J'explore les grands mystères de l'existence avec mon art" : entretien avec Lena Müller

Lena Müller est une artiste allemande née à Nuremberg en 1983. Elle a grandi dans la passion de l’art et de la nature. Dès l’enfance, elle cultive un amour pour le dessin et la création d’univers personnels, inspirés par les visites de musées en famille et par l’activité artistique de son frère. Après avoir étudié à l’Académie des beaux-arts de Nuremberg entre 2005 et 2010, elle a commencé à développer un langage artistique profondément personnel, combinant l’observation scientifique, la philosophie et une curiosité intense pour le micro et le macrocosme. Ses œuvres ont été exposées dans diverses villes européennes, de Berlin à Rome, d’Erlangen à Sète, et reflètent une recherche constante du secret caché dans la nature et l’existence. Son travail, principalement sur papier, mêle le dessin, les techniques mixtes et les expériences tactiles, avec un accent sur le minimalisme et la réduction aux éléments essentiels. À travers des formes abstraites et des paysages intérieurs, Lena invite le spectateur à développer des pensées et des associations personnelles, créant un dialogue intime entre l’art et l’observateur. La nature, les phénomènes scientifiques et la spiritualité sont au centre de ses recherches : de la communication entre les plantes à la structure de l’univers et aux liens philosophiques entre le temps, l’espace et la conscience. Dans cette conversation avec Gabriele Landi, l’artiste parle de lui-même.

GL. Pour de nombreux artistes, l’enfance correspond à l’âge d’or, celui où les images et les processus commencent à s’installer et deviennent en quelque sorte précieux pour les développements ultérieurs. Cela a-t-il été le cas pour vous ?

LM. J’ai été un enfant plein d’imagination, qui a très tôt aimé la nature, le dessin et la création de mondes personnels par le jeu. En outre, j’ai grandi dans une famille qui s’intéressait beaucoup à l’art. Mes parents m’emmenaient parfois voir des expositions d’art, mon frère fabriquait des sculptures et des bijoux. Au fil du temps, j’en suis venue à considérer l’art comme quelque chose dont il faut parler et les compétences artistiques comme quelque chose qu’il faut viser.

La capacité à imaginer des mondes personnels me semble être l’une des caractéristiques fondamentales de votre travail. Comment et avec quelles substances la nourrissez-vous ?

En observant le monde avec les yeux ouverts et en ressentant, en recueillant l’inspiration et en la transformant.

Avez-vous eu un premier amour artistique ?

Enfant, j’étais profondément fasciné par les illustrations d’œufs d’oiseaux de Květoslav Hísek. Quand j’étais jeune, les aquarelles d’August Macke me fascinaient beaucoup et j’ai eu le sentiment que l’art pouvait m’enrichir.

Êtes-vous toujours intéressé par les illustrations de la nature aujourd’hui ?

Je trouve toujours les illustrations biologiques, par exemple de racines ou de plantes, attrayantes et inspirantes. Il peut s’agir de vieux livres de biologie, mais je trouve également fascinantes les illustrations contemporaines, comme celles du botaniste français Francis Hallé. Je suis également fasciné par les illustrations botaniques d’Anna Atkins, qui, au XIXe siècle, a été la première à utiliser pleinement la technique du cyanotype pour illustrer des livres.

Quelles études avez-vous faites ?

J’ai étudié l’art de 2005 à 2010 à l’Académie des beaux-arts de Nuremberg, dans la classe du peintre abstrait Rolf-Gunter Dienst.

Y a-t-il eu des rencontres importantes au cours de votre formation ?

Les rencontres avec différents courants artistiques ont élargi mon horizon. Cinq ans après mes études, j’ai vu l’exposition d’Agnes Martin à la Tate Modern de Londres et j’ai été très enthousiasmée par son minimalisme audacieux et ses univers visuels immersifs. Agnes Martin disait : “Vous devez trouver les choses que vous aimez. Les choses qui plaisent à votre être intérieur”. C’est une attitude que j’estime beaucoup.

Comment votre travail a-t-il évolué au fil du temps ?

Au début de mes études, mon travail était plus figuratif et j’utilisais souvent des peintures à l’huile et des acryliques, ce que je ne fais plus aujourd’hui. J’étais généralement très peu sûr des possibilités techniques. À un moment donné, j’ai réalisé que si mon art n’était pas l’endroit où je pouvais être libre, alors où pouvais-je être ? Il y a tellement de limites dans la vie. Mon art est mon espace de liberté. Je l’ai intériorisé. J’ai désormais davantage accès à mon moi intérieur pour y puiser. Mon travail est également devenu plus abstrait et minimaliste.

Lorsque vous parlez de minimalisme, pourriez-vous expliquer ce que vous entendez par là ?

Il s’agit de réduire les éléments de composition à ce que je considère comme essentiel. J’aime la simplicité qui ouvre des mondes.

Quelle est l’origine des images que vous peignez ?

Mon travail artistique reflète ma fascination pour la nature et les phénomènes scientifiques, en particulier mon intérêt pour le microcosme et le macrocosme. En outre, mon art se caractérise par une sorte d’orbite philosophique autour des questions du temps, de l’espace, de l’origine, de l’existence humaine, du cosmos et de la composition. À travers mon art, je recherche le secret qui se cache dans chaque chose. La nature me fascine sous toutes ses facettes. De l’univers à la communication entre les plantes en passant par le monde des micro-organismes, je me sens comme une sorte de chercheur artistique. J’aime aussi créer des liens poétiques, par exemple entre les ailes d’un papillon au microscope et une rivière. Sur le plan tactile, je m’inspire de différents matériaux, outils et expérimente différentes techniques, mais le dessin est mon principal moyen d’expression. Le minimalisme et la réduction en général m’inspirent, la recherche d’une sorte d’essence fondamentale est passionnante. J’aime créer des mondes visuels abstraits qui me donnent, ainsi qu’au spectateur, la possibilité de développer des pensées et des associations personnelles.

L’idée d’une approche scientifique de l’étude des mondes imaginaires vous intéresse-t-elle ?

Les mondes imaginaires de la pensée sont le fondement de la pensée philosophique. La physique quantique attribue également un rôle important à l’observateur, à l’humanité et à ses perceptions. La question de savoir si c’est nous qui créons le monde tel que nous le connaissons, notre soi-disant réalité, est incroyablement intrigante. La recherche scientifique sur la conscience et l’échange mutuel avec le monde est également un domaine fascinant. À cet égard, j’ai trouvé le film Aware de Frauke Sandig et Eric Black particulièrement impressionnant. La science et la spiritualité se complètent de manière bénéfique : des neuroscientifiques aux moines bouddhistes, différents scientifiques explorent la nature de la conscience. Cela devient souvent très intéressant lorsque les considérations sont interdisciplinaires et ouvrent des perspectives et des mondes de connaissances différents.

Êtes-vous intéressé par l’aspect pictural ?

Dans mon travail, on trouve généralement une forme d’aspect pictural figuratif, mais intégré dans un langage visuel plus abstrait.

Quelle est l’importance de l’aspect technique de votre travail ?

L’utilisation de différentes techniques est très stimulante pour moi. J’aime également mélanger différentes techniques, par exemple en combinant la peinture, le dessin ou la gravure.

L’idée de paysage vous intéresse-t-elle ?

Pour moi, tout est paysage d’une manière ou d’une autre, qu’il soit grand ou petit. Des paysages intérieurs et extérieurs qui doivent être explorés. La surface d’une plante, une lune étrangère, la peau d’un poisson, les chaînes de montagnes, les surfaces d’eau, tout finit par former un paysage. Cela m’excite de l’explorer et de le transformer mentalement et artistiquement. Le physicien quantique Carlo Rovelli décrit le monde comme granulaire, l’espace comme un réseau de granules quantiques vibrantes. De ce point de vue, en jouant avec la perspective, le concept de paysage devient encore plus large et prend une dimension philosophique.

Tout cela semble introduire une dimension poétique dans votre façon de voir le monde. Pouvez-vous nous en parler ?

Je m’intéresse aux grandes questions : comment tout est-il structuré ? De quoi est fait le cosmos ? Qui sommes-nous ? Où allons-nous ? Existe-t-il un lien entre toutes les choses ? J’explore les grands mystères de notre existence avec mon art, en essayant constamment de m’en rapprocher. Dans l’imagination artistique, de nouvelles réalités émergent d’une certaine manière. Créer et regarder de l’art est toujours une merveilleuse façon d’expérimenter des significations plus profondes, à la fois intellectuellement et émotionnellement. Je pense que c’est là toute la beauté de l’art : à son meilleur, il nous ouvre des mondes intérieurs et extérieurs et a le potentiel d’élargir nos horizons de manière enrichissante.

L’idée du “voyageur” vous intéresse-t-elle en tant que moyen d’explorer cette dimension philosophique ?

La figure du voyageur s’est développée au 19e siècle. Nous la connaissons tous depuis l’époque romantique. Là encore, il s’agit d’une quête profonde, d’une exploration du lien entre le monde intérieur et le monde extérieur, entre l’homme et la nature qui l’entoure. Au contact de la nature, en expérimentant sa sublimité et en observant ses détails, je puise également de nombreuses suggestions pour mon art. Pour moi, s’immerger dans la nature en se promenant a toujours une qualité contemplative et est une merveilleuse façon d’explorer des questions philosophiques. Par exemple, en observant un ruisseau au printemps, je me souviens souvent du Panta rhei d’Héraclite et mes pensées commencent à vagabonder.

L’aspect ludique de la combinatoire, tant au niveau technique qu’au niveau de l’imagination, est-il important pour vous ?

Cet aspect ludique de la combinaison (parfois au niveau formel, parfois au niveau du contenu, parfois aux deux niveaux) est en quelque sorte le fil conducteur de mon travail.

Quelle est l’importance de la couleur dans votre travail ?

Je choisis la couleur de manière intuitive et j’aime jouer avec elle, car elle soutient la forme. Il m’arrive aussi de faire des variations de couleurs en série. Les couleurs n’ont pas de signification symbolique pour moi, elles m’aident à créer mes espaces picturaux. Par exemple, j’apprécie le bleu pour son ouverture, son calme et sa profondeur.

Le bleu, dans ses différentes nuances, revient souvent dans vos œuvres. J’aimerais que vous en parliez plus en détail, si vous le voulez bien.

Johann Wolfgang von Goethe a dit de la couleur bleue : “C’est la couleur de l’obscurité. En tant que couleur, c’est une énergie et, dans sa forme la plus pure, un néant fascinant. Il semble s’éloigner (les montagnes lointaines apparaissent bleues) et pourtant il vous attire. Elle est agréable à regarder, évoque une sensation de froid et rappelle une ombre”. Il l’a magnifiquement décrite. Pour moi, la couleur bleue offre une grande liberté, un large éventail d’interprétations et une multitude de facettes. J’aime appliquer un bleu indigo intense à l’aquarelle sur du papier fait main : c’est un enchantement.

Vous intéressez-vous à la dimension spirituelle dans vos œuvres ?

Pour moi, le processus artistique a quelque chose de magique et de spirituel. À mes yeux, l’art a beaucoup à voir avec l’introspection, mais en même temps, je ressens une connexion plus profonde avec le tout. Je regarde toujours le monde sous différentes perspectives. Par exemple, je m’intéresse à la communication des plantes, d’un point de vue scientifique, mais je trouve également fascinante la composante spirituelle de la nature. Il y a quelque temps, j’ai lu le livre Così parlò la pianta de Monica Gagliano et je l’ai trouvé très inspirant : elle aborde également le monde des plantes sous de multiples angles et ouvre des horizons. J’aime aussi les haïkus japonais, ces courts poèmes sur la nature qui incarnent souvent une forme de spiritualité. Ils sont simples, mais en disent long. “Comme l’astronomie, une grenouille regarde le ciel”. Ce ne sont que quelques mots de Kobayashi Issa, mais ils ouvrent une large vision du monde.

Quel rôle joue pour vous la dimension de l’atelier, entendu comme le lieu physique où se déroule le travail de l’artiste ?

Mon espace de travail se trouve dans mon appartement, je n’ai donc pas besoin de quitter la maison pour me consacrer à l’art. C’est l’endroit où je trouve la paix et où je peux rassembler mes pensées. C’est mon atelier de création où je peux créer l’atmosphère adéquate.

Lorsque vous commencez une œuvre, avez-vous déjà une idée précise de la façon dont elle va évoluer ou y a-t-il une marge de manœuvre pour des changements en cours de route ?

Cela varie d’une œuvre à l’autre. Parfois, j’ai une image ou des éléments d’une image en tête, je les capture dans de petites esquisses, je texte des mises en œuvre possibles dans de petits dessins. Lorsqu’il s’agit de l’œuvre proprement dite, je la laisse couler et, en dehors des éléments planifiés, je suis généralement surpris. Certaines choses surgissent spontanément, de manière ludique, ou changent au cours du processus.

Qu’est-ce que le dessin pour vous ?

Le dessin est un moyen d’expression passionnant qui m’ouvre de nombreuses possibilités. J’aime mélanger différentes techniques, mais le dessin est mon médium préféré parce qu’il me permet une certaine précision et une certaine liberté. Avec les crayons de cire, j’obtiens des effets picturaux, avec les stylos à encre, par exemple, j’obtiens de fines lignes graphiques qui affichent une légèreté flottante. J’aime aussi utiliser la technique du sgraffite, qui consiste à creuser des lignes dans la craie de cire ou l’encre d’imprimerie à l’aide d’un outil en bois et à révéler les couches sous-jacentes. Cela crée une texture différente, souvent légèrement en relief. Le processus est presque un peu archéologique, car je suis parfois surpris par ce que je découvre et ce qui émerge.

Le hasard, l’accident, jouent-ils un rôle dans votre travail ?

L’esthétique joue un rôle important dans mon travail, mais certaines erreurs ou événements imprévus rendent souvent le travail intéressant. Un perfectionnisme excessif est un obstacle, mais la composition doit être parfaite à la fin. Il s’agit d’un œil expérimenté et d’un flux d’énergie.

Travaillez-vous en série, vous concentrez-vous sur un tableau à la fois ou en faites-vous plusieurs en même temps ?

Je travaille souvent en série, mais je crée aussi des œuvres individuelles entre-temps. Je travaille généralement l’un après l’autre et j’achève une seule œuvre en temps voulu. Je ne travaille que sur quelques projets très longs, en parallèle et pendant de longues périodes.

J’ai vu que vous préfériez les petits formats, pourquoi ?

Pour moi, c’est moins une question de taille qu’une question d’énergie et d’intensité. Le petit format m’attire souvent davantage.

Est-ce lié à une idée de densité et d’intensité ?

Cela a à voir avec l’attention, la concentration et la luminosité. Dans l’exposition d’Agnes Martin, par exemple, les petites œuvres déployaient tout leur effet, avec la même intensité que les grandes. Peut-être que les petits formats possèdent aussi un peu plus d’intimité pour moi personnellement, la perception de chacun est certainement différente.

Quel type de dialogue recherchez-vous avec le spectateur devant vos œuvres ?

Mon activité artistique est d’abord un dialogue intime entre moi et l’art. Mon lien profond avec la nature s’exprime dans mon art. En tant qu’êtres humains, nous ferions tous bien de voir le monde d’une manière moins mécaniste et d’avoir plus de courage pour entrer en contact avec nous-mêmes et comprendre le monde en nous et autour de nous d’une manière émotionnelle. J’apprécie le fait que l’internet permette à des spectateurs du monde entier de voir mon travail. Ils me donnent beaucoup de commentaires positifs, certains disent que mes images les touchent, qu’elles dégagent quelque chose de calme et de paisible. Je peux peut-être les sensibiliser un peu à la magie de la nature. Si je peux les faire entrer dans mon univers et ainsi ouvrir le leur, c’est une chose merveilleuse qui me rend heureuse.

Lorsque vous exposez vos œuvres, êtes-vous intéressé par l’idée qu’une relation puisse se développer entre les œuvres et inciter le spectateur à imaginer une ou plusieurs histoires possibles ?

Lorsque j’expose mes œuvres, je veille à ce que chacune soit autonome et que l’ensemble soit harmonieux. Je ne fais que fournir un point de départ, permettant l’immersion. Ce qui se développe dans l’esprit du spectateur a sa propre dynamique. Et c’est bien ainsi, je ne raconte pas une histoire avec une séquence d’événements, et je ne veux pas non plus être didactique. Lors de ma dernière exposition à Wiesbaden, une microbiologiste est venue me voir et m’a dit que mon travail lui donnait l’impression de rentrer chez elle.

Qu’advient-il des œuvres lorsque personne n’est là pour les observer ? L’existence d’une œuvre d’art peut-elle être indépendante de la présence d’un observateur ?

L’art est un langage. Ce n’est que dans le dialogue qu’il prend vie et se charge de sens. Il faut au moins un spectateur, et c’est d’abord l’artiste qui entre en contact avec son œuvre évolutive et finalement achevée, qui a une dimension significative. Lorsque plusieurs spectateurs entrent en dialogue avec l’œuvre, il se produit un échange et de nouvelles impulsions entrent dans le monde. Une œuvre d’art sans spectateur, ou une musique sans auditeur, me rappelle les sondes spatiales Voyager, une mission solitaire dans l’obscurité de l’espace, l’humanité cherchant quelqu’un d’autre pour l’écouter.

Outre la peinture, cultivez-vous votre intérêt pour la nature et ses manifestations d’une autre manière ?

Je lis des essais sur la nature, j’aime écouter des podcasts et regarder des documentaires. J’aime observer les étoiles, étudier les oiseaux et prendre des macrophotographies dans la nature. Le jardinage m’apprend beaucoup sur les plantes, la vie du sol et divers animaux d’une manière très pratique.

Certains artistes se positionnent en marge de ce qu’ils font, d’autres, comme les artistes-interprètes, sont souvent au centre de ce qu’ils font, puis il y a ceux qui considèrent leur travail du haut vers le bas ou vice versa... Comment vous situez-vous par rapport à ce que vous faites ?

Outre la nature et le jardinage, l’art est ma grande passion. Je suis étroitement liée à mon art, il vient de moi et à moi, et j’en suis très reconnaissante.

L'auteur de cet article: Gabriele Landi

Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.

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