La lumière qui rend visible l'infini. Le Barlume de Claudio Olivieri


Claudio Olivieri (Rome, 1934 - Milan, 2019) est l'un des grands maîtres de la peinture analytique. Ses tableaux, comme "Barlume" de 1983, utilisent la lumière pour donner forme à l'invisible et à l'infini.

Avec sa peinture, Claudio Olivieri a cherché à donner forme à l’invisible. On pourrait résumer ainsi, en banalisant certes mais en donnant une image éclatante et efficace, une grande partie des recherches de ce grand artiste romain de naissance, mantouan d’adoption, milanais de formation et cosmopolite de culture, l’un des principaux représentants de la peinture analytique en Italie et ailleurs, même si l’artiste lui-même estimait que toute catégorisation était étroite et inadéquate. Quoi qu’il en soit, il a été l’un des artistes les plus cohérents et les plus constants de la seconde moitié du XXe siècle. La gloire de l’invisible, la lumière de l’invisible, la lumière insaisissable, l’infini visible: tels sont les titres de certaines des expositions de Claudio Olivieri qui ont eu lieu ces dernières années. Infinito visibile est la première exposition organisée après la mort de l’artiste en 2019: À Mantoue, la ville de sa mère, dans les salles du rez-de-chaussée du Palazzo Ducale, les Archives Claudio Olivieri ont fait une sélection d’œuvres allant des débuts aux phases extrêmes de son activité afin de rendre compte du parcours unique, libre, original d’un artiste qui, comme on peut le lire dans l’appareil d’accompagnement de l’exposition, a trouvé des termes d’expression dans son œuvre.L’exposition, qui l’accompagne, a trouvé des termes de comparaison sur tous les continents, se tenant au courant des résultats de la “Geplante Malerei” allemande, de la “Post-Paintterly Abstraction” américaine, et même de la “Dansaekhwa”, la peinture monochrome (c’est le sens du terme) qui a vu le jour en Corée du Sud dans les années 1970, et des expériences du groupe japonais Mono-Ha.

Qu’est-ce que l’invisible pour Claudio Olivieri? C’est d’abord, littéralement, ce qui se trouve au-delà du visible. Cela peut sembler paradoxal: une peinture qui tente de montrer ce qui ne peut pas être vu, ce qui se trouve au-delà des sens. Mais il y a aussi un “voir sans origine” selon l’artiste, et la peinture est l’instrument qui donne corps à ces visions qui ne reposent pas sur une réalité tangible, bien qu’elles ne transcendent jamais totalement le perçu. L’invisible est une dimension qui dépasse le phénoménal: dans l’invisible, il y a l’histoire, il y a la mémoire, il y a le mythe, il y a les souvenirs, il y a l’imaginaire, il y a la pensée, il y a l’essence de l’invisible.Il y a l’imaginaire, il y a la pensée, il y a par essence une réalité encore plus vaste et plus surprenante que celle que l’on peut toucher avec les sens. “C’est avec la peinture que les apparences se transforment en apparitions: ce qui est montré n’est pas la vraisemblance mais la naissance”, explique l’artiste dans l’une des réflexions que Matteo Galbiati a rassemblées dans un volume, Del resto, contenant une anthologie des écrits d’Olivieri et publié en 2018. Et c’est pour ces raisons que les titres des œuvres de Claudio Olivieri sont si évocateurs, liés à des visions, des rêves, des histoires, des personnages, des concepts philosophiques: Metempsychosis, Hera, Vanishing, Extreme, Finally, At Risk, Burning Byzantium. On comprend bien que l’urgence d’Olivieri est donc très concrète, à tel point que la peinture est pour lui un fait très physique. L’absolu qu’il recherche dans ses œuvres est en effet “quelque chose d’insaisissable, quelque chose qui ne peut pas être codifié dans une image, quelque chose qui ne peut pas être fixé sur un support matériel”, rappelait Silvia Pegoraro à l’occasion d’une exposition Claudio Olivieri organisée en 2002 à la Casa del Mantegna de Mantoue, mais la substance qui le fait émerger est vivante. Et par conséquent, Olivieri a voulu “imprimer au tableau l’infini, en accueillant l’essence changeante de la lumière”, expliquait Matteo Galbiati dans un article publié dans Espoarte quelques mois après la mort de l’artiste. Une lumière toujours vivante, palpitante. Physique et présente. Car la peinture, expliquait Olivieri lui-même, “c’est aussi le corps, la physicalité, la présence”.

Claudio Olivieri, Barlume (1983 ; huile sur toile, 260 x 170 cm). Avec l'aimable autorisation des Archives Claudio Olivieri. Photo de Fabio Mantegna
Claudio Olivieri, Barlume (1983 ; huile sur toile, 260 x 170 cm). Avec l’aimable autorisation des Archives Claudio Olivieri. Photo de Fabio Mantegna

C’est pourquoi la lumière est le médium avec lequel Olivieri donne forme à l’infini, à l’invisible. Une lumière délicate qui danse élégamment sur la surface de la toile, créant des “rideaux chromatiques” qui, comme l’écrit Giorgio Di Genova dans sa Storia dell’arte italiana del ’900, “bougent faiblement comme des voiles dans la brise”: le critique a cité Barlume de 1983 comme l’une des peintures qui illustrent le mieux la poétique de Claudio Olivieri. Faible lumière qui, dans ce tableau, se révèle presque hésitante, lumière qui pleut doucement d’en haut sans investir toute la surface, lumière qui s’attarde, créant des lueurs qui apparaissent peu à peu, des variations de vert, une lueur qui commence à se répandre timidement. Dans d’autres tableaux de Claudio Olivieri, la lumière est au contraire plus têtue et péremptoire, plus vive et plus intrusive, dans d’autres elle est presque complètement éteinte, parfois les lames lumineuses arrivent seules, parfois elles apparaissent par paires, montantes ou descendantes, presque toujours verticalement, comme dans Barlume. Les traces chromatiques imprimées par la lumière sont des “indices de l’ailleurs”, comme l’a bien défini Giorgio Verzotti.

Ce dévoilement de l’invisible, résultat de cette “investigation lucide et soufferte sur l’infinité de l’espace et la mutabilité de la lumière” (ainsi Fabrizio D’Amico dans l’introduction à l’exposition de Claudio Olivieri), est un véritable défi pour l’artiste.une exposition de Claudio Olivieri à la Galerie 21 de Livourne) qui a toujours caractérisé sa recherche, se déroule sous les yeux du spectateur avec une peinture non seulement évocatrice, non seulement qui transporte le spectateur dans une dimension lointaine et autre, mais aussi extrêmement minutieuse. Après un début de carrière caractérisé par des œuvres presque instinctives et beaucoup plus matérielles que celles qui marqueront plus tard la suite de son parcours, Olivieri, à partir des années 70, construit ses images avec des stratifications calibrées de couleurs, appliquées à l’aérographe (sans pour autant renoncer au pinceau ni même au chiffon) sur des fonds homogènes pour obtenir des voiles, des bandes lumineuses, des halos de différentes tailles qui s’organisent autour d’un point de focalisation. qui s’organisent autour d’un point d’origine, parfois en se densifiant, ou en s’éloignant, créant différents plans de profondeur, apparaissant et disparaissant dans de fascinants mouvements lumineux qui enregistrent les traces de l’infini, en capturent une partie, la montrent à l’observateur. Dans Barlume, par exemple, l’invisible se manifeste un instant et disparaît à nouveau, au milieu de la lumière qui s’incline vers l’obscurité, pour être ravivé à la fin par une dernière lueur.

Il est intéressant de rappeler que lors de l’exposition Infinito visibile, en automne, les matins clairs, des fenêtres des salles du Palais des Doges où a été créée “LaGalleria”, l’espace du musée réservé aux expositions d’art contemporain, il était possible de voir quelques rayons de soleil filtrer à travers les grilles et se poser sur les tableaux. Des parcelles d’infini et de non-visible interagissent de manière surprenante et inconsciente avec la peinture d’Olivieri, en rehaussant sa qualité, en soulignant la virtuosité de sa technique. Et deviennent de nouveaux interprètes de ses significations.


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