Nachdem er sich mit Neapel beschäftigt hat, verlagert sich sein Fokus auf Triest, die Via Emilia, die Industriestadt Marghera und Graz bis hin zur Provinz Mailand. Trotz der Verwendung von Formaten wie dem 20x25-Format verzichtet Guidi nicht auf jene “Überschreitungen”, die seit jeher ein Kennzeichen seiner Auseinandersetzung mit der Sprache der Fotografie sind. Ein Beispiel dafür ist die Arbeit in Rubiera und Gibellina im Jahr 1989, wo er die Kamera zur Seite neigte und so völlig neue kompositorische Gleichgewichte erreichte. In Rimini (1991) entwickelte er durch selektive Fokussierung und Neigung einen “subjektiven” Blick, der die Aufmerksamkeit des Betrachters direkt auf den Akt des Sehens zurückführt.
Guidi hat auch die zahlreichen Aufträge zur Dokumentation von Architektur und Landschaft, die er von internationalen und italienischen Institutionen erhielt, mit einer wesentlichen Philosophie interpretiert: “Der Fotograf hat keine Ideen. Er muss sich an das anpassen, was da ist. Was kann ich damit machen?”. Zwischen 1993 und 1996 unternahm er eine Reise entlang der B1, die Kaliningrad und Santiago de Compostela verbindet, und erstellte einen noch nie dagewesenen Atlas der Räume zwischen den beiden Städten.
Im Bereich der Architektur bot ihm ein Auftrag des CCA in Montréal die Gelegenheit, mehrere Werke von Carlo Scarpa zu fotografieren, darunter das Grabmal von Brion. Bei dieser Arbeit versuchte Guidi, in den Denkprozess des Architekten einzudringen, und es gelang ihm, Konfigurationen von Licht und Materie zu entdecken, die von der Wissenschaft bis dahin unentdeckt geblieben waren. Anschließend richtete Guidi seinen Blick auf die Architektur von Meistern wie Le Corbusier, Mies van der Rohe und Álvaro Siza, wobei er Licht- und Schattenspiele, Geometrien, Codes und Details hervorhob, die er fast “trotz” der Autoren selbst identifizierte. Bei Guidi sind es die Meisterwerke dieser Architekten, die er in seine persönliche Landschaft integriert und nicht umgekehrt.
Die Komplexität und die theoretische Tiefe von Guidis Denken werden nicht nur durch die fotografischen Abzüge wiedergegeben, die in der vom Autor selbst kuratierten Ausstellung Col tempo über 350 Werke in 34 Sequenzen verteilen. Eine wesentliche Rolle spielen auch die Archivmaterialien und Vitrinen. Anhand von Notizbüchern, Manuskripten, Bänden aus seiner Bibliothek, Drucken und Exemplaren kann der Besucher die Entwicklung seiner Bildsprache nachvollziehen. Diese thematischen Dokumente offenbaren seine Referenzen, die von der Kunstgeschichte bis zu zeitgenössischen Meistern wie Carlo Scarpa und Walker Evans reichen, und geben einen Einblick in die technischen Aspekte des Druckens und des Experimentierens mit verschiedenen Kameras.
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