In Venedig präsentiert der Palazzo Grassi die fünfte Ausgabe seiner von Dominique Païni kuratierten Filmreihe. „Faraway Cinema“ lautet der Titel der neuen Filmreihe, die vom 14. Oktober bis zum 2. Dezember 2026 jeden Mittwoch um 18.30 Uhr im Teatrino des Palazzo Grassi acht Filme aus Afrika, Amerika und Asien präsentiert. Das Programm ist auf die derzeit im Palazzo Grassi und in der Punta della Dogana gezeigten Ausstellungen abgestimmt und stellt einen Dialog zwischen der Filmgeschichte und dem zeitgenössischen Filmschaffen einerseits und den Arbeiten der Künstler Lorna Simpson, Michael Armitage, Paulo Nazareth und Amar Kanwar andererseits her.
Die Vorführungen finden im Teatrino des Palazzo Grassi, San Marco 3260, direkt neben dem Palazzo Grassi statt. Der Eintritt ist frei, solange Plätze verfügbar sind. Das Programm beginnt am 14. Oktober mit „Shadows“ von John Cassavetes und wird am 21. Oktober mit „Imitation of Life“ von Douglas Sirk, am 28. Oktober mit „I’m Still Here“ von Walter Salles, am 4. November mit „Black God“, White Devil von Glauber Rocha, am 11. November mit „Ta’ang“ von Wang Bing, am 18. November mit „Santosh“ von Sandhya Suri, am 25. November mit „La Noire de…“ von Ousmane Sembène und endet am 2. Dezember mit „Rafiki“ von Wanuri Kahiu.
Das Filmprogramm wurde so konzipiert, dass es Bezüge zu den Werken und Themen herstellt, mit denen sich die in den Ausstellungen der Pinault Collection vertretenen Künstler auseinandersetzen. Das Programm erstreckt sich über verschiedene Epochen, Regionen und Ausdrucksformen und vereint Filme aus einem Zeitraum von fast siebzig Jahren, von „Shadows“ und „Imitation of Life“ aus dem Jahr 1959 bis hin zu „I’m Still Here“ und „Santosh“ aus dem Jahr 2024. Die Verbindung zu den Ausstellungen beschränkt sich somit nicht auf die geografische Herkunft der Filme, sondern betrifft auch Themen wie Identität, Diskriminierung, Erinnerung, Kolonialismus, politische Unterdrückung, Migration, Konflikte und gesellschaftliche Veränderungen.
Der erste Termin am 14. Oktober ist dem Film „Shadows“ (1959, 87’) von John Cassavetes gewidmet. Der Film spielt im New York der späten 1950er Jahre und erzählt die Geschichte dreier junger Afroamerikaner. Er entstand aus der Erfahrung der Improvisation, einem Element, das der Regisseur selbst als zentral für den Entstehungsprozess bezeichnete. Der starke Einfluss der Jazzmusik trägt zu einer filmischen Form bei, in der Fiktion und reales Leben ineinanderfließen und damit einige Veränderungen vorwegnehmen, die das zeitgenössische Kino prägen sollten. Der Film wird mit dem künstlerischen Schaffen von Lorna Simpson in Verbindung gebracht, insbesondere mit ihren Fotocollagen, in denen die Figuren und die Bildunterbrechungen an Cassavetes’ Schnitttechnik erinnern.
Am 21. Oktober wird „Imitation of Life“ (1959, 125’) von Douglas Sirk gezeigt, ein Hollywood-Melodram, das sich mit Rassismus, Diskriminierung und Identitätsfragen anhand der Geschichte einer schwarzen Frau, die als Kindermädchen und Hausangestellte für eine Schauspielerin arbeitet, sowie der Geschichte ihrer Tochter, die sich mit der Demütigung aufgrund ihrer gemischtrassigen Herkunft auseinandersetzen muss. Die Inszenierung, geprägt von Technicolor und im Studio nachgebauten städtischen Kulissen, steht im Kontrast zur Härte der dargestellten sozialen Dynamiken. Auch dieser Film steht im Zusammenhang mit dem Werk von Lorna Simpson, insbesondere hinsichtlich der Reflexion über die Vermischung von Identitäten und menschlichen Erfahrungen.
Das Programm führt uns nun nach Brasilien. Am 28. Oktober steht „I’m Still Here“ (2024, 137’) von Walter Salles auf dem Programm, ein Film, der anhand der Geschichte einer von der Militärdiktatur betroffenen Familie fünfzig Jahre brasilianischer Sozial- und Politikgeschichte durchläuft. Im Mittelpunkt der Geschichte steht die Suche nach dem Vater, der von der politischen Polizei entführt wurde – ein Ereignis, das von realen Begebenheiten inspiriert ist. Die private Geschichte wird so zum Ausgangspunkt für eine Erzählung, in der sich individuelles und kollektives Gedächtnis verflechten, während Unterdrückung und Verschleppungen anhand der Spuren rekonstruiert werden, die sie im Alltag und in der Volksmusik hinterlassen haben. Die Musikstücke untermalen die verschiedenen Epochen, die der Film durchläuft, und betonen die tragische Dimension von Folter und Verschleppungen, wodurch das entsteht, was das Programm als „Musikdokumentarfilm“ bezeichnet.
Am 4. November kehrt das Programm mit „Black God, White Devil“ (1964, 120’) von Glauber Rocha, der als eines der symbolträchtigsten Werke des Cinema Novo gilt, zum brasilianischen Kino zurück. Der Film spielt im Nordosten Brasiliens und erzählt von einer hungernden Bevölkerung, die auf eine ausweglose Situation mit Gewalt, Mystik und Verzweiflung reagiert. Die karge, ausgedörrte Landschaft bildet den Hintergrund für eine Geschichte voller legendärer Figuren und Rituale, in der sich die politische Dimension mit der mythischen und visionären überschneidet. Der Film wird aufgrund der Art und Weise, wie Aufstände, Zaubersprüche und improvisierte Rituale mit Elementen des Humors und der Magie koexistieren können, mit dem Schaffen von Paulo Nazareth in Verbindung gebracht.
Am 11. November setzt Faraway Cinema seine Reise durch Asien mit „Ta’ang“ (2016, 148’) von Wang Bing fort. Der Dokumentarfilm begleitet die Flucht einer Gemeinschaft der ethnischen Minderheit der Ta’ang aus der Region Kokang in Myanmar an der Grenze zu China. Kinder, Frauen und ältere Menschen durchqueren die Berge auf der Suche nach Zuflucht, während sich der Regisseur der Flucht anschließt und die Erfahrung des Exils und der Unsicherheit der Gemeinschaft hautnah miterlebt. Wang Bings dokumentarische Handschrift verwandelt die Bewegung der Flüchtlinge in ein von starker Spannung geprägtes filmisches Erlebnis und konzentriert sich dabei auf die menschliche Dimension zeitgenössischer Konflikte.
Die Filmvorführung steht im Zusammenhang mit der Arbeit von Amar Kanwar, der im Rahmen seines künstlerischen Schaffens den Folgen humanitärer Katastrophen und den Überlebensbedingungen von Gemeinschaften, die von Konflikten und Gewalt betroffen sind, besondere Aufmerksamkeit gewidmet hat. Die Beziehung zwischen Bild, Zeugnis und politischer Realität setzt sich auch bei der nächsten Veranstaltung am 18. November fort, bei der „Santosh“ (2024, 128’) von Sandhya Suri gezeigt wird.
„Santosh“ spielt im heutigen Indien und handelt von einer polizeilichen Ermittlung, die von zwei Frauen geleitet wird. Durch eine straffe Erzählweise thematisiert der Film Fragen im Zusammenhang mit sozialen Ungleichheiten, Frauenfeindlichkeit, Generationskonflikten und Machtstrukturen. Die Auseinandersetzung mit der sozialen Realität und die dokumentarische Komponente der Erzählung sind die Elemente, die Suris Werk der Forschung von Amar Kanwar annähern, der sich seinerseits für die Beziehung zwischen Bildern, Zeitzeugenberichten und politischer Realität interessiert.
Die letzten beiden Termine der Reihe stehen hingegen im Zusammenhang mit dem Schaffen von Michael Armitage. Am 25. November wird „La Noire de…“ (1966, 65’) von Ousmane Sembène gezeigt, einem Schriftsteller und Filmemacher senegalesischer Herkunft, der als einer der Wegbereiter des zeitgenössischen afrikanischen Kinos gilt. Sembène, der sich seit seiner Jugend im Kampf für die politische Unabhängigkeit und die Autonomie der afrikanischen Staaten engagierte, erzählt die Geschichte einer jungen senegalesischen Frau, die nach Frankreich zieht, um dort als Hausangestellte zu arbeiten.
In diesem neuen Umfeld wird der Protagonistin nach und nach ihre Würde und ihre Identität genommen. Ihr individuelles Schicksal wird so zum Mittel, mit dem der Regisseur die Folgen des Kolonialismus, der Ausbeutung und des Exils thematisiert. Es sind Themen, die das Programm mit der Forschung von Michael Armitage und dessen Auseinandersetzung mit der Erinnerung an die Sklaverei und die Kolonialgeschichte in Verbindung bringt.
Den Abschluss der Reihe bildet am 2. Dezember „Rafiki“ (2018, 83’) von Wanuri Kahiu, der in Nairobi spielt, der Geburtsstadt von Michael Armitage. Der Titel greift einen umgangssprachlichen Begriff auf, den junge Mädchen und Jungen verwenden, um diskret eine von Zuneigung und homosexuellem Verlangen geprägte Beziehung zu bezeichnen. Im Mittelpunkt des Films stehen zwei junge Frauen aus unterschiedlichen sozialen Schichten, deren Beziehung mit Formen sozialer, religiöser und kultureller Unterdrückung konfrontiert ist.
Anhand einer privaten Geschichte schildert Kahiu eine kenianische Gesellschaft im Wandel und setzt sich mit Themen wie individueller Freiheit, Identität und Begierde auseinander. Die Darstellung von Nairobi vermittelt zudem die urbane Dimension der Stadt, ohne dabei in exotisierende Darstellungen zu verfallen. Der Film bildet somit den Abschluss eines Programms, in dem sich die unterschiedlichen geografischen Herkunftsorte der Filme mit gemeinsamen Fragestellungen verflechten – aus verschiedenen filmischen Perspektiven.
Zur Abrundung des Projekts bietet der Palazzo Grassi zudem auf seinen sozialen Kanälen einen vertiefenden Begleitkurs an. Die Zusammenarbeit mit dem Journalisten und Filmexperten Mattia Carzaniga wird fortgesetzt, um das Publikum bei der Entdeckung der acht Filmvorführungen zu begleiten. Carzaniga wird acht Einführungsvideos drehen – eines für jeden Film –, die den Kontext der Werke erläutern und eine alternative Lesart der ausgewählten Filme vorschlagen sollen. Die Videos werden jeden Montag veröffentlicht und geben einen Vorgeschmack auf die Filmvorführung am Mittwoch.
Die Filmreihe ist Teil der Ausstellungssaison der Pinault Collection in Venedig. In der Punta della Dogana ist bis Sonntag, den 22. November 2026, eine Ausstellung zu sehen, die Lorna Simpson gewidmet ist, einer nordamerikanischen Künstlerin, der die Pinault Collection zum ersten Mal in Europa einen umfassenden Überblick über mehr als zehn Jahre ihres malerischen Schaffens widmet. Im selben Ausstellungsraum wird auch das Projekt von Paulo Nazareth präsentiert, das die Besucher einlädt, ihn im Rahmen einer fortlaufenden Performance auf seinen Reisen zu begleiten. Die Arbeit reflektiert darüber, wie koloniale Kartografie und systemischer Rassismus dazu beigetragen haben, die Landschaften der Moderne zu prägen.
Im Palazzo Grassi hingegen sind die Ausstellungen bis Sonntag, den 10. Januar 2027, zu sehen. Die Pinault-Sammlung vereint eine Reihe von Werken von Michael Armitage, die im Laufe der letzten zehn Jahre entstanden sind, sowie eine Auswahl von Arbeiten von Amar Kanwar, darunter auch die jüngste großformatige Installation des indischen Künstlers, „The Peacock’s Graveyard“ (2023). Diese vier künstlerischen Arbeiten bilden den kuratorischen Bezugspunkt des Programms von „Faraway Cinema“, das das Kino als weiteres Mittel nutzt, um Themen und Kontexte der Ausstellungen zu beleuchten.
Für das Publikum steht zudem die Pinault Collection-Mitgliedskarte zur Verfügung, die ein Jahr lang vorrangigen und unbegrenzten Zugang zum Palazzo Grassi, zur Punta della Dogana, zur Bourse de Commerce sowie zu den Ausstellungen der Pinault Collection außerhalb der eigenen Räumlichkeiten gewährt. Die Karte umfasst außerdem Einladungen zu Vernissagen, Führungen und weitere Vergünstigungen, die den Mitgliedern vorbehalten sind. Der vollständige und aktuelle Kalender der Kultursaison ist auf der Website des Palazzo Grassi im Bereich „Programm“ verfügbar.
 |
| Der Palazzo Grassi präsentiert in Venedig acht Filme aus Afrika, Amerika und Asien |
Achtung: Die Übersetzung des italienischen Originalartikels ins Deutsche wurde mit Hilfe automatischer Tools erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, aber wir garantieren nicht die völlige Abwesenheit von Ungenauigkeiten in der Übersetzung aufgrund des Programms. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.
IT
EN
FR
ES
CN
