Será sin duda una de las subastas más importantes del año: un Ecce Homo de Antonello da Messina (Messina, c. 1430 - 1479) saldrá a la venta en Sotheby’s de Nueva York el 5 de febrero, con una estimación de entre 10 y 15 millones de euros. Se trata de una venta excepcional que ya se anuncia como una de las más importantes de este 2026, por dos razones: la primera, muy pocas obras de Antonello da Messina, uno de los pintores más importantes del Renacimiento, llegan al mercado. La segunda, se trata de una obra famosa, expuesta varias veces (la última en 2019 en la exposición sobre Antonello da Messina en Milán, Palazzo Reale), con una bibliografía muy extensa, y presentada también en 1981 por Federico Zeri. Artista de notable originalidad, Antonello fusionó el realismo descriptivo flamenco con un enfoque totalmente italiano de la expresión emocional, una síntesis particularmente evidente en la inmediatez psicológica con la que el Cristo de su Ecce Homo se presenta ante el espectador. Antonello había revolucionado la imaginería devocional delEcce Homo, humanizando un tema sagrado a través de un enfoque directo e íntimo que invita a la identificación emocional y a la implicación espiritual.
La carrera de Antonello sólo está documentada fragmentariamente y los medios precisos por los que dominó las técnicas pictóricas típicas de los maestros flamencos siguen siendo objeto de debate académico. Nacido en Mesina, Antonello se formó probablemente en el taller de Niccolò Colantonio en Nápoles, ciudad con fuertes lazos artísticos y comerciales con el norte de Europa. La colección del rey Alfonso de Aragón, por ejemplo, incluía pinturas de Jan van Eyck y Rogier van der Weyden, a quienes Antonello pudo haber conocido directamente o indirectamente a través de Colantonio. Giorgio Vasari atribuyó posteriormente a Antonello la introducción de la pintura al óleo en Italia, aunque esta afirmación es discutida (probablemente una exageración de Vasari). Los comienzos de la carrera de Antonello fueron con toda probabilidad itinerantes: tal vez el artista viajó a Provenza y a otras regiones, aunque la ausencia de documentos de archivo hace que esta hipótesis siga siendo poco fiable. En 1457 regresó al sur de Italia, donde la cofradía de San Michele dei Gerbini, en Reggio Calabria, le encargó un estandarte procesional. En enero de 1461 se instaló en Mesina, donde probablemente realizó el cuadro que ahora se vende en Sotheby’s y donde probablemente permaneció la mayor parte de la década.
En el anverso de la tabla, Antonello pinta un Cristo de medio cuerpo detrás de un parapeto, con la mirada fija en el espectador. La expresión es de gran patetismo: los ojos rojos e hinchados de Cristo se entrecierran de dolor, sus labios se entreabren ligeramente y gotas de sangre de la corona de espinas corren por su frente y su pecho. Tiene una fina cuerda atada al cuello y su rostro emerge luminoso de la oscuridad circundante, un marcado contraste que acentúa la ligera torsión de su cuerpo, causada más claramente por las manos atadas a la espalda. Antonello incluye en su pintura el motivo nórdico de un parapeto ficticio con la inscripción en relieve “INRI” (“Jesús de Nazaret, rey de los judíos”), lo que sugiere un conocimiento de las convenciones flamencas del retrato.
La tabla también está pintada en el reverso: aquí, Antonello representa a un San Jerónimo en un paisaje meticulosamente representado. Situado en el fondo de un desfiladero que da a una tranquila extensión de agua, a través de la cual se vislumbra un castillo fortificado y se desliza una pequeña barca, el santo hace una genuflexión ante un pequeño crucifijo mientras se golpea el pecho con una piedra. La inclusión de un códice, un libro abierto y un tintero identifica a Jerónimo como el autor de la Vulgata, la traducción latina de las Sagradas Escrituras, mientras que el austero escenario subraya su ascetismo. El sufrimiento físico autoinfligido por el santo penitente se hace eco del sacrificio de Cristo, estableciendo un reflejo teológico entre las dos caras del panel que refleja la influencia de la devoción moderna, inspirada en laImitatio Christi de Tomás de Kempis de hacia 1418-1427.
La dimensión íntima del cuadro llevó a Federico Zeri, que presentó la obra al público por primera vez en un congreso celebrado en Messina en 1981 (y la publicó seis años más tarde), a formular la hipótesis de que la tabla opistográfica (pintada por las dos caras) era un pequeño objeto portátil de devoción privada, probablemente guardado en una bolsa de cuero, destinado a guiar al espectador en la oración y la meditación: la imagen incitaba a la contemplación empática y a la piedad imitativa. Como tal, se tocaba, se acariciaba e incluso se besaba, actos que permitían al devoto entrar en contacto con la imagen tanto espiritual como físicamente.
Conceptualmente, elEcce Homo de Antonello se sitúa entre el género delAndachtsbild, en el que las figuras sagradas están completamente separadas del contexto narrativo, y la representación narrativa de un acontecimiento bíblico. Aunque Cristo aparece aquí aislado, la presencia de la corona de espinas y de la soga sitúa la imagen en una coyuntura narrativa específica: después de la flagelación y de las burlas de los soldados romanos contra Cristo, pero antes de su ascensión al Calvario. Esta convergencia tipológica suscita una poderosa respuesta emocional.
El logro distintivo de Antonello, tanto en esta obra como a lo largo de toda su carrera, reside en la disolución de las fronteras entre los géneros pictóricos. Aquí, no sólo carga un Andachtsbild con alusiones narrativas, sino que también impregna la imagen de Cristo con elementos de retrato, creando un encuentro cara a cara entre la imagen y el espectador. En el Retrato de hombre de Antonello, casi contemporáneo, conservado en el Museo Mandralisca de Cefalù, el pintor transmite igualmente un sentido de individualidad a través de una sutileza de expresión, que sugiere la vida interior de su personaje. Esta fusión de géneros se ve acentuada por el parapeto, un recurso comúnmente empleado en el retrato holandés para actuar como límite visual y vínculo tangible entre el mundo físico del observador y el espacio ficticio del modelo.
Antonello se comprometió con el temadel Ecce Homo durante más de una década, y esta obra constituye su primera (y única) elaboración opistográfica conocida del tema. Esta pintura establece los parámetros expresivos y formales fundamentales que darían forma a las cuatro versiones conocidas delEcce Homo de Antonello. Aunque cada una difiere en detalles -la inclinación de la cabeza, la rotación del torso, la presencia o ausencia de la cuerda y la columna, y la inclusión o exclusión del parapeto y la etiqueta-, todas provocan una fuerte reacción en el espectador.
Según Sotheby’s, el cuadro en venta sería el primero de la serie. Un Ecce Homo registrado en 1653 en la colección de Don Giulio Alliata (o Agliata) de Palermo, y ahora en el Metropolitan Museum of Art, es probablemente la elaboración posterior del tema por parte de Antonello. Pintada al óleo, posiblemente al temple, la obra está firmada “Antonellus messane / [us] / me pinxit” y fue fechada en 1470 (según Giovanni Battista Cavalcaselle, que vio la tabla en la década de 1850 en una colección napolitana). Aunque Antonello omite la cuerda, reduce la visibilidad del torso de Cristo y el grado de torsión, el énfasis expresivo sigue siendo el mismo: labios ligeramente separados, párpados caídos y ojos hundidos enfatizan el sufrimiento de Cristo.
Una versión sin fecha, la conservada en la Galleria Nazionale della Liguria en el Palazzo Spinola de Génova, pintada muy probablemente después de la versión del Metropolitan, pero posiblemente justo antes o contemporáneamente a esta última, marca una recalibración emocional. La mueca evidente en la obra en venta y en la versión del Metropolitan da paso a una expresión más calmada de dolor y aceptación. Ninguna barandilla separa a Cristo del espectador; en su lugar, la obra está firmada en una tarjeta pintada en el marco, único original que se conserva. Antonello vuelve a introducir la cuerda, reforzando el carácter penitencial de la imagen.
En 1473, Antonello realizó su tabla más grande del grupo: un Ecce Homo firmado y fechado, actualmente en el Colegio Alberoni de Piacenza. La imagen incluye tanto la cuerda como el parapeto ficticio (en el que está pegada la etiqueta firmada y fechada) e introduce una columna detrás de la figura de Cristo. El nuevo elemento arquitectónico sitúa la imagen más explícitamente en el relato de la Pasión, alineándola con el momento de la Flagelación. Al año siguiente, Antonello pintó su último Ecce Homo, conservado en la colección Ostrowski y conocido actualmente sólo por fotografías (en una imagen tomada en 1931, cuando el cuadro estaba en Viena para su restauración, la fecha “1474” es legible). Aquí se conserva la columna, pero se omite la cuerda y se reduce considerablemente el parapeto.
El primer registro conocido de la obra a la venta en Sotheby’s data de 1900, cuando se encontraba en una colección privada española. Posteriormente fue adquirida por Wildenstein & Co. en 1967, y posteriormente fue adquirida en una venta privada en Sotheby’s por el anticuario italiano Fabrizio Moretti, quien finalmente la vendió a su actual propietario. Este Ecce Homo tiene una relevante historia expositiva reciente: la última exposición en la que figuró fue la dedicada a Antonello da Messina en el Palazzo Reale en 2019, donde fue el cuadro número 2 del catálogo. Anteriormente, se expuso en la muestra sobre Antonello en las Scuderie del Quirinale de Roma (2006), en la exposición monográfica del Metropolitan Museum en 2005-2006, y en la exposición sobre el Renacimiento en el Mediterráneo celebrada en 2001 en el Museo Thyssen-Bornemisza y el Museu de Bellas Arts de Valencia.
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| Un famoso Ecce Homo de Antonello da Messina a subasta en Sotheby's: estimación de 15 millones |
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