Ce sera certainement l’une des ventes aux enchères les plus importantes de l’année : un Ecce Homo d’Antonello da Messina (Messine, vers 1430 - 1479) sera mis en vente chez Sotheby’s à New York le 5 février, avec une estimation de 10 à 15 millions d’euros. Il s’agit d’une vente rare qui s’annonce d’ores et déjà comme l’une des plus importantes de cette année 2026, et ce pour deux raisons : premièrement, très peu d’œuvres d’Antonello da Messina, l’un des peintres les plus importants de la Renaissance, arrivent sur le marché. La seconde est qu’il s’agit d’une œuvre célèbre, exposée plusieurs fois (la dernière en 2019 à l’exposition sur Antonello da Messina à Milan, Palazzo Reale), avec une très longue bibliographie, et également présentée en 1981 par Federico Zeri. Artiste d’une originalité remarquable, Antonello a fusionné le réalisme descriptif flamand avec un accent tout italien sur l’expression émotionnelle, une synthèse particulièrement évidente dans l’immédiateté psychologique avec laquelle le Christ de son Ecce Homo se tient devant le spectateur. Antonello a révolutionné l’imagerie dévotionnelle de l’Ecce Homo, humanisant un sujet sacré par une approche directe et intime qui invite à l’identification émotionnelle et à l’engagement spirituel.
La carrière d’Antonello n’est documentée que de manière fragmentaire et les moyens précis par lesquels il a maîtrisé les techniques de peinture typiques des maîtres flamands font encore l’objet de débats académiques. Né à Messine, Antonello s’est probablement formé dans l’atelier de Niccolò Colantonio à Naples, une ville qui entretenait des liens artistiques et commerciaux étroits avec l’Europe du Nord. La collection du roi Alphonse d’Aragon, par exemple, comprenait des peintures de Jan van Eyck et de Rogier van der Weyden, qu’Antonello a pu rencontrer directement ou connaître indirectement par l’intermédiaire de Colantonio. Giorgio Vasari attribuera plus tard à Antonello l’introduction de la peinture à l’huile en Italie, bien que cette affirmation soit discutée (il s’agit probablement d’une exagération de la part de Vasari). Les débuts de la carrière d’Antonello ont vraisemblablement été itinérants : l’artiste a peut-être voyagé en Provence et dans d’autres régions, bien que l’absence de documents d’archives rende cette hypothèse encore peu fiable. En 1457, il retourne dans le sud de l’Italie, où la confrérie de San Michele dei Gerbini à Reggio Calabria lui commande une bannière de procession. En janvier 1461, il s’installe à Messine, où il a probablement réalisé le tableau aujourd’hui en vente chez Sotheby’s et où il est probablement resté pendant la majeure partie de la décennie.
Sur le recto du panneau, Antonello peint un Christ à mi-corps derrière un parapet, le regard tourné vers le spectateur. L’expression est d’un grand pathos : les yeux rouges et gonflés du Christ se rétrécissent sous l’effet de la douleur, ses lèvres s’écartent légèrement et des gouttes de sang provenant de la couronne d’épines coulent sur son front et sa poitrine. Il a une fine corde autour du cou et son visage émerge lumineux de l’obscurité environnante, un contraste saisissant qui accentue la légère torsion de son corps, causée plus clairement par ses mains attachées dans le dos. Antonello inclut dans sa peinture le motif nordique d’un parapet fictif avec l’inscription en relief “INRI” (“Jésus de Nazareth, roi des Juifs”), suggérant une prise de conscience des conventions du portrait flamand.
Le panneau est également peint au verso: Antonello y représente un saint Jérôme dans un paysage minutieusement rendu. Situé au fond d’une gorge s’ouvrant sur une étendue d’eau calme, à travers laquelle on peut apercevoir un château fortifié et glisser un petit bateau, le saint fait une génuflexion devant un petit crucifix tout en se frappant la poitrine avec une pierre. L’inclusion d’un codex, d’un livre ouvert et d’un encrier identifie Jérôme comme l’auteur de la Vulgate, la traduction latine des Saintes Écritures, tandis que le cadre austère souligne son ascétisme. La souffrance physique que s’inflige le saint pénitent fait écho au sacrifice du Christ, établissant un miroir théologique entre les deux côtés du panneau qui reflète l’influence de la dévotion moderne, inspirée par l’Imitatio Christi de Thomas de Kempis vers 1418-1427.
La dimension intime de la peinture a incité Federico Zeri, qui a présenté l’œuvre au public pour la première fois lors d’un congrès à Messine en 1981 (et l’a publiée six ans plus tard), à émettre l’hypothèse que le panneau opisthographique (peint sur deux faces) était un petit objet portatif de dévotion privée, probablement conservé dans un sac en cuir, destiné à guider le spectateur dans la prière et la méditation : l’image encourageait la contemplation empathique et la piété imitative. En tant que telle, elle aurait été touchée, caressée et même embrassée, actes qui permettaient au dévot d’entrer en contact avec l’image à la fois spirituellement et physiquement.
D’un point de vue conceptuel, l’Ecce Homo d’Antonello se situe entre le genre de l’Andachtsbild, dans lequel les figures sacrées sont complètement séparées du contexte narratif, et la représentation narrative d’un événement biblique. Bien que le Christ soit ici représenté de manière isolée, la présence de la couronne d’épines et de la corde situe l’image à un moment précis de la narration: après la flagellation et la moquerie du Christ par les soldats romains, mais avant sa montée au Calvaire. Cette convergence typologique suscite une forte réaction émotionnelle.
La particularité d’Antonello, dans cette œuvre comme dans l’ensemble de sa carrière, réside dans la dissolution des frontières entre les genres picturaux. Ici, il ne se contente pas de charger un Andachtsbild d’allusions narratives, il imprègne également l’image du Christ d’éléments de portrait, créant ainsi un face-à-face entre l’image et le spectateur. Dans le Portrait d’homme d’ Antonello, presque contemporain, conservé au musée Mandralisca de Cefalù, le peintre transmet également un sentiment d’individualité grâce à une expression subtile, suggérant la vie intérieure de son personnage. Cette fusion des genres est encore accentuée par le parapet, un expédient couramment utilisé dans le portrait hollandais pour servir à la fois de frontière visuelle et de lien tangible entre le monde physique de l’observateur et l’espace fictif du modèle.
L’engagement continu d’Antonello sur le thème de l’Ecce Homo s’est étendu sur plus d’une décennie, et cette œuvre marque sa première (et unique) élaboration opisthographique connue du sujet. Cette peinture établit les paramètres expressifs et formels fondamentaux qui façonneront les quatre versions connues de l’Ecce Homo d’Antonello. Bien que chacune diffère dans les détails - l’inclinaison de la tête, la rotation du torse, la présence ou l’absence de la corde et de la colonne, et l’inclusion ou l’exclusion du parapet et de la balise - elles suscitent toutes une forte réaction chez le spectateur.
Selon Sotheby’s, le tableau mis en vente serait le premier de la série. Un Ecce Homo enregistré en 1653 dans la collection de Don Giulio Alliata (ou Agliata) de Palerme, et aujourd’hui conservé au Metropolitan Museum of Art, est probablement l’élaboration la plus tardive du sujet par Antonello. Peinte à l’huile, peut-être à la détrempe, l’œuvre est signée “Antonellus messane / [us] / me pinxit” et a été datée de 1470 (selon Giovanni Battista Cavalcaselle, qui a vu le panneau dans les années 1850 dans une collection napolitaine). Bien qu’Antonello omette la corde, réduise la visibilité du torse du Christ et le degré de torsion, l’accent expressif reste le même : les lèvres légèrement écartées, les paupières tombantes et les yeux enfoncés soulignent la souffrance du Christ.
Une version non datée, celle conservée à la Galleria Nazionale della Liguria au Palazzo Spinola de Gênes, probablement peinte après la version métropolitaine, mais peut-être juste avant ou contemporaine de cette dernière, marque un recalibrage émotionnel. La grimace évidente dans l’œuvre mise en vente et dans la version du Met fait place à une expression plus calme de chagrin et d’acceptation. Aucune balustrade ne sépare le Christ du spectateur ; l’œuvre est signée sur une carte peinte sur le cadre, le seul original qui subsiste. Antonello réintroduit la corde, renforçant ainsi le caractère pénitentiel de l’image.
En 1473, Antonello a réalisé son plus grand panneau du groupe : un Ecce Homo signé et daté, aujourd’hui conservé au Collège Alberoni de Plaisance. L’image comprend à la fois la corde et le parapet fictif (sur lequel est apposée l’étiquette signée et datée) et introduit une colonne derrière la figure du Christ. Le nouvel élément architectural place l’image plus explicitement dans le récit de la Passion, en l’alignant sur le moment de la Flagellation. L’année suivante, Antonello peint son dernier Ecce Homo, autrefois conservé dans la collection Ostrowski et aujourd’hui connu uniquement par des photographies (sur une image prise en 1931, lorsque le tableau se trouvait à Vienne pour restauration, la date “1474” est lisible). Ici, la colonne est conservée, mais la corde est supprimée et le parapet considérablement réduit.
La première mention connue de l’œuvre en vente chez Sotheby’s date d’environ 1900, alors qu’elle faisait partie d’une collection privée espagnole. Elle a ensuite été acquise par Wildenstein & Co. en 1967, puis achetée lors d’une vente privée chez Sotheby’s par l’antiquaire italien Fabrizio Moretti, qui l’a finalement vendue à son propriétaire actuel. Cet Ecce Homo a un historique d’exposition récent et pertinent : la dernière exposition à l’avoir présenté était l’exposition sur Antonello da Messina au Palazzo Reale en 2019, où il s’agissait du tableau numéro 2 dans le catalogue. Auparavant, il avait été présenté à l’exposition sur Antonello aux Scuderie del Quirinale à Rome (2006), à l’exposition monographique du Metropolitan Museum en 2005-2006, et à l’exposition sur la Renaissance en Méditerranée organisée en 2001 au Museo Thyssen-Bornemisza et au Museu de Bellas Arts à Valence.
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| Un célèbre Ecce Homo d'Antonello da Messina vendu aux enchères chez Sotheby's : estimation de 15 millions d'euros. |
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