Bruno Fantelli und das Projekt eines Kunsthauses in einem Schloss im Monferrato: Der Künstler kommt zu Wort

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Für den Künstler Bruno Fantelli (Cles, 1996) scheint die Malerei keine spontane Entscheidung gewesen zu sein, sondern vielmehr die Fortsetzung einer bereits seit seiner Kindheit gepflegten Neigung: das Zeichnen, Bauen und Verändern dessen, was sich ihm bot. Ausgebildet an der Akademie der Schönen Künste in Venedig, im Atelier F von Carlo Di Raco, hat Fantelli eine künstlerische Praxis entwickelt, die Malerei, Skulptur und Installation umfasst und eine Vorstellungswelt erschafft, die von Monstern, Hybriden und flüchtenden Figuren bevölkert ist. Ein Universum, in dem kunsthistorische Bezüge – von Bosch bis Goya, von Ensor bis Bacon – mit scheinbar weit entfernten Impulsen zusammenfließen: von der Landschaft bis zur Technologie, vom Konsumismus bis zum Massentourismus. Nach den Jahren in Venedig, den Künstlerresidenzen und Ausstellungserfahrungen in Italien und im Ausland kam er 2025 für einen Aufenthalt nach Frinco und beschloss anschließend, sich in der kleinen piemontesischen Gemeinde niederzulassen. Hier nahm „RADICI“ Gestalt an . „Genealogia di un mostro“(Genealogie eines Monsters), eine Ausstellung, die vom 19. September bis zum 19. Oktober 2026 im Castello di Frinco (Asti) zu sehen ist und sich aus den Werken von über hundert Künstlern zusammensetzt, die zu unterschiedlichen Zeiten und auf unterschiedliche Weise seinen Werdegang geprägt haben. Eine bewusst persönliche und nicht abschließende Genealogie, die zugleich Anlass gibt, über die Entwicklung eines Künstlers und die Beziehungen nachzudenken, die seine künstlerische Suche bestimmen. In diesem Interview mit Noemi Capoccia spricht Fantelli über die Persönlichkeiten, die ihn geprägt haben, über das Verhältnis zwischen Zentrum und Peripherie, über die Möglichkeiten, die Residenzen und Kooperationen bieten, aber auch über die Widersprüche des italienischen Kunstsystems, vom Wettbewerb bis hin zu den wirtschaftlichen Bedingungen der Künstler. Im Mittelpunkt steht weiterhin die Idee, in Frinco einen unabhängigen Raum zu schaffen, der Künstler, Ausstellungen, Begegnungen und Projekte beherbergen kann: einen Ort, der zu einem integralen Bestandteil seiner künstlerischen Arbeit werden und den Namen „Kunsthaus Fantelli“ tragen soll.

NC. Wie hat Ihr künstlerischer Werdegang begonnen? Welche Erfahrungen und Begegnungen haben dazu beigetragen, Sie zur Kunst zu führen?

BF. Ich glaube, es begann schon lange bevor mir wirklich bewusst wurde, dass dies mein Lebensweg werden könnte. Ich habe schon immer gezeichnet, Dinge gebaut, Objekte verändert – dabei fiel es mir schwer, das, was ich vor mir hatte, einfach so zu lassen, wie es war. Noch vor der Akademie waren einige Lehrer am Gymnasium wichtig für mich, insbesondere Fabio Seppi, Massimo Parolini und Nicola Loizzo. Wenn man noch sehr jung ist, reicht es schon, jemanden zu treffen, der etwas in dem sieht, was man tut – vielleicht sogar noch bevor man es selbst klar erkennen kann –, um den Lauf der Dinge erheblich zu verändern. Jeder von ihnen hat mich auf seine Weise dazu gebracht, das, was ich tat, ernster zu nehmen. Dann kam die Akademie der Schönen Künste in Venedig. Ich habe Malerei studiert, und die Begegnung mit Carlo Di Raco und dem Atelier F war entscheidend. Dort habe ich verstanden, dass eine Ausbildung nicht einfach bedeutet, das Malen zu lernen. Es bedeutet, sehr viel zu beobachten, sich auszutauschen, zu diskutieren, Fehler zu machen, zu sehen, wie andere arbeiten, und vor allem zu begreifen, dass es nicht nur einen einzigen richtigen Weg gibt. Venedig war dann so etwas wie eine zweite Akademie. Ausstellungen, Ateliers, Biennalen und Werke, die ich miterlebte, während sie entstanden. Vieles von dem, was mich geprägt hat, habe ich nicht im Unterricht gelernt, sondern durch Gespräche, Nächte im Atelier oder Fehler, die im Moment wie Katastrophen erschienen und einige Jahre später plötzlich nützlich wurden. Letztendlich glaube ich, dass mein Weg genau so entstanden ist: indem ich viele Dinge tat, ohne genau zu wissen, wohin sie mich führen würden. Und vielleicht arbeite ich immer noch auf dieselbe Weise.

Nach seiner Ausbildung an der Akademie der Bildenden Künste in Venedig und den Jahren, die er in der Lagunenstadt verbrachte, kam er 2025 für einen Künstleraufenthalt nach Frinco und beschloss schließlich, in die Gegend zu ziehen. Welche Rolle hat dieser Ort auf Ihrem Weg und in Ihrer künstlerischen Suche gespielt?

Ich kam 2025 für einen Künstleraufenthalt nach Frinco. Hätte mir jemand gesagt, dass ich ein Jahr später hier ein Haus kaufen und herziehen würde, hätte ich ihm wahrscheinlich ins Gesicht gelacht. Und doch ist es passiert. Ich war viele Jahre lang in Venedig, einer außergewöhnlichen, aber extrem dicht besiedelten Stadt, in der man ständig mit Bildern, Menschen, Kunst, Geschichte und Anregungen konfrontiert ist. Frinco ist fast das Gegenteil davon, und vielleicht hat es mich gerade deshalb so sehr beeindruckt. Hier habe ich Raum, Stille und eine sehr direkte Verbindung zur Umgebung und zu den Menschen gefunden. Das Schloss hat dabei sicherlich eine entscheidende Rolle gespielt. An einem Ort mit einer so starken Geschichte und Identität zu arbeiten, hat in mir sofort den Wunsch geweckt, mir etwas Größeres vorzustellen. Ich neige wohl dazu, Projekte zu planen, die in keinem Verhältnis zu den mir zur Verfügung stehenden Mitteln stehen – daher würde ich sagen, dass das Schloss zur richtigen Zeit am richtigen Ort war. Mich fasziniert auch die Geschichte, die das Schloss in sich trägt. Während des Ersten Weltkriegs diente es als Gefangenenlager für Hunderte österreichisch-ungarischer Soldaten. In dieser äußerst schwierigen Situation entstanden dennoch Formen des Austauschs zwischen den Gefangenen und den Dorfbewohnern. Einige fertigten kleine Gegenstände aus Holz an, darunter geschnitzte Schachteln und Tabakdosen, die dann in den Besitz der Familien aus Frinco gelangten. Ich stelle mir gerne vor, dass das Schloss auch heute noch diesen Austausch zwischen denjenigen, die zum Arbeiten hierherkommen, dem Dorf und den Besuchern fördern kann. Auch die jüngste Geschichte des Schlosses beeindruckt mich sehr. Nach dem Einsturz im Jahr 2014 und den daraus resultierenden Schwierigkeiten für die Altstadt setzte sich Luigi Ferrero dafür ein, dass die Gemeinde das Schloss erwerben konnte. Der Prozess wurde 2019 abgeschlossen, genau zu dem Zeitpunkt, als er zum Bürgermeister gewählt wurde, und von da an begannen die Arbeiten, das Schloss zu sanieren und dem Dorf zurückzugeben. Ich finde es sehr schön, dass ein Ort, der Gefahr lief, nur noch ein Problem zu werden, stattdessen wieder zu einem lebendigen Ort geworden ist. Heute leitet er zusammen mit dem stellvertretenden Bürgermeister Davide Riva eine Verwaltung, die ich als sehr fortschrittlich und kulturfreundlich empfinde. Sie haben an die Projekte geglaubt und mir eine Freiheit gewährt, die ich keineswegs als selbstverständlich betrachte, vor allem in einer so kleinen Gemeinde. Auch das hat mir klar gemacht, dass ich nicht einfach nur durch Frinco ziehen, eine Residenz absolvieren und dann wieder weggehen wollte. Ich begann zu denken, dass es ein Ort werden könnte, von dem aus ich weiterhin Werke schaffen, aber auch Ausstellungen, Begegnungen und Gelegenheiten für andere Menschen gestalten könnte. Frinco ist für mich kein Rückzugsort abseits der Kunstwelt geworden. Ich möchte, dass es genau das Gegenteil ist: ein kleiner Ort, von dem aus man versucht, ganz große Dinge ins Rollen zu bringen.

Sie sind dreißig Jahre alt und verspüren das Bedürfnis, Ihre Wurzeln durch über hundert Künstler in der Ausstellung „RADICI. Genealogia di un mostro“zu erzählen , die im Castello di Frinco im Monferrato bei Asti zu sehen ist. Woher kommt dieses Bedürfnis?

Die Idee, eine große Gemeinschaftsausstellung zu realisieren, schwirrte mir schon seit einiger Zeit im Kopf herum, auch wenn ich noch nicht genau wusste, welche Form sie annehmen würde. In diesem Jahr hatte mir der Bürgermeister von Frinco vorgeschlagen, für eine neue Künstlerresidenz wieder dieselben Räumlichkeiten im Schloss wie im Vorjahr zu nutzen. Das war eine sehr schöne Möglichkeit, aber ich dachte, es wäre noch interessanter, die Gelegenheit zu nutzen, um etwas anderes zu machen. Anstatt allein in diese Räume zurückzukehren, wollte ich versuchen, Menschen dorthin mitzunehmen, die direkt oder indirekt dazu beigetragen hatten, mich zu dem zu formen, der ich geworden bin. Daraus entstand dann tatsächlich „RADICI“. Es war mir wichtig, einen Moment innezuhalten und zu versuchen zu verstehen, woher das kommt, was ich tue. Daher auch der Untertitel: „Genealogie eines Monsters“. Ich stelle mir meine Suche als ein Wesen vor, das im Laufe der Zeit aus unzähligen verschiedenen Teilen zusammengesetzt wurde. Einige sind noch deutlich erkennbar, andere haben sich so sehr vermischt und verformt, dass ich wahrscheinlich gar nicht mehr sagen könnte, woher sie stammen. RADICI ist auch als eine Form des Dankes entstanden. Einige der hier vertretenen Personen wissen vielleicht gar nicht, wie sehr sie meine Arbeitsweise oder mein Denken geprägt haben. Die Ausstellung ist auch eine Möglichkeit, ihnen das mitzuteilen. Letztendlich ist es eine Art Selbstporträt, das durch die Werke von mehr als hundert anderen Menschen entstanden ist – was so gesehen auch eine gewisse Form der Aneignung darstellt.

Nach welchen Kriterien haben Sie die hundert Künstler ausgewählt, aus denen sich diese Ihre Genealogie zusammensetzt? Was war ausschlaggebend für die Entscheidung, eine bestimmte Person einzubeziehen und eine andere nicht?

Das Kriterium war ganz einfach: Hat diese Person meinen Werdegang in irgendeiner Weise geprägt? Ich habe weder die hundert besten noch die berühmtesten Künstler gesucht, noch diejenigen, die das Profil der Ausstellung am eindrucksvollsten machen würden. Hätte ich so gedacht, wäre es eine völlig andere Ausstellung geworden, und vor allem wäre es nicht „RADICI“ gewesen. Ich habe sehr unterschiedliche Verbindungen ausgewählt, einige offensichtlich, andere viel subtiler. In manchen Fällen ist die Beziehung zu meinem Werdegang erkennbar, in anderen erkenne ich sie wahrscheinlich nur selbst. Und das bedeutet auch nicht, dass wir uns künstlerisch immer nahe stehen oder dass mir alles gefällt, was sie tun. Eine Genealogie, die ausschließlich aus Menschen besteht, mit denen man vollkommen einer Meinung ist, wäre ziemlich verdächtig. Ich wollte auch ein Kind aus Frinco einbeziehen. Für mich war das keine Provokation oder eine Präsenz, die nur zur Auflockerung dort platziert wurde. Im Gegenteil, ich glaube, dass Kinder etwas haben, das wir Künstler dann unser ganzes Leben lang versuchen, wiederzufinden. Sie arbeiten, ohne sich allzu viele Gedanken über Grenzen zu machen, sie haben eine enorme Fantasie und vor allem können sie noch träumen, ohne sich sofort zu fragen, ob das, was sie tun, der richtigen Sprache entspricht, zeitgemäß genug ist oder jemanden interessieren könnte. In gewisser Hinsicht denke ich, dass sie die wahren Künstler sind. Dann werden wir erwachsen und fangen an, alles zu verkomplizieren. Mir war es gerade wichtig, dass in der Ausstellung Menschen mit völlig unterschiedlichen Erfahrungen, Altersstufen und Lebenswegen nebeneinander existieren konnten. Natürlich ist das keine endgültige Aufstellung. Es ist die Momentaufnahme eines Augenblicks. In zehn Jahren könnte sie völlig anders aussehen, und vielleicht komme ich dann auf zweihundert Künstler. In diesem Fall hoffe ich nur, dass die nächste RADICI von jemand anderem kuratiert wird: Dieses Mal habe ich fast alles alleine gemacht und festgestellt, dass es stellenweise eher wie ein Ausdauertest wirkte als wie eine Ausstellung.

Inwieweit haben die Künstler, denen Sie im Laufe Ihres künstlerischen Werdegangs begegnet sind und die Sie kennengelernt haben, Sie geprägt? Gibt es Persönlichkeiten, die Sie für Ihre künstlerische Entwicklung als besonders wichtig erachten?

Sehr viel, wahrscheinlich mehr, als ich selbst nachvollziehen kann. Doch bevor ich über Künstler spreche, muss ich bei meinen Eltern anfangen. Sie haben mich immer unterstützt, auch in Momenten, in denen der Entschluss, weiterhin als Künstler tätig zu sein, die unsicherste Entscheidung überhaupt zu sein schien. Es ist schön, jemanden zu haben, der an das glaubt, was man tut, wenn es gut läuft. Es ist aber viel wichtiger, ihn zu haben, wenn es schlecht läuft. Ein Teil des Weges, den ich zurückgelegt habe, ist auch ihnen zu verdanken. Zu den Persönlichkeiten, die mich am stärksten geprägt haben, gehört sicherlich Carlo Di Raco. Anstatt mir eine bestimmte Malweise vorzugeben, schuf er rund um das Atelier F ein Umfeld, in dem ein ständiger Austausch stattfand und in dem man auch durch das Beobachten der Arbeit anderer sehr viel lernte. Diese Vorstellung vom Atelier als lebendigem Ort und nicht einfach nur als Klassenzimmer war für mich von grundlegender Bedeutung. Auch die älteren Studierenden haben mich sehr beeinflusst. Wenn sie zu den Sommer-Workshops in Forte Marghera zurückkehrten, bei Anlässen wie Antares, oder wenn sie uns Jüngere in ihre Projekte einbezogen, sah man konkret, was außerhalb der Akademie alles möglich war. Dieser sehr spontane Austausch zwischen den Generationen hat mich mehr geprägt als der Unterricht. Dann folgten ganz unterschiedliche Begegnungen. Luca Massimo Barbero zum Beispiel ist einer der Menschen, denen ich meinen Dank aussprechen möchte. Als junger Mensch in ein Projekt wie „Venice Time Case“ eingebunden zu sein und mich mit einer Persönlichkeit mit seiner Erfahrung auseinanderzusetzen, hat mir eine andere Wahrnehmung der Möglichkeiten meiner Arbeit vermittelt. Francesco Antonio Lepore, Direktor der Städtischen Museen von Asti, habe ich letztes Jahr bei einem Austausch über Künstlerresidenzen und die Möglichkeit kennengelernt, Orte durch Kunst wieder zum Leben zu erwecken. Seitdem stand er mir mit großer Hilfsbereitschaft zur Seite, führte uns durch die Städtischen Museen, trug dazu bei, RADICI bekannt zu machen, und brachte mich mit Menschen in Kontakt. Das sind Gesten, die klein erscheinen, aber für einen Künstler den Unterschied ausmachen. Und dann muss ich mich auf jeden Fall bei der Familie Raffaelli und dem gesamten Team ihrer Galerien [Anm. d. Red.: Studio d’Arte Raffaelli und Cellar Contemporary Art] bedanken. Sie haben mich künstlerisch und menschlich auch in schwierigen Zeiten unterstützt. In der Kunstwelt wird sehr viel über Ausstellungen gesprochen, wenn sie gut laufen, und viel weniger über die Beziehungen, die dahinter stehen, vor allem in schwierigen Zeiten. Für mich hatte diese Unterstützung eine echte Bedeutung. Das sind nur einige Beispiele, keine Rangliste. Jeder ist zu einem anderen Zeitpunkt und aus unterschiedlichen Gründen Teil meines Weges geworden.

Von wem lässt er sich heute bei der Schaffung seiner Werke inspirieren? Welche Künstler, abgesehen von denen ,die in RADICIvertreten sind , stehen seiner künstlerischen Suche am nächsten?

Es gibt Künstler, die ich schon seit sehr langer Zeit verfolge. Goya, Bosch und Ensor gehören wahrscheinlich zu denen, die mir am nächsten stehen, weil sie Ironie, Gewalt, Groteskes, Chaos und Menschlichkeit miteinander zu verbinden wissen. Zu den grundlegenden Vorbildern würde ich auch Bruegel zählen, vor allem wegen seiner Fähigkeit, überfüllte Szenen zu schaffen, in denen gleichzeitig sehr viele Dinge geschehen. Rosso Fiorentino steht mir vor allem wegen der Farbgebung nahe, während Grünewald mich durch die übertriebene und fast unnatürliche Körperlichkeit der Figuren anspricht. Dann sicherlich Francis Bacon wegen des Fleisches, der Verzerrung und der Gewalt des Bildes sowie Max Ernst wegen der Freiheit der Vorstellungskraft und der Fähigkeit, Bilder zu schaffen, die aus einer Welt mit eigenen Regeln zu stammen scheinen. Ich beschäftige mich auch intensiv mit Picasso und Lucio Fontana, allerdings aus unterschiedlichen Gründen. Mich interessieren die Freiheit, die ständige Verwandlung, die physische Beziehung zum Material und vor allem die Möglichkeit, nicht in einer einzigen Sprache gefangen zu bleiben. Einflüsse müssen für mich in die Arbeit einfließen, verarbeitet werden und vielleicht fast unerkennbar werden. Wenn man sich zu sehr mit einem Künstler beschäftigt und am Ende einfach nur dessen Stil kopiert, läuft man Gefahr, in einen langweiligen Manierismus zu verfallen. Es geht nicht darum, seinen Vorbildern zu ähneln, sondern etwas von ihnen aufzunehmen, es zu transformieren und zu einem Teil der eigenen Ausdrucksweise zu machen. Allerdings arbeite ich so gut wie nie mit dem Gedanken: Jetzt mache ich etwas, das von diesem Künstler inspiriert ist. Die Bilder können von allem Möglichen stammen. Von der Berglandschaft, von Tieren, von der Technik, vom Massentourismus, vom Konsum, von einem elektronischen Bauteil, von einem Kreuzfahrtschiff, von einem Spielzeug oder von etwas Absurdem, das ich auf der Straße gesehen habe. Es interessiert mich geradezu, Hierarchien auf den Kopf zu stellen. In einem Werk können Bosch, Bacon oder Bruegel neben einer Albernheit koexistieren, die ich fünf Minuten zuvor auf dem Handy gesehen habe. Ja, manchmal kann eine Albernheit sogar noch nützlicher sein.

Welche Tendenzen erkennen Sie heute in der zeitgenössischen italienischen Malerei? Gibt es Richtungen, die Sie für besonders interessant halten, oder im Gegenteil Aspekte des italienischen Kunstsystems, die Sie weniger überzeugen?

Ich sehe viele interessante Experimente und eine große Vielfalt an Ausdrucksformen. Ich glaube nicht, dass es heute eine einheitliche Richtung in der italienischen Malerei gibt – und das ist auch gut so, denn das wäre ziemlich deprimierend. Mich interessieren vor allem diejenigen, denen es gelingt, eine persönliche Bildwelt zu schaffen, ohne sich allzu sehr darum zu kümmern, dem aktuellen Trend zu folgen. Das Problem ist, wenn überhaupt, das System, das sich um die Künstler dreht. Heute gibt es sehr viele Künstler, vielleicht sogar zu viele, und ich glaube nicht, dass alles, was stark beworben wird, zwangsläufig künstlerisch stark ist. Es gibt hervorragende Künstler, die fast unsichtbar bleiben, und andere, die plötzlich hochgejubelt, gesponsert und überall präsentiert werden, weil sie in diesem Moment perfekt einem bestimmten ästhetischen oder kulturellen Trend entsprechen. Natürlich glaube ich nicht, dass es eine oberste Kommission geben kann, die darüber entscheidet, wer ein echter Künstler ist. Das wäre erschreckend. Dennoch denke ich nach wie vor, dass Talent, Forschung, Können, Notwendigkeit und Engagement eine Rolle spielen, und manchmal habe ich den Eindruck, dass das System dies vergisst. Dann gibt es kleine Kreise, die sich selbst legitimieren. Die, die ich scherzhaft die „Maionesi“ nenne: Künstler, Kuratoren, Galeristen, die sich ständig gegenseitig unterstützen und am Ende eine Art sehr kompakte Soße schaffen, in der man entweder drinsteckt oder es sogar schwierig wird, das Gericht überhaupt zu probieren. Eine weitere Sache, die ich in Italien sehr stark wahrnehme, ist Eifersucht. Unter Künstlern, aber auch zwischen Künstlern, Galeristen und Kuratoren – manchmal scheint es, als würde mehr Energie darauf verwendet, kleine Reviere zu verteidigen, als gemeinsam etwas aufzubauen. Das ist eine Haltung, die ich nur schwer nachvollziehen kann. Wenn ein Künstler, den ich kenne, wächst, bedeutet das nicht, dass ich automatisch an Bedeutung verliere. Ich glaube genau das Gegenteil: Ein kulturelles Umfeld wird stärker, wenn sich die Menschen gegenseitig helfen, Gelegenheiten weitergeben, diskutieren, Projekte ins Leben rufen und Möglichkeiten in Umlauf bringen. Man wächst viel mehr gemeinsam, als wenn man ständig versucht, sich gegenseitig Steine in den Weg zu legen. Dann gibt es noch eine wirtschaftliche Frage, über die meiner Meinung nach immer noch zu wenig gesprochen wird. Sehr oft ist der Künstler das schwächste Glied in der Kette: Er produziert, streckt Geld vor, bezahlt Materialien, Atelier und Transport, widmet Monate oder Jahre seiner Arbeit und trägt praktisch das gesamte Risiko. Und es kann vorkommen, dass gerade er es ist, der Informationen über seine Werke, Abrechnungen oder ihm zustehende Vergütungen einfordern muss, während andere rund um seine Arbeit offenbar deutlich mehr Freizeit haben. Denn der Künstler lebt schließlich nicht von Herzchen, von „Likes“ oder von „Komplimenten, gute Arbeit“. Er braucht Geld, um zu leben und weiterarbeiten zu können. Und leider ist die Mehrheit der Künstler gezwungen, einen Nebenjob auszuüben. Daran ist nichts auszusetzen, im Gegenteil: Andere Tätigkeiten können einem sehr viel beibringen, und mir ist das auch schon passiert. Das Problem entsteht, wenn sie einen von der künstlerischen Arbeit abhalten oder es einem nicht ermöglichen, diese kontinuierlich fortzuführen. In Italien wird meiner Meinung nach vor allem in junge Künstler noch viel zu wenig investiert. Ich finde das einen ziemlich grotesken Widerspruch. Das gilt natürlich nicht für alle. Ich habe Kuratoren, Galeristen und äußerst seriöse und großzügige Menschen kennengelernt, und gerade deshalb weiß ich, dass eine andere Art zu arbeiten möglich ist. Es gibt in der Tat Initiativen, an die ich fest glaube. Ich denke dabei an „Dolomiti Contemporanee“, mit denen ich sowohl in Casso als auch im ehemaligen ENI-Dorf in Borca di Cadore zusammenarbeiten durfte. Dort habe ich eine Herangehensweise an die zeitgenössische Kunst gefunden, die mir sehr nahe steht: nicht einfach nur Werke in einem Raum auszustellen, sondern Kunst zu nutzen, um Orte wiederzubeleben, Beziehungen zu schaffen und Künstler, Region und Menschen zusammenzubringen. Und ich denke auch an die Fondazione Malutta, der ich angehöre. Es ist eine Einrichtung, der ich mich sehr verbunden fühle, gerade weil sie von Künstlern ins Leben gerufen wurde und auf dem Wunsch beruht, gemeinsam Gelegenheiten, Austausch und Projekte zu schaffen. In einem System, in dem oft Individualismus und Wettbewerb vorherrschen, zeigen Erfahrungen dieser Art, dass Zusammenarbeit nicht nur ein schönes Wort ist, sondern konkret zu einer anderen Art des Arbeitens werden kann. Was mich bei den Residenzerfahrungen sehr beeindruckt hat, war zu sehen, wie Künstler, auch ausgehend von solchen Erfahrungen, später ihre eigenen Realitäten geschaffen haben: unabhängige Räume, Orte der Begegnung und gemeinsame Projekte. Mir gefällt die Vorstellung, dass eine Residenz nicht einfach endet, wenn man nach Hause zurückkehrt, sondern weiterhin andere Orte, Beziehungen und Möglichkeiten hervorbringen kann. Und schließlich überzeugt mich der zum Markenzeichen gewordene Künstler wenig. Man malt ein Bild, das gut ankommt, und plötzlich scheint es, als müsse man es in den nächsten vierzig Jahren in fünfundzwanzig Varianten produzieren. Ich persönlich ziehe es vor, das Risiko einzugehen, auch mal ein missglücktes Werk zu schaffen, anstatt zur Fabrik für die 73. Version meiner selbst zu werden.

Welchen Platz nehmen Sie mit Ihrer Arbeit innerhalb der italienischen Kunstszene ein?

Ich habe nicht die geringste Ahnung, was vielleicht schon eine Antwort ist. Und ehrlich gesagt verspüre ich im Moment auch nicht das große Bedürfnis, eine bestimmte Schublade zu finden, in die ich mich stecken lassen kann. Eine der Erkenntnisse der letzten Jahre ist, dass es zu einer Falle werden kann, darauf zu warten, dass jemand anderes entscheidet, wo man hingehört. Der Werdegang eines Künstlers wird immer noch oft nach einer ziemlich genauen Abfolge beschrieben: Akademie, Kurator, Galerie, Ausstellungen, Anerkennung und vielleicht, nach vielen Jahren und einer ordentlichen Portion Wartezeit, bestätigt jemand offiziell, dass man existiert. Ich möchte natürlich weiterhin mit Galerien, Kuratoren und Institutionen zusammenarbeiten, wenn es ernsthafte und interessante Beziehungen gibt. Ich bin nicht gegen das Kunstsystem. Ich möchte einfach nicht, dass die Möglichkeit, etwas zu tun, vollständig von der Zustimmung eines anderen abhängt. Auch daraus ist RADICI entstanden. Wahrscheinlich wäre niemand zu mir gekommen und hätte gesagt: „Bruno, wie wäre es, wenn du dir ein Schloss in einem Dorf im Monferrato schnappst und es mit mehr als hundert Künstlern füllst, die deinen Lebensweg geprägt haben?“ Also habe ich es selbst gemacht. Ich glaube nicht mehr, dass Zentrum und Peripherie einfach nur von der Geografie abhängen. Man kann mitten in Mailand sein und ideologisch völlig am Rande stehen, oder in Casso oder Frinco sein und es schaffen, Menschen in Bewegung zu bringen, die von weit her kommen. Meine Arbeit geht von der Malerei aus, hat sich aber im Laufe der Jahre auf Skulptur, Installation und sehr unterschiedliche Materialien ausgeweitet. Auch deshalb fällt es mir schwer, mich in eine allzu präzise Definition einzuordnen. Wenn ich wirklich sagen müsste, welchen Raum ich einnehmen möchte, würde ich einen Raum wählen, der frei genug ist, um mir zu erlauben, weiterhin Künstlerin zu sein und gleichzeitig Gelegenheiten zu schaffen, andere Menschen einzuladen, zusammenzuarbeiten und vielleicht dazu beizutragen, dass um mich herum etwas wächst. Und genau das versuche ich gerade auch ganz konkret umzusetzen. Ich habe ein Haus in Frinco gekauft und möchte, dass es mit der Zeit viel mehr als nur mein Zuhause wird: ein Ort für Künstlerresidenzen, Begegnungen, Musik, Theater, Workshops, Gespräche – ein Ort, an dem Menschen vorbeikommen und etwas hinterlassen. Im Grunde versuche ich, die kleine Welt, in der ich gerne arbeiten würde, konkret zu gestalten. Diese Welt hat bereits einen Namen: Kunsthaus Fantelli.

Der Autor dieses Artikels: Noemi Capoccia

Originaria di Lecce, classe 1995, ha conseguito la laurea presso l'Accademia di Belle Arti di Carrara nel 2021. Le sue passioni sono l'arte antica e l'archeologia. Dal 2024 lavora in Finestre sull'Arte.

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