Lena Müller es una artista alemana nacida en Núremberg en 1983 que creció inmersa en la pasión por el arte y la naturaleza. Desde niña cultivó el amor por el dibujo y la creación de mundos personales, inspirada por las visitas a museos con su familia y por la actividad artística de su hermano. Tras estudiar en la Academia de Bellas Artes de Núremberg entre 2005 y 2010, comenzó a desarrollar un lenguaje artístico profundamente personal, que combina la observación científica, la filosofía y una intensa curiosidad por el micro y el macrocosmos. Sus obras han sido expuestas en varias ciudades europeas, de Berlín a Roma, de Erlangen a Sète, y reflejan una búsqueda constante del secreto oculto en la naturaleza y la existencia. Su obra, predominantemente sobre papel, mezcla dibujo, técnicas mixtas y experimentos táctiles, con un enfoque centrado en el minimalismo y la reducción a los elementos esenciales. A través de formas abstractas y paisajes interiores, Lena invita al espectador a desarrollar pensamientos y asociaciones personales, creando un diálogo íntimo entre el arte y el observador. La naturaleza, los fenómenos científicos y la espiritualidad están en el centro de su investigación: desde la comunicación entre plantas hasta la estructura del universo y las conexiones filosóficas entre tiempo, espacio y conciencia. En esta conversación con Gabriele Landi, el artista habla de sí mismo.
GL. Para muchos artistas, la infancia corresponde a la edad de oro, aquella en la que comienzan a asentarse imágenes y procesos que, de alguna manera, se convierten en valiosos para desarrollos posteriores. ¿Fue éste también su caso?
LM. Fui una niña llena de imaginación, con un amor temprano por la naturaleza, el dibujo y la creación de mundos personales a través del juego. Además, crecí en una familia muy interesada por el arte. Mis padres me llevaban a veces a exposiciones de arte, mi hermano hacía esculturas y joyas. Con el tiempo, llegué a conocer el arte como algo de lo que merece la pena hablar y las habilidades artísticas como algo por lo que merece la pena esforzarse.
La capacidad de imaginar mundos personales me parece una de las características fundamentales de su obra. ¿Cómo y con qué sustancias la alimenta?
Observando el mundo con los ojos abiertos y sintiendo, recogiendo inspiración y luego transformándola.
¿Tuvo un primer amor artístico?
De niño, me fascinaban profundamente las ilustraciones de huevos de pájaros de Květoslav Hísek. De joven, las acuarelas de August Macke me fascinaban mucho y tenía la sensación de que el arte podía enriquecerme.
¿Le siguen interesando hoy las ilustraciones de la naturaleza?
Las ilustraciones biológicas, por ejemplo de raíces o plantas, me siguen pareciendo atractivas e inspiradoras. Puede que sean libros antiguos de biología, pero también me fascinan las ilustraciones contemporáneas, como las del botánico francés Francis Hallé. También me fascinan las ilustraciones botánicas de Anna Atkins, que en el siglo XIX fue la primera en utilizar plenamente la técnica de la cianotipia para ilustrar libros.
¿Qué estudios ha realizado?
Estudié arte de 2005 a 2010 en la Academia de Bellas Artes de Núremberg, en la clase del pintor abstracto Rolf-Gunter Dienst.
¿Hubo algún encuentro importante durante su formación?
Los encuentros con diferentes corrientes artísticas ampliaron mis horizontes. Cinco años después de mis estudios, vi la exposición de Agnes Martin en la Tate Modern de Londres y me entusiasmó su atrevido minimalismo y sus mundos visuales envolventes. Agnes Martin dijo: “Tienes que encontrar las cosas que te gustan. Las cosas que agradan a tu ser interior”. Es una actitud que tengo en gran estima.
¿Cómo ha evolucionado su obra con el tiempo?
Al principio de mis estudios, mi obra era más figurativa y utilizaba a menudo óleos y acrílicos, cosa que ya no hago hoy. En general, me sentía muy inseguro sobre las posibilidades técnicas. En algún momento me di cuenta de que si mi arte no es el lugar donde puedo ser libre, entonces ¿dónde puedo serlo? Hay tantos límites en la vida. Mi arte es mi espacio de libertad. Lo he interiorizado. Ahora tengo más acceso a mi yo interior. Mi obra también se ha vuelto más abstracta y minimalista.
Cuando habla de minimalismo, ¿podría explicar a qué se refiere con más detalle?
Se trata de reducir los elementos compositivos a lo que considero esencial. Me gusta la simplicidad que abre mundos.
¿Cuál es el origen de las imágenes que pinta?
Mis obras reflejan mi fascinación por la naturaleza y los fenómenos científicos, en particular mi interés por el microcosmos y el macrocosmos. Además, mi arte se caracteriza por una especie de órbita filosófica en torno a cuestiones de tiempo, espacio, origen, existencia humana, cosmos y composición. A través de mi arte rastreo el secreto que se oculta en todo. La naturaleza me fascina en todas sus facetas. Desde el universo hasta la comunicación entre las plantas y el mundo de los microorganismos, me siento como una especie de investigador artístico. También me gusta crear conexiones poéticas, por ejemplo entre las alas de una mariposa al microscopio y un río. A nivel táctil, me inspiro en distintos materiales y herramientas y experimento con diferentes técnicas, pero el dibujo es mi principal medio de expresión. El minimalismo y la reducción en general me inspiran, encontrar algún tipo de esencia fundamental es apasionante. Me gusta crear mundos visuales abstractos que me den a mí y al espectador la oportunidad de desarrollar pensamientos y asociaciones personales.
¿Le interesa la idea de un enfoque científico para la investigación de mundos imaginarios?
Los mundos imaginarios del pensamiento son la base del pensamiento filosófico. La física cuántica también asigna un papel importante al observador, a la humanidad con sus percepciones. La cuestión de si somos nosotros quienes creamos el mundo tal y como lo conocemos, nuestra supuesta realidad, es increíblemente intrigante. La investigación científica sobre la conciencia y el intercambio mutuo con el mundo es también un campo fascinante. En este sentido, me pareció especialmente impresionante la película Aware, de Frauke Sandig y Eric Black. La ciencia y la espiritualidad se complementan de forma mutuamente beneficiosa: desde neurocientíficos hasta monjes budistas, distintos científicos exploran la naturaleza de la conciencia. A menudo se vuelve realmente interesante cuando las consideraciones son interdisciplinarias y abren diferentes perspectivas y mundos del conocimiento.
¿Le interesa el aspecto pictórico?
En mi obra suele encontrarse una forma de aspecto pictórico figurativo, pero incrustado en un lenguaje visual más abstracto.
¿Qué importancia tiene el aspecto técnico de su obra?
Utilizar diferentes técnicas es muy estimulante para mí. También me gusta mezclar distintas técnicas, por ejemplo combinando pintura, dibujo o grabado.
¿Le interesa la idea de paisaje?
Para mí, todo es paisaje de alguna manera, grande y pequeño. Paisajes interiores y exteriores que hay que explorar. La superficie de una planta, una luna extraterrestre, la piel de un pez, las cordilleras, las superficies acuáticas, todo forma en última instancia un paisaje. Me emociona explorarlo y transformarlo mental y artísticamente. El físico cuántico Carlo Rovelli describe el mundo como granular, el espacio como una red de gránulos cuánticos vibrantes. Desde esta perspectiva, jugando con la perspectiva, el concepto de paisaje se amplía aún más y adquiere una dimensión filosófica.
Todo esto parece introducir una dimensión poética en su forma de ver el mundo. ¿Puede hablarnos de ello?
Me interesan las grandes preguntas: ¿cómo está estructurado todo? ¿De qué está hecho el cosmos? ¿Quiénes somos? ¿Hacia dónde vamos? ¿Existe una conexión entre todo? Exploro los grandes misterios de nuestra existencia con mi arte, tratando constantemente de acercarme a ellos. En la imaginación artística surgen nuevas realidades en cierto modo. Crear y contemplar arte es siempre una forma maravillosa de experimentar significados más profundos, tanto intelectual como emocionalmente. Creo que ésta es la belleza del arte: que, en sus mejores momentos, nos abre mundos interiores y exteriores y tiene el potencial de ampliar nuestros horizontes de forma enriquecedora.
¿Le interesa la idea del “caminante” como forma de explorar esta dimensión filosófica?
La figura del caminante se desarrolló en el siglo XIX. Todos la conocemos de la época romántica. También en este caso se trata de una búsqueda profunda, una exploración de la conexión entre el mundo interior y el exterior, entre la humanidad y la naturaleza que la rodea. A través del contacto con la naturaleza, experimentando su sublimidad y observando sus detalles, también extraigo muchas sugerencias para mi arte. Para mí, sumergirme en la naturaleza mientras doy un paseo siempre tiene una cualidad contemplativa y es una forma maravillosa de explorar cuestiones filosóficas. Por ejemplo, cuando observo un arroyo en primavera, a menudo me acuerdo del Panta rhei de Heráclito y mis pensamientos empiezan a divagar.
¿Es importante para usted el aspecto lúdico de la combinación, tanto a nivel técnico como imaginativo?
Este aspecto lúdico de la combinación (a veces a nivel formal, a veces a nivel de contenido, a veces a ambos niveles) es de algún modo un hilo conductor de mi trabajo.
¿Qué importancia tiene el color en su trabajo?
Elijo el color intuitivamente y me gusta jugar con él, porque apoya la forma. A veces también hago variaciones de color en serie. Los colores no tienen un significado simbólico para mí, me ayudan a crear mis espacios pictóricos. Por ejemplo, aprecio el azul por su apertura, calma y profundidad.
El azul, en sus diversas tonalidades, se repite a menudo en sus obras. Me gustaría que nos hablara de él con más detalle, si no le importa.
Johann Wolfgang von Goethe dijo del color azul: “Es el color de la oscuridad. Como color, es una energía y, en su forma más pura, una nada fascinante. Parece retroceder (las montañas lejanas parecen azules) y, sin embargo, atrae. Es agradable a la vista, evoca una sensación de frío y recuerda a una sombra”. Lo describió muy bien. Para mí, el color azul ofrece una gran libertad, ofrece una amplia gama de interpretaciones y es singularmente polifacético. Me encanta aplicar un azul índigo intenso con pintura de acuarela sobre papel hecho a mano: es encantador.
¿Le interesa la dimensión espiritual en sus obras?
Para mí, el proceso artístico tiene algo mágico y también espiritual. A mis ojos, el arte tiene mucho que ver con la introspección, pero al mismo tiempo también siento una conexión más profunda con el todo. Siempre miro el mundo desde diferentes perspectivas. Por ejemplo, me interesa la comunicación de las plantas, desde una perspectiva científica, pero también encuentro fascinante el componente espiritual de la naturaleza. Hace algún tiempo leí el libro Così parlò la pianta, de Monica Gagliano, y me pareció muy inspirador: ella también contempla el mundo de las plantas desde múltiples perspectivas y abre horizontes. También me gustan los haiku japoneses, poemas breves sobre la naturaleza, que a menudo también encarnan una especie de espiritualidad. Son sencillos, pero dicen mucho. “Como la astronomía, una rana mira al cielo”. Son sólo unas palabras de Kobayashi Issa, pero abren una amplia visión del mundo.
¿Qué papel juega para usted la dimensión del estudio, entendido como el lugar físico donde se desarrolla el trabajo del artista?
Mi espacio de trabajo está en mi piso, así que no tengo que salir de casa para dedicarme al arte. Es el lugar donde encuentro la paz y puedo ordenar mis pensamientos. Es mi taller creativo, donde puedo crear la atmósfera adecuada.
Cuando empieza una obra, ¿tiene ya una idea clara de cómo se desarrollará o hay lugar para cambios en el camino?
Varía de una obra a otra. A veces tengo una imagen o elementos de una imagen en la cabeza, los plasmo en pequeños bocetos, textualizo posibles implementaciones en pequeños dibujos. Cuando llega el momento de la obra en sí, dejo que fluya y, aparte de los componentes previstos, suelo sorprenderme. Algunas cosas surgen espontáneamente de forma lúdica o cambian durante el proceso.
¿Qué es para usted el dibujo?
El dibujo es un medio apasionante y me abre muchas posibilidades. Me gusta mezclar diferentes técnicas, pero el dibujo es mi medio favorito porque me permite cierta precisión y libertad. Con los lápices de cera consigo efectos pictóricos; con los rotuladores de tinta, por ejemplo, logro finas líneas gráficas que muestran una ligereza de trazo flotante. También me gusta utilizar la técnica del esgrafiado, en la que uso una herramienta de madera para tallar líneas en el lápiz de cera o la tinta de impresión y revelar las capas que hay debajo. Esto crea una textura diferente, a menudo ligeramente elevada. El proceso es casi un poco arqueológico, porque a veces me sorprende lo que descubro y lo que surge.
¿La casualidad, el accidente, desempeña algún papel en su trabajo?
La estética desempeña un papel importante en mi trabajo, pero ciertos errores o imprevistos a menudo hacen que la obra sea interesante. El perfeccionismo excesivo es un obstáculo, pero al final la composición tiene que ser perfecta. Esto tiene que ver con un ojo experimentado y el flujo de energía.
¿Trabaja en serie, se concentra en un cuadro cada vez o hace varios a la vez?
Suelo trabajar en series, pero también hago obras individuales entre medias. Suelo trabajar uno tras otro y terminar una sola obra en el momento oportuno. Sólo trabajo en unos pocos proyectos muy largos, en paralelo y durante largos periodos de tiempo.
He visto que prefiere los formatos pequeños, ¿a qué se debe?
Para mí no es tanto una cuestión de tamaño como de energía e intensidad. El pequeño formato a menudo me atrae más.
¿Está relacionado con una idea de densidad e intensidad?
Tiene que ver con el enfoque, la concentración y la luminosidad. En la exposición de Agnes Martin, por ejemplo, las obras más pequeñas desplegaban todo su efecto, con la misma intensidad que las obras más grandes. Quizás los formatos más pequeños también posean un poco más de intimidad para mí personalmente, la percepción de cada uno es ciertamente diferente.
¿Qué tipo de diálogo busca con el espectador frente a sus obras?
Mi actividad artística es inicialmente un diálogo íntimo entre el arte y yo. Mi profunda conexión con la naturaleza se expresa en mi arte. Como seres humanos, todos haríamos bien en ver el mundo de un modo menos mecanicista y tener más valor para entrar en contacto con nosotros mismos y comprender el mundo que nos rodea y que llevamos dentro de un modo emocional. Agradezco que Internet permita a espectadores de todo el mundo ver mi trabajo. Me dan muchos comentarios positivos, algunos dicen que mis imágenes les conmueven, que irradian algo de calma y paz. Quizá pueda sensibilizarles un poco sobre la magia de la naturaleza. Si puedo hacerles entrar en mi universo y abrir así el suyo, es algo maravilloso que me hace feliz.
Cuando expone sus obras, ¿le interesa la idea de que pueda desarrollarse una relación entre ellas que estimule al espectador a imaginar una o varias historias posibles?
Cuando expongo mis obras, me aseguro de que cada una de ellas sea autónoma y de que el efecto global sea armonioso. Simplemente proporciono un punto de partida que permite la inmersión. Lo que se desarrolla en la mente del espectador tiene su propia dinámica. Y eso está bien, no estoy contando una historia con una secuencia de acontecimientos, ni quiero ser didáctico. En mi última exposición en Wiesbaden, una microbióloga vino a verme y dijo que mi obra le daba la sensación de volver a casa.
¿Qué ocurre con las obras cuando no hay nadie para observarlas? ¿Puede la existencia de una obra de arte ser independiente de la presencia de un observador?
El arte es un lenguaje. Sólo en diálogo cobra vida y se carga de significado. Se necesita al menos un espectador, que es en primer lugar el artista que entra en contacto con su obra en evolución y finalmente acabada, que tiene una dimensión significativa. Cuando aún más espectadores entran en diálogo con la obra, se produce un intercambio y nuevos impulsos entran en el mundo. Una obra de arte sin espectador, o una música sin oyente, me recuerda a las sondas espaciales Voyager, una misión solitaria que vuela en la oscuridad del espacio, la humanidad en busca de alguien que la escuche.
Además de pintar, ¿cultiva su interés por la naturaleza y sus manifestaciones de otras maneras?
Leo ensayos sobre la naturaleza, me gusta escuchar podcasts y ver documentales. Me encanta observar las estrellas, estudiar las aves y hacer macrofotografías en la naturaleza. La jardinería me enseña mucho sobre las plantas, la vida del suelo y diversos animales de una forma muy práctica.
Algunos artistas se sitúan al margen de lo que hacen, otros, como los artistas, suelen estar en el centro, luego están los que miran su trabajo de arriba abajo o viceversa... ¿cómo se relaciona con lo que hace?
Además de la naturaleza y la jardinería, el arte es mi gran pasión. Estoy estrechamente interconectada con mi arte, viene de mí y a mí y estoy muy agradecida por ello.
El autor de este artículo: Gabriele Landi
Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.
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