Un voyage à travers les thèmes des premiers chefs-d'œuvre de Rembrandt van Rijn

En se promenant dans les rues deLeyde (Leiden en néerlandais), on peut encore respirer l’atmosphère de RembrandtHarmenszoon van Rijn (Leyde, 1606 - Amsterdam, 1669), le célèbre peintre néerlandais auquel la ville a donné naissance en 1606. Une plaque apposée sur l’immeuble où il est né commémore cet événement survenu le 15 juillet de cette année-là et, de là, il est naturel de partir à la recherche des lieux qui lui sont liés, comme l’église où il a été baptisé, l’école latine que l’artiste a fréquentée et l’atelier où il a commencé à travailler en tant qu’apprenti, aujourd’hui connu sous le nom d’Atelier Rembrandt. Cependant, contrairement à JanVermeer (Delft, 1632 - 1675) qui est né à Delft et y est resté toute sa vie, Rembrandt n’a passé son enfance et sa jeunesse qu’à Leyde, jusqu’en 1631, date à laquelle il s’est installé à Amsterdam.

Fils d’un meunier et d’une fille de boulanger, Rembrandt reçoit une éducation de haut niveau grâce à la bonne situation financière de sa famille: Il entre à l’école latine, l’école d’élite de la ville, et s’inscrit à l’université de Leyde, considérée comme la plus ancienne des Pays-Bas, mais il n’y étudie que peu de temps, car il sent que sa grande passion, celle de la peinture, deviendra sa profession ; il est donc déjà convaincu que sa voie sera celle de l’art. Il commence donc à travailler dans l’atelier d’un peintre local, Jacob van Swanenburg (Leyde, 1571 - 1638), qui se consacre principalement à la peinture d’histoire, et reste trois ans auprès de son maître. Il effectue ensuite un apprentissage court mais intensif de six mois à Amsterdam auprès du peintre Pieter Lastman (Amsterdam, 1583 - 1633). Il retourne ensuite dans sa ville natale et décide d’ouvrir son propre atelier en 1624-1625, qu’il partage avec un autre artiste, son ami Jan Lievens (Leyde, 1607 - Amsterdam, 1674), et environ deux ou trois ans plus tard, il commence à prendre des élèves à son compte. Gerrit Dou (Leyde, 1613 - 1675) est l’un d’entre eux. Mais la fortune lui vient providentiellement en 1629, lorsqu’il est découvert par Constantijn Huygens, un homme d’État réputé qui, grâce à ses connaissances, assure à l’artiste des relations de mécénat avec la cour, à tel point qu’il continue à produire des tableaux pour le prince Frédéric-Henri d’Orange jusqu’au milieu des années 1640. La relation avec la cour hollandaise perdure donc même lorsque Rembrandt quitte Leyde pour Amsterdam.

Les œuvres réalisées à Leyde sont donc celles de sa jeunesse, de ses débuts, au cours desquels il a néanmoins jeté les bases de son activité artistique future, mais dans lesquelles ses grandes compétences picturales et sa propension à l’expérimentation et à l’innovation permanentes sont déjà évidentes. En effet, Rembrandt était un artiste qui ne s’est jamais contenté d’atteindre un certain stade, que ce soit dans la technique ou dans la représentation des thèmes les plus divers: sa vie a été caractérisée par un désir constant d’en faire toujours plus, d’aller au-delà de ce qu’il avait déjà expérimenté pour faire face à de nouvelles épreuves et perspectives.

Dans la grande exposition que Leyde lui consacre jusqu’au 9 février 2020, dans les salles du musée De Lakenhal, intitulée Young Rembrandt. Étoile montante, à l’occasion du 350e anniversaire de la mort de Rembrandt, l’intention des commissaires était de raconter l’ activité de jeunesse de l’artiste, qui présentait déjà toutes les conditions préalables à sa carrière extraordinaire qui l’inscrirait à jamais dans l’aura des plus grands peintres de l’art hollandais et de son âge d’or.

À l’occasion de l’exposition, des peintures, dessins et gravures de ses premières années sont revenus à Leyde, grâce au commissariat résultant d’une importante collaboration internationale entre le Museum De Lakenhal et l’ Ashmolean Museum d’Oxford, mais les peintures proviennent de musées du monde entier, notamment de la National Gallery Ireland de Dublin, de la Gemäldegalerie à Berlin, le Musée Jacquemart-André à Paris, le Metropolitan Museum à New York, la National Gallery à Londres, le J.Paul Getty Museum de Los Angeles, ainsi que des collections privées. Outre les œuvres de Rembrandt, des peintures de Van Swanenburg, Lastman et Lievens ont également été exposées pour mieux contextualiser cette période.

Dans le cadre d’une exposition de chefs-d’œuvre aux couleurs vives, on peut percevoir la grande variété de sujets que Rembrandt avait déjà représentés dans ses jeunes années, des autoportraits aux portraits, des thèmes allégoriques aux sujets bibliques et mythologiques.

La première œuvre connue de l’artiste, conservée au musée de Lakenhal , a un thème allégorique: il s’agit du Vendeur de spectacles, plus connu sous le nom d’ Allégorie de la vue, qui fait partie d’une série dans laquelle Rembrandt représente les cinq sens. La femme de droite, une marchande ambulante, tend une paire de lunettes à un vieil homme qui lui fait signe qu’il en a besoin ; à ses côtés, une femme tient ses yeux très serrés, presque fermés, en signe de cécité. On a suggéré que le couple de vieillards, aux traits plutôt caricaturaux, était en fait le père et la mère de l’artiste. L’œuvre date d’environ 1624, lorsque Rembrandt, de retour de son bref apprentissage à Amsterdam, décide d’ouvrir son atelier.

Deux ans plus tard, en 1626, se trouve au musée de Leyde un autre tableau, prêté par l’Agence du patrimoine culturel des Pays-Bas: Peinture historique, dont le sujet n’a pas encore été clairement défini, mais qui est significatif car l’artiste s’y représente lui-même, c’est-à-dire l’homme derrière le sceptre du souverain. C’est ainsi que commence sa vaste production d’autoportraits: sur l’ensemble de son activité artistique, on en dénombre une centaine, peintures et dessins confondus ; il est probablement le peintre qui s’est le plus représenté.

L’exposition juxtapose le petit Autoportrait de 1628 du Rijksmuseum d’Amsterdam au Portrait de Rembrandt réalisé vers 1629 par Jan Lievens: dans le premier, le jeu d’ombre et de lumière est perceptible, le visage étant plongé dans l’ombre et la lumière éclairant sa joue, tandis que dans le second, les tons bruns sont joués, mais la lumière est plus vive.

Entre 1628 et 1631, Rembrandt réalise des dizaines et des dizaines de gravures le représentant dans les expressions les plus variées, expérimentant différents effets et techniques.

Rembrandt, Vente de verres (vers 1624 ; huile sur panneau, 21 x 18 cm ; Leyde, Museum de Lakenhal)

Rembrandt, Peinture historique (vers 1626 ; huile sur panneau, 90 x 122 cm ; Leyde, Museum de Lakenhal)

Jan Lievens, Portrait de Rembrandt van Rijn (1629 ; huile sur panneau, 57 x 44,7 cm ; Amsterdam, Rijksmuseum)

Outre les autoportraits, Rembrandt s’est consacré aux portraits d’ hommes et de femmes. Parmi les œuvres exposées, le Noble Oriental de 1632, provenant du Metropolitan Museum de New York, et deux gros plans de femmes placés l’un à côté de l’autre, le Portrait d’une femme de quatre-vingt-trois ans et le Portrait d’une femme exécuté en 1633. Le premier, conservé à la National Gallery de Londres, date de 1634. La dame âgée représentée, qui attire l’attention de l’observateur par son regard pénétrant, a été identifiée comme Aertgen Claesdr, mère du brasseur Dirck Jansz Pesser de Rotterdam, et le tableau a peut-être été peint au cours d’un voyage d’affaires dans la ville en juillet 1634. La femme est vêtue de noir, avec une collerette blanche autour du cou, qui contraste avec la couleur sombre de sa robe, et une coiffe hollandaise caractéristique, également blanche. L’œuvre est donc construite sur un fort contraste entre le clair et l’obscur et la figure semble émerger de l’ovale dans une sorte d’effet tridimensionnel. Les traits du visage sont prononcés, en particulier le nez et le menton ; on perçoit l’intention de représenter une femme âgée à la peau du visage et aux cheveux gris que l’on voit poindre sous la coiffe. Le Portrait de la collection privée, en revanche, représente une femme plus jeune: sa peau est lisse et rougie sur les joues, ses cheveux sont bruns ; elle regarde directement le spectateur, contrairement au tableau précédent dans lequel le regard de la femme âgée était détourné vers le bas. Sa tenue vestimentaire indique clairement qu’elle fait partie de l’élite amstellodamoise: elle porte un large gorget avec une fine chaîne en or et une coiffe finement brodée sur la tête. À l’origine, le tableau était accompagné d’un pendentif représentant son mari. Deux portraits ordinaires pour son travail de peintre de l’époque, mais qui fascinent quiconque les observe en raison de leur raffinement minutieux et, dans les deux cas, du contraste que l’artiste a voulu créer entre la robe noire et le gorget et la coiffe blancs.

Comme nous l’avons déjà dit, Rembrandt a traité les thèmes les plus divers: des tableaux allégoriques comme l’Allégorie de la vue, des tableaux historiques comme le Tableau historique du musée de Lakenhal, ainsi que des tableaux bibliques comme Laissez venir à moi les enfants, peint vers 1627 (et récemment attribué à Rembrandt), consacré au passage de l’Évangile dans lequel Jésus bénit un groupe d’enfants et leur enseigne la vie. Cette œuvre comprend également un autoportrait de l’artiste, à savoir le jeune homme représenté en haut du groupe, au-dessus des personnages vêtus à l’orientale. Ou Christ à Emmaüs , vers 1628, conservé au musée Jacquemart-André à Paris.

Rembrandt, Noble oriental (1632 ; huile sur toile, 152,5 x 124 cm ; New York, Metropolitan Museum of Art)

Rembrandt, Portrait d’une femme de quatre-vingt-trois ans (1634 ; huile sur panneau, 71,1 x 55,9 cm ; Londres, National Gallery)

Rembrandt (attribué), Sinite parvulos venire ad me (vers 1627-1628 ; huile sur toile ; collection privée)

Rembrandt, Christ à Emmaüs (1629 ; huile sur papier, 39 x 42 cm ; Paris, Musée Jacquemart-André)

Rembrandt, Viol d’Europe (1632 ; huile sur panneau, 62 x 77 cm ; Los Angeles, J. Paul Getty Museum)

Enfin, les peintures à caractère mythologique, comme le Viol d’Europe du J. Paul Getty Museum de Los Angeles, achevé en 1632. L’artiste avait déjà travaillé sur la représentation de l’enlèvement de figures féminines, notamment le Viol de Proserpine (spécimen de 1630 exposé à la Gemäldegalerie de Berlin), mais en mettant sur toile le Viol d’Europe , il a réalisé l’une de ses peintures les plus raffinées. Dans l’eau, Europe, vêtue de somptueux habits, a déjà été enlevée par Zeus sous les traits d’un taureau et se retourne, effrayée, vers les personnes restées sur le rivage: deux jeunes femmes plus proches de l’eau, elles aussi vêtues de luxueux vêtements aux brocarts et aux profils dorés, dont l’une lève les bras au ciel comme pour crier visiblement son désespoir, laissant tomber la guirlande de fleurs qu’elle s’apprêtait à tresser, et le couple resté près de la calèche: le cocher se lève immédiatement et assiste avec effroi à l’enlèvement sans pouvoir faire quoi que ce soit pour sauver la jeune fille. Une scène soudaine où l’on perçoit l’excitation et le désespoir des personnes présentes et la terreur de la jeune fille enlevée. À l’arrière-plan, l’artiste représente les contours d’une ville enveloppée de brouillard, donnant l’illusion d’une Tyr antique (Europe était sa princesse) mais aussi d’une Amsterdam du XVIIe siècle.

Un excursus d’œuvres pour dire combien l’activité de jeunesse de Rembrandt, qui s’est déroulée presque entièrement dans sa ville natale, était hors du commun.

Avertissement : la traduction en anglais de l'article italien original a été réalisée à l'aide d'outils automatiques. Nous nous engageons à réviser tous les articles, mais nous ne garantissons pas l'absence totale d'inexactitudes dans la traduction dues au programme. Vous pouvez trouver l'original en cliquant sur le bouton ITA. Si vous trouvez une erreur,veuillez nous contacter.