“Esploro i grandi misteri dell'esistenza con la mia arte”: intervista a Lena Müller

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Lena Müller è un’artista tedesca nata a Norimberga nel 1983 e cresciuta immersa nella passione per l’arte e la natura. Fin dall’infanzia coltiva un amore per il disegno e la creazione di mondi personali, ispirata dalle visite ai musei con la famiglia e dall’attività artistica del fratello. Dopo gli studi presso l’Accademia di Belle Arti di Norimberga tra il 2005 e il 2010, ha iniziato a sviluppare un linguaggio artistico profondamente personale, combinando osservazione scientifica, filosofia e un’intensa curiosità per il micro e il macrocosmo. Le sue opere sono state esposte in diverse città europee, da Berlino a Roma, da Erlangen a Sète, e riflettono una costante ricerca del segreto che si cela nella natura e nell’esistenza. Il suo lavoro, prevalentemente su carta, mescola disegno, tecniche miste e sperimentazioni tattili, con un focus sul minimalismo e sulla riduzione agli elementi essenziali. Attraverso forme astratte e paesaggi interiori, Lena invita lo spettatore a sviluppare pensieri e associazioni personali, creando un dialogo intimo tra arte e osservatore. La natura, i fenomeni scientifici e la spiritualità sono al centro della sua ricerca: dalle comunicazioni tra le piante alla struttura dell’universo, passando per le connessioni filosofiche tra tempo, spazio e coscienza. In questa conversazione con Gabriele Landi, l’artista si racconta.

GL. Per molti artisti l’infanzia corrisponde all’età dell’oro, quella in cui si iniziano a sedimentare immagini e processi che in qualche modo diventano preziosi per gli sviluppi successivi. È stato così anche per te?

LM. Ero una bambina piena di immaginazione, con un amore precoce per la natura, il disegno e la creazione di mondi personali attraverso il gioco. Inoltre, sono cresciuta in una famiglia con un forte interesse per l’arte. I miei genitori a volte mi portavano a mostre d’arte, mio fratello realizzava sculture e gioielli. Col tempo, ho imparato a conoscere l’arte come qualcosa di prezioso di cui vale la pena parlare e le capacità artistiche come qualcosa per cui vale la pena impegnarsi.

La capacità di immaginare mondi personali mi sembra una delle caratteristiche fondamentali del tuo lavoro. Come e con quali sostanze la nutri?

Osservando il mondo con occhi aperti e con sentimento, raccogliendo ispirazione e poi trasformandola.

Hai avuto un primo amore artistico?

Da bambina ero profondamente affascinata dalle illustrazioni di uova di uccello di Květoslav Hísek. Da giovane, gli acquerelli di August Macke mi affascinavano molto e ho avuto la sensazione che l’arte potesse arricchirmi.

Sei ancora interessata alle illustrazioni naturalistiche oggi?

Trovo ancora le illustrazioni biologiche, ad esempio di radici o piante, attraenti e in grado di suscitare ispirazione. Possono essere vecchi libri di biologia, ma trovo affascinanti anche le illustrazioni contemporanee, come quelle del botanico francese Francis Hallé. Sono anche affascinata dalle illustrazioni botaniche di Anna Atkins, che nel XIX secolo fu la prima a utilizzare in modo completo la tecnica del cianotipo per le illustrazioni di libri.

Quali studi hai fatto?

Ho studiato arte dal 2005 al 2010 all’Accademia di Belle Arti di Norimberga, nella classe del pittore astratto Rolf-Gunter Dienst.

Ci sono stati incontri importanti durante la tua formazione?

L’incontro con diverse correnti artistiche ha ampliato i miei orizzonti. Cinque anni dopo i miei studi, ho visto la mostra di Agnes Martin alla Tate Modern di Londra e sono rimasta davvero entusiasta del suo coraggio nel minimalismo e dei suoi mondi visivi coinvolgenti. Agnes Martin diceva: “Devi trovare le cose che ti piacciono. Le cose che sono piacevoli per il tuo essere interiore”. È un atteggiamento che tengo in grande considerazione.

Come si è evoluto il tuo lavoro nel tempo?

All’inizio dei miei studi, il mio lavoro era più figurativo e usavo spesso colori a olio e acrilici, cosa che oggi non faccio più. Ero generalmente molto insicura sulle possibilità tecniche. A un certo punto ho capito che se la mia arte non è il luogo in cui posso essere libera, allora dov’è che posso esserlo? Ci sono così tanti limiti nella vita. La mia arte è il mio spazio di libertà. L’ho interiorizzato. Ora ho più accesso al mio io interiore da cui attingere. Anche il mio lavoro è diventato più astratto e minimalista.

Quando parli di minimalismo, potresti spiegare cosa intendi più in dettaglio?

Si tratta di ridurre gli elementi compositivi a ciò che considero essenziale. Mi piace la semplicità che apre mondi.

Qual è l’origine delle immagini che dipingi?

Il mio lavoro artistico riflette la mia fascinazione per la natura e i fenomeni scientifici, in particolare il mio interesse per il microcosmo e il macrocosmo. Inoltre, la mia arte è caratterizzata da una sorta di orbita filosofica attorno alle questioni del tempo, dello spazio, dell’origine, dell’esistenza umana, del cosmo e della composizione. Attraverso la mia arte traccio il segreto che si cela in ogni cosa. La natura mi affascina in tutte le sue sfaccettature. Dall’universo, alla comunicazione tra le piante e il mondo dei microrganismi, mi sento una sorta di ricercatore artistico. Mi piace anche creare connessioni poetiche, ad esempio tra le ali di una farfalla al microscopio e un fiume. A livello tattile, traggo ispirazione da diversi materiali, strumenti e dalla sperimentazione di tecniche diverse, ma il disegno è il mio mezzo espressivo principale. Il minimalismo e la riduzione in genere mi ispirano, trovare una sorta di essenza fondamentale è entusiasmante. Mi piace creare mondi visivi astratti che diano a me e allo spettatore la possibilità di sviluppare pensieri e associazioni personali.

Ti interessa l’idea di un approccio scientifico all’indagine dei mondi immaginari?

I mondi immaginari del pensiero sono il fondamento del pensiero filosofico. Anche la fisica quantistica assegna un ruolo significativo all’osservatore, all’umanità con le sue percezioni. La questione se siamo noi a creare il mondo come lo conosciamo, la nostra cosiddetta realtà, è incredibilmente intrigante. Anche la ricerca scientifica sulla coscienza e lo scambio reciproco con il mondo è un campo affascinante. A questo proposito, ho trovato particolarmente impressionante il film Aware di Frauke Sandig ed Eric Black. Scienza e spiritualità si completano a vicenda in modo reciprocamente vantaggioso: dai neuroscienziati ai monaci buddisti, diversi scienziati esplorano la natura della coscienza. Spesso diventa davvero interessante quando le considerazioni sono interdisciplinari e si aprono diverse prospettive e mondi di conoscenza.

Ti interessa l’aspetto pittorico?

Nel mio lavoro si può solitamente trovare una forma di aspetto pittorico figurativo, ma inserito in un linguaggio visivo più astratto.

Quanto è importante l’aspetto tecnico del tuo lavoro?

Utilizzare tecniche diverse è molto stimolante per me. Mi piace anche mescolare tecniche diverse, ad esempio combinando pittura, disegno o incisione.

Ti interessa l’idea di paesaggio?

Per me, in qualche modo tutto è paesaggio, piccolo e grande. Paesaggi interiori ed esteriori che devono essere esplorati. La superficie di una pianta, una luna aliena, la pelle di un pesce, catene montuose, superfici d’acqua, tutto in definitiva forma una forma di paesaggio. Mi entusiasma esplorarlo e trasformarlo mentalmente e artisticamente. Il fisico quantistico Carlo Rovelli descrive il mondo come granulare, lo spazio come una rete di granuli quantistici vibranti. Da questo punto di vista, giocando con la prospettiva, il concetto di paesaggio diventa ancora più ampio e assume una dimensione filosofica.

Tutto questo sembra introdurre una dimensione poetica nel tuo modo di guardare il mondo. Puoi parlarcene?

Mi interessano le grandi domande: come è strutturato tutto? Di cosa è fatto il cosmo? Chi siamo? Dove stiamo andando? Esiste una connessione tra tutto? Esploro i grandi misteri della nostra esistenza con la mia arte, cercando costantemente di avvicinarmi ad essi. Nell’immaginario artistico, nuove realtà emergono in un certo modo. Creare e guardare l’arte è sempre un modo meraviglioso per sperimentare significati più profondi, sia a livello intellettuale che emotivo. Penso che sia questo il bello dell’arte: che, al suo meglio, ci apre mondi interiori ed esteriori e ha il potenziale per ampliare i nostri orizzonti in modi arricchenti.

Ti interessa l’idea del “viandante” come modo per esplorare questa dimensione filosofica?

La figura del viandante si è sviluppata nel XIX secolo. La conosciamo tutti dall’epoca romantica. Anche qui si tratta di una ricerca profonda, un’esplorazione della connessione tra il mondo interiore e quello esteriore, tra l’umanità e la natura che la circonda. Attraverso il contatto con la natura, sperimentandone la sublimità e osservandone i dettagli, traggo anche molte suggestioni per la mia arte. Per me, immergermi nella natura mentre faccio una passeggiata ha sempre una qualità contemplativa ed è un modo meraviglioso per esplorare questioni filosofiche. Ad esempio, osservando un ruscello in primavera, mi viene spesso in mente il Panta rhei di Eraclito e i miei pensieri iniziano a vagare.

L’aspetto combinatorio giocoso, sia a livello tecnico che immaginativo, è importante per te?

Questo aspetto giocoso della combinazione (a volte a livello formale, a volte a livello di contenuto, a volte su entrambi i livelli) è in qualche modo un filo conduttore attraverso il mio lavoro.

Che importanza ha il colore in quello che fai?

Scelgo il colore in modo intuitivo e mi piace giocarci, perché sostiene la forma. A volte realizzo anche variazioni di colore seriali. I colori non hanno alcun significato simbolico per me, mi aiutano a creare i miei spazi pittorici. Ad esempio, apprezzo il blu per la sua apertura, calma e profondità.

Il blu, nelle sue varie sfumature, ricorre spesso nelle tue opere. Vorrei che ne parlassi più in dettaglio, se non ti dispiace.

Johann Wolfgang von Goethe disse sul colore blu: “È il colore dell’oscurità. Come colore, è un’energia e, nella sua forma più pura, un nulla affascinante. Sembra allontanarsi (le montagne lontane appaiono blu) eppure ti attira. È piacevole da guardare, evoca una sensazione di freddezza e ricorda un’ombra”. Lo descrisse meravigliosamente. Per me, il colore blu offre una grande libertà, offre un’ampia gamma di interpretazioni ed è poliedrico in modo unico. Adoro applicare un blu indaco intenso con la pittura ad acquerello su carta fatta a mano: è incantevole.

Sei interessata alla dimensione spirituale nelle tue opere?

Per me, il processo artistico ha qualcosa di magico e anche spirituale. Ai miei occhi, l’arte ha molto a che fare con l’introspezione, ma allo stesso tempo sento anche una forma di connessione più profonda con il tutto. Guardo sempre il mondo da diverse prospettive. Ad esempio, mi interessa la comunicazione delle piante, da una prospettiva scientifica, ma trovo anche affascinante la componente spirituale della natura. Qualche tempo fa ho letto il libro Così parlò la pianta di Monica Gagliano e l’ho trovato molto stimolante: anche lei guarda al mondo delle piante da molteplici prospettive e apre orizzonti. Mi piacciono anche gli haiku giapponesi, brevi poesie sulla natura, che spesso incarnano anche una sorta di spiritualità. Sono semplici, eppure dicono molto. “Come l’astronomia, una rana guarda il cielo”. Sono solo poche parole di Kobayashi Issa, eppure aprono una visione ampia del mondo.

Che ruolo ricopre per te la dimensione dello studio, inteso come luogo fisico in cui si svolge il lavoro dell’artista?

Il mio spazio di lavoro è nel mio appartamento, quindi non devo uscire di casa per dedicarmi all’arte. È il luogo dove trovo pace e posso raccogliere i miei pensieri. È il mio laboratorio creativo dove posso creare la giusta atmosfera.

Quando inizi un lavoro, hai già un’idea chiara di come si svilupperà o c’è spazio per cambiamenti lungo il percorso?

Varia da lavoro a lavoro. A volte ho un’immagine o degli elementi di un’immagine in testa, li catturo in piccoli schizzi, ne testo possibili implementazioni in piccoli disegni. Quando si tratta del lavoro vero e proprio, lo lascio fluire e, oltre alle componenti pianificate, di solito rimango sorpresa. Alcune cose nascono spontaneamente in modo giocoso o cambiano durante il processo.

Cos’è per te il disegno?

Il disegno è un mezzo entusiasmante e mi apre molte possibilità. Mi piace mescolare diverse tecniche, ma il disegno è il mio mezzo preferito perché mi consente una certa precisione e libertà. Con i pastelli a cera ottengo effetti pittorici, con le penne a inchiostro, ad esempio, ottengo sottili linee grafiche che visualizzano una leggerezza fluttuante delle linee. Mi piace anche usare la tecnica dello sgraffito, in cui uso uno strumento di legno per incidere linee nel pastello a cera o nell’inchiostro da stampa e rivelare gli strati sottostanti. Questo crea una texture diversa, spesso leggermente in rilievo. Il processo è quasi un po’ archeologico, perché a volte rimango sorpreso da ciò che scopro e da ciò che emerge.

Il caso, l’incidente, hanno un ruolo nel tuo lavoro?

L’estetica svolge un ruolo importante nel mio lavoro, ma certi errori o eventi imprevisti spesso rendono il lavoro interessante. L’eccessivo perfezionismo è un ostacolo, ma la composizione deve essere perfetta alla fine. Questo ha a che fare con un occhio esperto e con il flusso di energia.

Lavori in serie, ti concentri su un dipinto alla volta o ne realizzi diversi contemporaneamente?

Spesso lavoro in serie, ma creo anche opere individuali nel frattempo. Di solito lavoro uno dopo l’altro e completo un singolo lavoro in modo tempestivo. Lavoro solo su pochi progetti molto lunghi, in parallelo e per periodi di tempo più lunghi.

Ho visto che preferisci i piccoli formati, per quale motivo?

Per me è meno una questione di dimensioni, più di energia e intensità. Il piccolo formato spesso mi attrae di più.

È legato a un’idea di densità e intensità?

Ha a che fare con attenzione, concentrazione e luminosità. Nella mostra di Agnes Martin, ad esempio, le opere più piccole hanno dispiegato il loro pieno effetto, con la stessa intensità delle opere più grandi. Forse i formati più piccoli possiedono anche un po’ più di intimità per me personalmente, la percezione che ognuno ne ha è certamente diversa.

Che tipo di dialogo cerchi con lo spettatore di fronte alle tue opere?

L’attività artistica è inizialmente un dialogo intimo tra me e l’arte. Il mio profondo legame con la natura si esprime nella mia arte. Come esseri umani, faremmo tutti bene a vedere il mondo in modo meno meccanicistico e ad avere più coraggio di entrare in contatto con noi stessi e di comprendere il mondo dentro di noi e intorno a noi in modo emotivo. Ho apprezzato il fatto che internet permetta a spettatori di tutto il mondo di vedere il mio lavoro. Mi danno molti feedback positivi, alcuni dicono che le mie immagini li toccano, che irradiano qualcosa di calmo e pacifico. Forse posso aumentare un po’ la consapevolezza della magia della natura. Se riesco a portarli nel mio universo e quindi ad aprire il loro, allora è una cosa meravigliosa che mi rende felice.

Quando esponi le tue opere, ti interessa l’idea che possa svilupparsi una relazione tra le opere che possa stimolare lo spettatore a immaginare una o più possibili storie?

Quando espongo le mie opere, mi assicuro che ogni opera sia autonoma e che l’effetto complessivo sia armonioso. Sto semplicemente fornendo un punto di partenza, consentendo un’immersione. Ciò che si sviluppa nella mente dello spettatore ha una sua dinamica. Ed è un bene, non racconto una storia con una sequenza di eventi, né voglio essere didascalico. Alla mia ultima mostra a Wiesbaden, una microbiologa è venuta a trovarmi e ha detto che il mio lavoro le dava la sensazione di tornare a casa.

Cosa succede alle opere quando non c’è nessuno a osservarle? L’esistenza di un’opera d’arte può essere indipendente dalla presenza di un osservatore?

L’arte è un linguaggio. Solo nel dialogo prende vita e si carica di significato. Ci vuole almeno uno spettatore, e questo è prima di tutto l’artista che entra in contatto con la sua opera in evoluzione e infine finita, che ha una dimensione significativa. Quando ancora più spettatori entrano in dialogo con l’opera, si verifica uno scambio e nuovi impulsi entrano nel mondo. Un’opera d’arte senza spettatore, o una musica senza ascoltatore, mi ricordano le sonde spaziali Voyager, una missione solitaria che vola nell’oscurità dello spazio, l’umanità alla ricerca di qualcun altro che ascolti.

Oltre alla pittura, coltivi il tuo interesse per la natura e le sue manifestazioni anche in altri modi?

Leggo saggi sulla natura, mi piace ascoltare podcast e guardare documentari. Adoro osservare le stelle, studiare gli uccelli e scattare foto macro in natura. Il giardinaggio mi insegna molto sulle piante, sulla vita del suolo e su vari animali in modo molto pratico.

Alcuni artisti si posizionano ai margini di ciò che fanno, altri, come i performer, ne sono spesso al centro, poi ci sono quelli che guardano il loro lavoro dall’alto verso il basso o viceversa... come ti relazioni con ciò che fai?

Oltre alla natura e al giardinaggio, l’arte è la mia grande passione. Sono strettamente interconnessa con la mia arte, viene da me e a me e ne sono molto grata.

L'autore di questo articolo: Gabriele Landi

Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.