Mode et art. Un débat toujours ouvert ?

Au cours du XXe siècle, l’un des grands mérites de la mode (et de la photographie de mode) a été de jouer un rôle clé dans la popularisation de l’art, en aidant à diffuser des motifs artistiques dans des groupes sociaux avec lesquels il était plus difficile d’entrer en contact.

De nombreuses maisons de haute couture, comme Dior, Chanel, Jean Paul Gaultier, Louis Vuitton, collaborent aujourd’hui avec des artistes non seulement pour la production de leurs vêtements, mais aussi pour l’exécution de campagnes photographiques, la mise en place de défilés de mode et la promotion des collections. Le cas de Dior est peut-être le plus emblématique. Christian Dior, fondateur de la maison de couture qui porte son nom, était un admirateur de l’art, un ami de nombreux grands noms de l’avant-garde du début du XXe siècle: Salvador Dalí, Pablo Picasso, Juan Miró, Max Ernst, Giorgio De Chirico. L’association de l’art et de la mode a toujours été présente dans l’histoire de la maison de couture, de Marc Bohan, qui a créé en 1984 une collection basée sur les œuvres de Jackson Pollock, à Gianfranco Ferré, directeur de la création de Dior au début des années 1990, dont les collections étaient ouvertement inspirées par Titien, Rembrandt, Cétanne, à John Galliano qui avait réinterprété Gustav Klimt en 2008, jusqu’aux directeurs de la création des dix dernières années, Raf Simons et Maria Grazia Chiuri, qui ont noué des collaborations avec des artistes tels que Sterling Ruby, Pietro Ruffo, Marinella Senatore, Sharon Eyal, Paola Mattioli, Matteo Garrone.

Les robes de Marc Bohan inspirées par Jackson Pollock (1984)

Robes de John Galliano inspirées par Gustav Klimt (2008)

S’il est vrai que la mode a presque toujours cherché à construire des canaux de confrontation avec l’art, pour ce dernier, la mode a représenté un terrain de débat critique qui a souvent conduit à mettre l’accent sur son autre rôle, notamment en termes de commercialisation.

Le débat entre l’art et la mode, fondamental pour les mouvements artistiques du XXe siècle, s’est exprimé pour la première fois en 1863, lorsque Charles Baudelaire, dans son essai Le peintre de la vie moderne, dans lequel il conçoit pour la première fois l’idée du flâneur, se réfère à la mode et à l’art.Charles Baudelaire, dans son essai Le peintre de la vie moderne, dans lequel il conçoit pour la première fois l’idée du flâneur, parle de “gravité dans le frivole” et suggère une nouvelle prise de conscience de la mode en tant que paradis artificiel avec lequel s’habiller dans la modernité. La mode comme attitude moderne: une façon de penser, de sentir et d’agir dans la modernité, avec une allusion évidente au travail de Charles Frederick Worth, le premier à avoir créé une maison de couture à Paris en 1858. Anticipant les temps, Baudelaire était bien conscient que le phénomène de la mode allait bientôt, dans un certain sens, populariser et commercialiser le travail des artistes.

Les avant-gardes historiques et les mouvements culturels du début du XXe siècle ont souvent et volontiers dialogué avec la haute couture, même si ce dialogue est toujours resté marginal dans l’histoire de l’art et la critique d’art. On ne se souvient pas toujours, en effet, que les futuristes avaient écrit deux manifestes sur ce sujet: Il vestito antineutrale (1914) et Il manifesto della moda femminile futurista (1920), auxquels Giacomo Balla lui-même avait apporté une contribution importante.

Une autre expérience de combinaison entre l’art et la mode a été entreprise par la peintre Sonia Delaunay, dont la Boutique Simultané (organisée en collaboration avec le couturier Jacques Heim) a été présentée dans la section mode de l’Exposition internationale de 1925 à Paris. L’intention de la peintre était de traduire ses tableaux en tissus et en vêtements destinés à exprimer la frénésie de la modernité. La contribution de Delaunay aux costumes du premier spectacle Dada de Tristan Tzara, Le Cœur à gaz, en 1923, qui, un peu plus de cinquante ans plus tard, inspirera les vêtements de David Bowie et de Klaus Nomi, n’est pas moins importante.

Salvador Dalí, adepte du surréalisme, avait également collaboré dans les années 1930 avec Elsa Schiaparelli, pour laquelle il avait créé le “chapeau-chaussure” (1937), la “robe en organza avec homard” (1937) et la “robe-larme” (1938).

Des sociologues et critiques culturels tels que Georg Simmel et Walter Benjamin ont écrit sur la mode, affirmant qu’elle était l’un des principaux moyens par lesquels la modernité se manifestait, et qu’elle contribuait à construire son identité et l’“esprit du temps”.

Les costumes de Sonia Delaunay pour Le cœur à gaz de Tristan Tzara (1923)

Elsa Schiaparelli et Salvador Dalí, Robe homard (1937)

Elsa Schiaparelli et Salvador Dalí, Robe Lacrima (1938)

Il existe deux points de non-retour dans la relation entre l’art et la mode et tous deux sont liés à deux magazines: dans le premier cas, c’est l’œuvre d’art qui est représentée dans un magazine de mode; dans le second, c’est un vêtement de haute couture qui apparaît pour la première fois sur la couverture de l’un des magazines d’art contemporain les plus importants de ces cinquante dernières années.

1951 est l’année où le photographe Cecil Beaton réalise une séance photo pour le magazine Vogue, à la galerie Betty Parsons de New York, devant deux tableaux renversés de Jackson Pollock, qui servent ici de toile de fond à la présentation de vêtements féminins dernier cri. L’historien de l’art T.J. Clark a vivement critiqué cette tentative de relier l’art à l’industrie culturelle que représentent Vogue et le monde de la mode. Au début des années 1960, la réflexion sur l’art commercial et la transformation de la mode en art a été approfondie par la culture “pop” et ses artistes qui ont tenté de remettre en question la distinction entre haute et basse culture, refusant délibérément de faire la distinction entre le dessin d’un vêtement de mode et l’œuvre d’art elle-même, comme ce fut le cas avec Andy Warhol et sa Robe Souper (1961). Le débat s’est focalisé sur un élément dont l’industrie de la mode pourrait tirer profit et avec lequel l’art devrait éventuellement rivaliser.

En 1982, une robe du créateur japonais Issey Miyake a fait la couverture d’Artforum International. L’éditorial de ce numéro porte les signatures de l’écrivaine américaine Ingrid Sischy et du critique d’art italien Germano Celant, qui affirment que la mode peut être considérée comme un nouveau type de “production artistique qui conserve son autonomie alors qu’elle entre dans la culture de masse à la frontière indistincte de l’art et du commerce” (Artforum International, Editorial, février 1982). Tous deux ont compris que c’est le pop art qui, le premier, a brisé les hiérarchies entre “le haut et le bas, le pur et l’impur” et “l’inutile et l’utile”.

À partir de cette reconnaissance officielle dans les pages du magazine d’art contemporain, certaines pièces de haute couture devenues historiques, comme les pièces d’Yves Saint Laurent de 1965 inspirées des œuvres de Piet Mondrian, commencent à être exposées et achetées par des musées d’art contemporain, comme ce fut le cas pour le Met et la rétrospective Yves Saint Laurent en 1983.

Une des photographies de Cecil Beaton pour Vogue (1951)

Andy Warhol, The Souper Dress (1966-1967 ; New York, The Metropolitan Museum)

La couverture d’Artforum International, février 1982

La robe d’Yves Saint Laurent inspirée de Mondrian. Photo de François Larry

Melissa Marcello, Le guerrier, autoportrait (2021)

Melissa Marcello, Nature (2020)

Melissa Marcello, Rouge (2020)

Parallèlement, la photographie de mode a également fait l’objet d’une attention croissante, avec plusieurs expositions importantes, comme celle du MoMA en 2004. Ce retard dans l’exposition par rapport à la “photographie d’art” montre qu’il a fallu beaucoup de temps avant que la photographie de mode ne soit considérée comme une forme d’art. Très souvent, elle a été exclue des grandes expositions photographiques parce qu’elle était considérée comme trop commerciale. Aujourd’hui, il est important de considérer comment, dans la mesure où la photographie de mode est de plus en plus acceptée en tant qu’art, la mode elle-même semble progressivement évoluer dans la même direction.

Ces dernières années, les photographes de mode se sont de plus en plus intéressés au monde de la photographie d’art dans le but d’abolir les différences entre la “haute photographie” et la “basse photographie”. Le médium est utilisé par des photographes professionnels pour des campagnes de mode (comme dans le cas susmentionné de Paola Mattioli pour Dior), mais aussi par des photographes émergents pour des projets qui combinent l’art pictural, la haute couture et la photographie, comme UTPICTURA de la photographe de mode milanaise Melissa Marcello. UTPICTURA réunit l’art et la haute couture, réinterprétant le passé de manière contemporaine avec l’intention de déconstruire le portrait photographique pour obtenir une nouvelle image matérielle qui ne contient qu’un souvenir du monde passé, sans en être une copie fidèle. L’un des objectifs du projet de Melissa Marcello est de rendre le portrait, qui d’un point de vue artistique a toujours été un genre élitiste, accessible au plus grand nombre, en donnant à chacun la possibilité d’en faire partie.

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