Le parc-musée Quinto Martini de Seano: la poésie de la simplicité

Lorsqu’on admire une sculpture de Quinto Martini, on peut parfois, à première vue, être envahi par la tentation de considérer son art comme une sorte de coda du vérisme du XIXe siècle, un art fortement ancré dans le référentiel naturaliste, un art de stricte mimésis, tout au plus adapté au goût dominant. En y regardant de plus près, on se rend compte que Quinto Martini est une figure assez complexe: c’est un artiste capable de transfigurer la réalité en poésie aux accents délicats, élégiaques et ancestraux. Il ne faut pas oublier non plus que Martini est un Toscan très attaché à sa terre et que, de son propre aveu, il n’a eu d’autres maîtres que la nature et l’Ardengo Soffici. Il a vingt ans, Quinto Martini, lorsque Vallecchi publie en 1928 Periplo dell’arte di Soffici: il a rencontré le peintre plus âgé quelques années auparavant, à Poggio a Caiano, à quelques centaines de mètres de sa Seano, et cette leçon marquera évidemment une grande partie de sa production future.

L’un des chapitres de Periplo dell’arte est consacré à l’association de la clarté et du réalisme: “le réalisme”, écrit Soffici, "est le concept de totalité, selon lequel la matière et l’esprit sont inséparables dans chaque entité vivante, la vérité et la fantaisie se complètent, et donc le monde extérieur et le monde intérieur, le sujet et l’objet. [Depuis les débuts de l’art jusqu’à il y a quelques années, les artistes, depuis l’inconnu des cavernes jusqu’à Degas, Renoir, Cézanne et Fattori, c’est-à-dire depuis plus de mille ans, se sont inspirés de la nature pour créer leurs œuvres, chacun dans son style particulier, avec l’accent caractéristique de son âme. Des mots que Quinto Martini a décidé de faire siens, car ils conviennent parfaitement à son art, un art d’une clarté cristalline et quotidienne qui traverse des siècles d’histoire de l’art, plongeant ses racines dans la statuaire étrusque magistralement interprétée, pour arriver à un présent où la présence monumentale est réservée à l’humanité quotidienne et avec lequel l’artiste célèbre la vie des plus humbles, leurs affections, leurs habitudes.

C’est en 1988 que le Parc-Musée “Quinto Martini” a été inauguré à Seano, né d’une initiative du maire de Carmignano de l’époque, Antonio Cirri, et d’une idée de l’artiste: le premier citoyen avait demandé à Martini une œuvre à placer sur la place de la ville, Piazza IV Novembre. Pourquoi alors ne pas élargir l’intention initiale et ouvrir un parc où l’on pourrait exposer un grand nombre de sculptures en bronze? C’est la contre-proposition de Quinto Martini, acceptée volontiers et avec enthousiasme par la municipalité: finalement, trente-six œuvres, issues de sculptures réalisées entre 1931 et 1988, ont été données par Martini à la municipalité et ont été installées sur les trente-deux mille mètres carrés du grand parc qui porte aujourd’hui le nom du sculpteur et peintre, l’un des plus grands d’Europe consacré à l’œuvre d’un seul artiste. La donation était liée à trois conditions: l’inclusion des œuvres dans un “espace circonstanciel”, un emplacement “connaturel au lieu” et la possibilité que la présence des œuvres soit faite “au bénéfice de tous”. Pour réaliser l’idée du grand jardin, qui se serait élevé à la place de certains champs incultes que personne n’utilisait plus, on fit appel à l’un des meilleurs architectes toscans de l’époque, Ettore Chelazzi, qui, avec Quinto Martini, imagina la forme à donner au parc: trois allées bordées d’arbres, où abondent chênes verts, peupliers, cyprès et autres essences typiques de la région, mènent à une vaste place centrale, où l’on arrive toujours accompagné par la présence douce et délicate des œuvres, qui n’abandonnent jamais le visiteur qui se promène dans les frondaisons.

Le parc-musée Quinto Martini à Seano

Le parc-musée Quinto Martini à Seano

Le parc-musée Quinto Martini à Seano

Le parc-musée Quinto Martini à Seano

Le parc-musée Quinto Martini à Seano

L’intégration entre la sculpture et l’espace est l’âme qui donne vie à ce lieu magique, lyrique, plein de poésie, une poésie de la simplicité: le parc est en soi un emblème du bien commun, du partage, un temple de la récréation mais aussi un lieu où l’on peut s’arrêter pour réfléchir, raisonner. C’est la partition sur laquelle prendra forme le récit de la terre toscane. Les collines qui l’entourent sont des “lieux de travail et de culture”, selon la formule utilisée par l’artiste lui-même. Elles rythment le récit. Les sculptures sont les vers de ce long poème dédié à la vie simple des habitants des zones rurales de Toscane. Mes sculptures", a déclaré Martini dans une interview accordée à La Nazione en 1988 et reproduite dans le catalogue du Parc-Musée dirigé par Marco Fagioli et Lucia Minunno, “veulent avant tout exprimer la vitalité simple de cette terre”. Il ne s’agit donc pas d’une délimitation de musée, mais d’une insertion appropriée dans cette nature d’où elles ont été tirées et où chacun peut avoir ses heures de liberté. Chacune de ces statues répond en moi par un son différent: différent parce qu’il s’agit du souvenir d’une situation particulière, d’une humeur particulière, d’un âge différent. Quand je viens ici, chacune me parle avec sa propre voix, qui est alors ma propre voix de l’époque. Chacune d’entre elles est l’enfant d’une époque différente de la mienne, sur laquelle, à distance, je ne peux même plus me concentrer précisément, peut-être parce que je n’ai jamais accordé d’importance à l’enregistrement du temps ou à ce qui se passait autour de moi".

Dans cette même interview, l’artiste a déclaré que les œuvres devraient toujours rester à l’endroit où elles ont été créées. C’est avec cette idée en tête que Martini a marqué la différence entre un parc et un musée: la sculpture, lorsqu’elle est placée dans une surface ouverte, active un échange direct avec le paysage environnant qui interagit avec elle (il suffit de penser aux conditions de lumière dans le parc, qui peut nous présenter la même sculpture sous des centaines de visages différents). La sculpture devient une présence sur le territoire, évoquant son histoire, un signe d’identification et d’appartenance, un symbole d’équilibre, un instrument de connaissance renouvelée, une lentille à travers laquelle lire les particularités de la terre qui l’accueille, un ruban qui lie à la fois la communauté, sa culture et son espace, établissant une relation profondément dialectique, un objet qui répond à une fonction sociale. L’ensemble des œuvres du parc compose un itinéraire symbolique qui se déroule par étapes évocatrices, capable d’entraîner le visiteur dans un voyage vers une dimension disparue, à travers l’histoire, dans les souvenirs d’une réalité rurale que la société productive d’aujourd’hui a pratiquement effacée. Ce n’est pourtant pas avec un air de nostalgie que l’on s’engage dans cet itinéraire, il n’y a aucune trace de mélancolie: Martini semble presque vouloir nous rappeler que, même si les époques changent et que les réalités se modifient, l’être humain a toujours une responsabilité incontournable envers son histoire et l’environnement qui lui permet de vivre.

Quinto Martini, Martinaccio (1981 ; bronze, 70 x 160 x 50 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Quinto Martini, Chasse au sanglier (1980 ; bronze, 93 x 150 x 46 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Quinto Martini, Canards amoureux (1981 ; bronze, 94 x 105 x 45 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Quinto Martini, Serpi in amore (seconde moitié des années 1950 ; bronze, 120 x 50 x 104 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Quinto Martini, À ma mère (fin des années 1950 ; bronze, 195 x 61 x 44 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Quinto Martini, Torse d’un joueur de bowling (1931 ; bronze, 57 x 44,5 x 104 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Quinto Martini, Fille endormie de Seano (1933 ; bronze, 80 x 53 x 77 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Quinto Martini, Chasseur (années 1880 ; bronze, 230 x 105 x 78 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Quinto Martini, Fille prenant l’oie (1972-1978 ; bronze, 75 x 37 x 148 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Quinto Martini, Printemps (1965 ; bronze, 190 x 61 x 56 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Il y a quatre entrées possibles dans le parc. On entre par l’entrée nord-est, où une double rangée de chênes verts mène à la première place, le long de laquelle se trouvent quelques exemples de la sculpture animalière que Quinto Martini a souvent pratiquée des années 1960 jusqu’à la fin de sa carrière, “de manière naturaliste”, écrit Marco Fagoli, “mais avec une marge de stylisation toujours orientée vers un sens attrayant, révélant ainsi la vive sympathie de l’artiste pour le monde animal”: Au début du parcours, le visiteur est accompagné d’un Martinaccio, ou gros escargot (“martinaccio” est le nom que les habitants de Seano donnent à l’animal dans leur langue vernaculaire), d’une Caccia al cinghiale (Chasse au sanglier ) avec un chien qui se jette sur le cochon effrayé pour le mordre (dans un formidable essai de sculpture en mouvement), puis d’un couple de Paperi in amore (Canards en amour). Les animaux (plus tard, vers la fin de l’exposition, nous verrons également un coq et deux élégants Serpents amoureux) sont un sujet qui tenait particulièrement à cœur à l’artiste, car, dans le monde coloré et multiforme de la nature, ils sont les êtres les plus proches et les plus semblables à l’homme, tout en exprimant ces valeurs de simplicité et de spontanéité qui étaient chères à Quinto Martini. Parmi les sculptures animales, on trouve un hommage maternel(To my mother), traduit par l’image quotidienne d’une mère faisant ses courses avec son bébé dans les bras.

Traverser la deuxième place, la plus grande des deux qui forment le parc, un grand ovale pavé, c’est comme s’immerger dans un morceau de la vie du village: Le torse d’un joueur de quilles est l’un des résultats les plus évidents de la culture antiquaire d’un Quinto Martini fasciné par les antiquités étrusques (on peut en dire autant de la fille seanaise endormie, portrait amusé d’un roturier assoupi) ; un chasseur se tient devant nous, les bras levés, exhibant sa proie inerte ; il y a une fille en train d’attraper une oie, bien que le titre ne rende pas justice à l’entêtement de l’oiseau qui échappe à la jeune femme qui lui court après pieds nus, il y a un Printemps tenant un bouquet de roses, il y a une Pauvre Mendiante obligée de marcher avec un carton sur la tête, surprise en train de tendre la main pour demander la charité aux passants, dans l’œuvre la plus touchante de tout le parc. C’est parmi ces sculptures que la poésie de Quinto Martini prend tout son sens: la place s’anime des figures de ses habitants, et l’on ne ressent jamais le sentiment de solitude que l’on éprouve parfois dans un musée, parce que les sculptures deviennent des présences vivantes, qui racontent une vie ordinaire et humble, marquée par les rythmes lents et doux de la campagne. Des présences vivantes qui évoquent peut-être des visages que Quinto Martini a réellement connus et dans lesquels les visiteurs d’aujourd’hui se reflètent peut-être: pour l’artiste, en effet, l’identification entre la statue et le sujet devait être totale. “Le public”, écrivait-il en 1953 dans une lettre au Nuovo Corriere, “s’est toujours approché des formes d’art où il se reconnaît, c’est-à-dire des expressions de la vie auxquelles il participe”. Il est impossible de ne pas trouver, parmi les arbres du parc, une raison de ne pas se reconnaître.

Il peut s’agir simplement d’un signe d’affection, comme dans Les amies, deux jeunes filles nues qui s’enlacent et se caressent avec un geste innocent d’une subtilité gracieuse, chaste et naïve, et la nudité devient une condition qui rehausse la pureté de leur sentiment. Ou comme dans la tendre Paternité, où le père regarde dans les yeux l’enfant qu’il tient dans ses bras. Ou un souvenir, peut-être évoqué par l’une des nombreuses figures féminines qui abondent dans la production de Quinto Martini et qui remplissent le parc d’une vénusté classique et harmonieuse: voir l’immédiateté d’Alcea, l’une des rares sculptures datées (elle date de 1945), bien que nous ne sachions pas pourquoi le sculpteur a voulu lui donner ce nom. Ou encore la pose échevelée et procupétrice de la Baigneuse, admirable exemple de la virtuosité à laquelle le modelage de Quinto Martini aurait pu aboutir, et où l’on perçoit aisément les échos d’un Aristide Maillol. Ou encore la musique qui semble sortir du Joueur de guitare, fortement redevable à la peinture de Picasso.

Enfin, il y a un groupe de sculptures à l’aura presque mystique et métaphysique, qui renvoient à une autre dimension, suspendue. Cela se passe dans uneAttente presque dechirienne, où une femme se laisse entrevoir entre les battants d’une porte: c’est “l’un des plus beaux exemples de la sculpture italienne de ces années-là”, a écrit Marco Fagioli. Il en va de même pour les sculptures qui interprètent les éléments de l’atmosphère, la pluie en particulier, que Quinto Martini adorait, au point de consacrer une de ses expositions au Palazzo Strozzi à ce thème. Ses Figures dans le brouillard, une mère tenant la main d’un enfant difficile à voir à cause de la brume qui les enveloppe tous les deux, sont parmi les résultats les plus informels de son art, mais cette concession ne perd pas de vue la boussole qui dirige l’art de Quinto Martini, et devient même un moyen d’expérimenter d’autres possibilités. Le sommet est peut-être atteint avec Pioggia (Pluie), un bas-relief aux lignes obliques (une intuition qui est venue à l’artiste en 1964: l’œuvre a été créée trois ans plus tard) où, au milieu des pluies diluviennes qui traversent la surface du bronze, on peut apercevoir la silhouette d’un personnage qui tente de se mettre à l’abri. Un Quinto Martini qui ne néglige pas la recherche de l’effet optique, qui élabore de nouvelles solutions pour impliquer encore plus l’observateur et qui tente ici de suggérer non seulement un événement, mais aussi un état d’esprit, en se référant à la tradition de la fin du XIXe siècle. “J’ai toujours aimé la pluie”, a-t-il déclaré lors d’une interview en 1988, “j’aime l’entendre taper sur la vitre parce que je suis né, comme on me l’a toujours dit, pendant un gros orage”.

Quinto Martini, Mendiant (1981 ; bronze, 185 x 51 x 58 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Quinto Martini, Les amis (1972-1978 ; bronze, 145 x 33 x 44 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Quinto Martini, Paternité (première moitié des années 1960 ; bronze, 187 x 61 x 50 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Quinto Martini, Alcea (1942 ; bronze, 72 x 37 x 130 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Quinto Martini, Baigneuse (première moitié des années 1940 ; bronze, 71 x 96 x 132 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Quinto Martini, Guitariste (1946 ; bronze, 89 x 90 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Quinto Martini, Attente (1981 ; bronze ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Quinto Martini, Figures dans le brouillard (1980 ; bronze, 178 x 79 x 43 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Quinto Martini, Pluie (1967 ; bronze, 155 x 99 cm ; Seano, Parco-Museo Quinto Martini)

Pour Quinto Martini, l’art signifiait aussi l’engagement civil (“un artiste qui s’engage envers lui-même, écrivait-il, s’engage envers la société”): c’est peut-être aussi pour cette raison qu’il a pris soin, à travers ses dessins, ses peintures et ses sculptures, de composer et de modeler des œuvres humbles, dépourvues de toute rhétorique, simples mais capables de fuir la banalité, de la marquer comme la pire des erreurs qui entravent le parcours d’un artiste. Et il est pertinent que pour Quinto Martini, l’engagement civil de l’art ne se soit pas résolu en un art de l’histoire, ni en un art de subtilités philosophiques, encore moins en un art politique, qui plus est dans les années où le rôle politique de l’art était au centre du débat culturel. L’art de Quinto Martini est totalement insensible à la contingence, et c’est derrière cet élément que se trouve l’engagement de l’artiste.

Pourtant, en se promenant dans le parc, on n’a même pas l’impression d’un homme détaché de son temps, qui a décidé de s’isoler dans sa campagne et de se retrancher derrière l’apparence de modestie timide que dégagent ses œuvres. Au contraire, c’est un artiste parfaitement inséré dans son environnement, c’est un homme conscient des problèmes de son temps, c’est un intellectuel qui connaît la portée de l’avant-garde. Mais dans son art, le présent prend les dimensions absolues de la poésie, il en touche les sommets. Aussi aimons-nous peut-être imaginer Quinto Martini derrière une fenêtre, un jour de pluie, cette pluie qu’il aimait tant, observant sa campagne, réfléchissant à la poésie verbale qu’il devait sûrement connaître et essayant de la décliner à sa manière, sur ses feuilles alternant vers et dessins, pour composer des textes inspirés par les jours de sa terre, par le temps, par la vie: “J’aime la pluie / le brouillard / le vent le jour / la nuit / le froid et le gel / en hiver / la chaleur torride / en août / le silence de la neige / les vaches maigres et grasses / qui naît qui meurt / je me réjouis du printemps / j’aime l’automne / la fin de l’année / l’année qui naît / fleurs et épines. qui naît / les fleurs et les épines / le long du chemin / tout me rend plus vivant / la vie qui passe / marcher ne fatigue pas / ni chiffres ni dates / dans mon esprit / tout visuel / les jours meurent / les images restent / pour me rappeler les souvenirs / marcher ne fatigue pas”.

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