Mit meiner Kunst erforsche ich die großen Geheimnisse des Daseins": Interview mit Lena Müller

Lena Müller ist eine deutsche Künstlerin, die 1983 in Nürnberg geboren wurde und inmitten einer Leidenschaft für Kunst und Natur aufwuchs. Seit ihrer Kindheit pflegt sie die Liebe zum Zeichnen und zur Erschaffung persönlicher Welten, inspiriert durch Museumsbesuche mit ihrer Familie und durch die künstlerische Tätigkeit ihres Bruders. Nach ihrem Studium an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg zwischen 2005 und 2010 begann sie, eine zutiefst persönliche künstlerische Sprache zu entwickeln, die wissenschaftliche Beobachtung, Philosophie und eine intensive Neugierde für den Mikro- und Makrokosmos miteinander verbindet. Seine Werke wurden in verschiedenen europäischen Städten, von Berlin bis Rom, von Erlangen bis Sète, ausgestellt und spiegeln eine ständige Suche nach dem in der Natur und der Existenz verborgenen Geheimnis wider. Sein Werk, das überwiegend auf Papier entsteht, ist eine Mischung aus Zeichnung, Mischtechnik und taktilen Experimenten, wobei er sich auf Minimalismus und die Reduktion auf das Wesentliche konzentriert. Durch abstrakte Formen und innere Landschaften lädt Lena den Betrachter ein, persönliche Gedanken und Assoziationen zu entwickeln, wodurch ein intimer Dialog zwischen Kunst und Betrachter entsteht. Die Natur, wissenschaftliche Phänomene und Spiritualität stehen im Mittelpunkt ihrer Forschung: von der Kommunikation zwischen Pflanzen über die Struktur des Universums bis hin zu den philosophischen Zusammenhängen zwischen Zeit, Raum und Bewusstsein. In diesem Gespräch mit Gabriele Landi spricht der Künstler über sich selbst.

GL. Für viele Künstler ist die Kindheit das goldene Zeitalter, in dem sich Bilder und Prozesse festsetzen, die in gewisser Weise für spätere Entwicklungen wertvoll werden. War dies auch bei Ihnen der Fall?

LM. Ich war ein Kind voller Phantasie, mit einer frühen Liebe zur Natur, zum Zeichnen und zum spielerischen Erschaffen persönlicher Welten. Außerdem wuchs ich in einer Familie auf, die sich sehr für Kunst interessierte. Meine Eltern nahmen mich manchmal zu Kunstausstellungen mit, mein Bruder stellte Skulpturen und Schmuck her. Mit der Zeit lernte ich Kunst als etwas kennen, über das es sich zu sprechen lohnt, und künstlerische Fähigkeiten als etwas, das es wert ist, angestrebt zu werden.

Die Fähigkeit, sich persönliche Welten vorzustellen, scheint mir eines der grundlegenden Merkmale Ihrer Arbeit zu sein. Wie und mit welchen Mitteln nähren Sie sie?

Indem ich die Welt mit offenen Augen und Gefühlen beobachte, Inspirationen sammle und sie dann umsetze.

Hatten Sie eine erste künstlerische Liebe?

Als Kind war ich von den Illustrationen der Vogeleier von Květoslav Hísek fasziniert. Als ich jung war, haben mich die Aquarelle von August Macke sehr fasziniert und ich hatte das Gefühl, dass Kunst mich bereichern kann.

Interessieren Sie sich heute noch für Naturillustrationen?

Ich finde biologische Illustrationen, zum Beispiel von Wurzeln oder Pflanzen, immer noch attraktiv und inspirierend. Es können alte Biologiebücher sein, aber ich finde auch zeitgenössische Illustrationen, wie die des französischen Botanikers Francis Hallé, faszinierend. Ich bin auch fasziniert von den botanischen Illustrationen von Anna Atkins, die im 19. Jahrhundert als erste die Technik der Cyanotypie für Buchillustrationen nutzte.

Welche Studien haben Sie absolviert?

Ich habe von 2005 bis 2010 Kunst an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg studiert, in der Klasse des abstrakten Malers Rolf-Gunter Dienst.

Gab es wichtige Begegnungen während Ihrer Ausbildung?

Begegnungen mit verschiedenen künstlerischen Strömungen haben meinen Horizont erweitert. Fünf Jahre nach meinem Studium sah ich die Ausstellung von Agnes Martin in der Tate Modern in London und war begeistert von ihrem kühnen Minimalismus und ihren immersiven Bildwelten. Agnes Martin sagte: “Man muss die Dinge finden, die man mag. Die Dinge, die deinem inneren Wesen gefallen”. Das ist eine Haltung, die ich sehr schätze.

Wie hat sich Ihre Arbeit im Laufe der Zeit entwickelt?

Zu Beginn meines Studiums war meine Arbeit eher figurativ und ich habe oft mit Öl- und Acrylfarben gemalt, was ich heute nicht mehr tue. Ich war generell sehr unsicher, was die technischen Möglichkeiten angeht. Irgendwann wurde mir klar: Wenn meine Kunst nicht der Ort ist, an dem ich frei sein kann, wo kann ich dann sein? Es gibt so viele Grenzen im Leben. Meine Kunst ist mein Raum der Freiheit. Ich habe sie verinnerlicht. Ich habe jetzt mehr Zugang zu meinem inneren Selbst, aus dem ich schöpfen kann. Meine Arbeit ist auch abstrakter und minimalistischer geworden.

Wenn Sie von Minimalismus sprechen, könnten Sie genauer erklären, was Sie damit meinen?

Es geht darum, kompositorische Elemente auf das zu reduzieren, was ich für wesentlich halte. Ich mag Einfachheit, die Welten eröffnet.

Was ist der Ursprung der Bilder, die Sie malen?

Meine Kunstwerke spiegeln meine Faszination für die Natur und wissenschaftliche Phänomene wider, insbesondere mein Interesse für den Mikro- und Makrokosmos. Darüber hinaus ist meine Kunst von einer Art philosophischer Umlaufbahn um die Fragen von Zeit, Raum, Ursprung, menschlicher Existenz, Kosmos und Komposition geprägt. Mit meiner Kunst spüre ich dem Geheimnis nach, das in allem verborgen ist. Die Natur fasziniert mich in all ihren Facetten. Vom Universum über die Kommunikation zwischen Pflanzen bis hin zur Welt der Mikroorganismen fühle ich mich als eine Art künstlerische Forscherin. Ich stelle auch gerne poetische Verbindungen her, zum Beispiel zwischen den Flügeln eines Schmetterlings unter dem Mikroskop und einem Fluss. Auf taktiler Ebene lasse ich mich von verschiedenen Materialien und Werkzeugen inspirieren und experimentiere mit verschiedenen Techniken, aber mein Hauptausdrucksmittel ist die Zeichnung. Minimalismus und Reduktion im Allgemeinen inspirieren mich, eine Art grundlegende Essenz zu finden ist spannend. Ich mag es, abstrakte Bildwelten zu schaffen, die mir und dem Betrachter die Möglichkeit geben, persönliche Gedanken und Assoziationen zu entwickeln.

Interessieren Sie sich für die Idee eines wissenschaftlichen Ansatzes zur Erforschung von Vorstellungswelten?

Imaginäre Gedankenwelten sind die Grundlage des philosophischen Denkens. Auch die Quantenphysik weist dem Beobachter, dem Menschen mit seinen Wahrnehmungen, eine bedeutende Rolle zu. Die Frage, ob wir es sind, die die Welt, wie wir sie kennen, unsere so genannte Realität, erschaffen, ist ungeheuer faszinierend. Auch die wissenschaftliche Erforschung des Bewusstseins und des gegenseitigen Austauschs mit der Welt ist ein faszinierendes Feld. In diesem Zusammenhang fand ich den Film Aware von Frauke Sandig und Eric Black besonders beeindruckend. Wissenschaft und Spiritualität ergänzen sich auf eine gegenseitig befruchtende Weise: Von Neurowissenschaftlern bis zu buddhistischen Mönchen erforschen verschiedene Wissenschaftler die Natur des Bewusstseins. Richtig interessant wird es oft, wenn die Betrachtungen interdisziplinär sind und unterschiedliche Perspektiven und Wissenswelten eröffnen.

Interessieren Sie sich für den bildnerischen Aspekt?

In meiner Arbeit findet sich meist eine Art figurativer Bildaspekt, aber eingebettet in eine abstraktere Bildsprache.

Wie wichtig ist der technische Aspekt in Ihrer Arbeit?

Die Verwendung verschiedener Techniken ist für mich sehr anregend. Ich mische auch gerne verschiedene Techniken, indem ich zum Beispiel Malerei, Zeichnung oder Gravur kombiniere.

Interessieren Sie sich für die Idee der Landschaft?

Für mich ist alles in irgendeiner Weise Landschaft, im Großen wie im Kleinen. Innere und äußere Landschaften, die es zu erforschen gilt. Die Oberfläche einer Pflanze, ein fremder Mond, die Haut eines Fisches, Gebirgsketten, Wasseroberflächen, alles bildet letztlich eine Landschaft. Es reizt mich, sie zu erforschen und sie geistig und künstlerisch zu verwandeln. Der Quantenphysiker Carlo Rovelli beschreibt die Welt als körnig, den Raum als ein Netzwerk vibrierender Quantenkörner. Aus dieser Perspektive, dem Spiel mit der Perspektive, wird der Begriff der Landschaft noch weiter gefasst und erhält eine philosophische Dimension.

All dies scheint eine poetische Dimension in Ihre Betrachtungsweise der Welt einzuführen. Können Sie uns etwas darüber erzählen?

Ich interessiere mich für die großen Fragen: Wie ist alles aufgebaut? Woraus besteht der Kosmos? Wer sind wir? Wohin gehen wir? Gibt es eine Verbindung zwischen allem? Mit meiner Kunst erforsche ich die großen Geheimnisse unserer Existenz und versuche ständig, ihnen näher zu kommen. In der künstlerischen Phantasie entstehen in gewisser Weise neue Realitäten. Das Schaffen und Betrachten von Kunst ist immer eine wunderbare Möglichkeit, tiefere Bedeutungen zu erfahren, sowohl intellektuell als auch emotional. Ich denke, das ist das Schöne an der Kunst: dass sie uns im besten Fall innere und äußere Welten eröffnet und das Potenzial hat, unseren Horizont auf bereichernde Weise zu erweitern.

Interessiert Sie die Idee des “Wanderers” als Möglichkeit, diese philosophische Dimension zu erforschen?

Die Figur des Wanderers ist im 19. Jahrhundert entstanden. Jahrhundert. Wir alle kennen sie aus der Romantik. Auch hier handelt es sich um eine tiefe Suche, um eine Erkundung der Verbindung zwischen innerer und äußerer Welt, zwischen dem Menschen und der ihn umgebenden Natur. Aus dem Kontakt mit der Natur, dem Erleben ihrer Erhabenheit und dem Beobachten ihrer Details, schöpfe ich auch viele Anregungen für meine Kunst. Das Eintauchen in die Natur bei einem Spaziergang hat für mich immer eine kontemplative Qualität und ist eine wunderbare Möglichkeit, philosophischen Fragen nachzugehen. Wenn ich zum Beispiel im Frühling einen Bach beobachte, werde ich oft an Heraklit’ Panta rhei erinnert und meine Gedanken beginnen zu schweifen.

Ist der spielerische kombinatorische Aspekt, sowohl auf technischer als auch auf phantasievoller Ebene, für Sie wichtig?

Dieser spielerische Aspekt der Kombination (manchmal auf formaler Ebene, manchmal auf inhaltlicher Ebene, manchmal auf beiden Ebenen) zieht sich wie ein roter Faden durch meine Arbeit.

Wie wichtig ist die Farbe in Ihrer Arbeit?

Ich wähle Farben intuitiv und spiele gerne mit ihnen, weil sie die Form unterstützen. Manchmal mache ich auch serielle Farbvariationen. Farben haben für mich keine symbolische Bedeutung, sie helfen mir, meine Bildräume zu schaffen. Ich schätze zum Beispiel Blau wegen seiner Offenheit, Ruhe und Tiefe.

Blau in seinen verschiedenen Schattierungen taucht häufig in Ihren Werken auf. Wenn Sie nichts dagegen haben, würde ich Sie bitten, etwas ausführlicher darüber zu sprechen.

Johann Wolfgang von Goethe sagte über die Farbe Blau: “Sie ist die Farbe der Finsternis. Als Farbe ist sie eine Energie und, in ihrer reinsten Form, ein faszinierendes Nichts. Sie scheint zu entschwinden (ferne Berge erscheinen blau) und doch zieht sie einen an. Sie ist angenehm anzuschauen, ruft ein Gefühl der Kälte hervor und erinnert an einen Schatten”. Er hat das sehr schön beschrieben. Für mich bietet die Farbe Blau einen großen Freiraum, sie lässt viele Interpretationen zu und ist einzigartig vielschichtig. Ich liebe es, ein intensives Indigoblau mit Aquarellfarben auf handgeschöpftem Papier aufzutragen: Es ist bezaubernd.

Interessieren Sie sich für die spirituelle Dimension in Ihren Werken?

Für mich hat der künstlerische Prozess etwas Magisches und auch Spirituelles. In meinen Augen hat Kunst viel mit Introspektion zu tun, aber gleichzeitig fühle ich auch eine tiefere Verbindung mit dem Ganzen. Ich betrachte die Welt immer aus verschiedenen Perspektiven. Ich interessiere mich zum Beispiel für die Kommunikation von Pflanzen, aus wissenschaftlicher Sicht, aber ich finde auch die spirituelle Komponente der Natur faszinierend. Vor einiger Zeit habe ich das Buch Così parlò la pianta von Monica Gagliano gelesen und fand es sehr inspirierend: Auch sie betrachtet die Welt der Pflanzen aus verschiedenen Perspektiven und öffnet Horizonte. Ich mag auch japanische Haiku, kurze Gedichte über die Natur, die oft auch eine Art Spiritualität verkörpern. Sie sind einfach und sagen doch viel aus. “Wie die Astronomie schaut ein Frosch in den Himmel”. Dies sind nur einige wenige Worte von Kobayashi Issa, und doch eröffnen sie einen weiten Blick auf die Welt.

Welche Rolle spielt für Sie die Dimension des Ateliers, verstanden als der physische Ort, an dem die Arbeit des Künstlers stattfindet?

Mein Arbeitsraum befindet sich in meiner Wohnung, so dass ich das Haus nicht verlassen muss, um mich der Kunst zu widmen. Es ist der Ort, an dem ich Ruhe finde und meine Gedanken sammeln kann. Es ist meine kreative Werkstatt, in der ich die richtige Atmosphäre schaffen kann.

Wenn Sie ein Werk beginnen, haben Sie dann schon eine klare Vorstellung davon, wie es sich entwickeln wird, oder gibt es auf dem Weg dorthin Raum für Veränderungen?

Das ist von Werk zu Werk unterschiedlich. Manchmal habe ich ein Bild oder Elemente eines Bildes im Kopf, ich halte sie in kleinen Skizzen fest, ich teste mögliche Umsetzungen in kleinen Zeichnungen. Wenn es dann zum eigentlichen Werk kommt, lasse ich es fließen und lasse mich, abgesehen von den geplanten Komponenten, meist überraschen. Manches entsteht spontan auf spielerische Weise oder verändert sich im Laufe des Prozesses.

Was bedeutet Zeichnen für Sie?

Zeichnen ist ein spannendes Medium und eröffnet mir viele Möglichkeiten. Ich mische gerne verschiedene Techniken, aber die Zeichnung ist mein Lieblingsmedium, weil sie mir eine gewisse Präzision und Freiheit erlaubt. Mit Wachsmalkreiden erreiche ich malerische Effekte, mit Tuschestiften zum Beispiel dünne grafische Linien, die eine schwebende Leichtigkeit der Linie aufweisen. Ich verwende auch gerne die Sgraffito-Technik, bei der ich mit einem Holzwerkzeug Linien in die Wachsmalkreide oder Druckfarbe ritze und die darunter liegenden Schichten freilege. Dadurch entsteht eine andere, oft leicht erhabene Textur . Der Prozess hat fast etwas Archäologisches, denn manchmal bin ich überrascht, was ich entdecke und was zum Vorschein kommt.

Spielt der Zufall eine Rolle in Ihrer Arbeit?

Die Ästhetik spielt in meiner Arbeit eine wichtige Rolle, aber bestimmte Fehler oder unvorhergesehene Ereignisse machen die Arbeit oft interessant. Übertriebener Perfektionismus ist ein Hindernis, aber die Komposition muss am Ende perfekt sein. Das hat mit einem erfahrenen Auge und dem Fluss der Energie zu tun.

Arbeiten Sie in Serien, konzentrieren Sie sich auf ein Bild nach dem anderen oder machen Sie mehrere auf einmal?

Ich arbeite oft in Serien, aber ich schaffe auch einzelne Werke dazwischen. In der Regel arbeite ich eines nach dem anderen und vollende ein einzelnes Werk in einer angemessenen Zeit. Ich arbeite nur an wenigen, sehr langen Projekten, parallel und über längere Zeiträume hinweg.

Ich habe gesehen, dass Sie kleine Formate bevorzugen, warum ist das so?

Für mich ist es weniger eine Frage der Größe, sondern eher eine Frage der Energie und Intensität. Das kleine Format zieht mich oft mehr an.

Hängt das mit einer Vorstellung von Dichte und Intensität zusammen?

Es hat etwas mit Fokus, Konzentration und Helligkeit zu tun. In der Ausstellung von Agnes Martin zum Beispiel haben die kleineren Werke ihre volle Wirkung entfaltet, mit der gleichen Intensität wie die größeren Werke. Vielleicht besitzen die kleineren Formate für mich persönlich auch ein bisschen mehr Intimität, jeder nimmt sie sicher anders wahr.

Welche Art von Dialog suchen Sie mit dem Betrachter vor Ihren Werken?

Meine künstlerische Tätigkeit ist zunächst ein intimer Dialog zwischen mir und der Kunst. Meine tiefe Verbundenheit mit der Natur kommt in meiner Kunst zum Ausdruck. Als Menschen täten wir alle gut daran, die Welt weniger mechanistisch zu sehen und mehr Mut zu haben, mit uns selbst in Kontakt zu treten und die Welt in uns und um uns herum auf emotionale Weise zu verstehen. Ich schätze die Tatsache, dass das Internet es Zuschauern aus aller Welt ermöglicht, meine Arbeit zu sehen. Sie geben mir viele positive Rückmeldungen, manche sagen, dass meine Bilder sie berühren, dass sie etwas Ruhiges und Friedliches ausstrahlen. Vielleicht kann ich ihr Bewusstsein für die Magie der Natur ein wenig schärfen. Wenn ich sie in mein Universum einbeziehen kann und ihnen damit ihr Universum eröffne, dann ist das eine wunderbare Sache, die mich glücklich macht.

Wenn Sie Ihre Werke ausstellen, sind Sie dann an der Idee interessiert, dass sich eine Beziehung zwischen den Werken entwickeln kann, die den Betrachter dazu anregt, sich eine oder mehrere mögliche Geschichten vorzustellen?

Wenn ich meine Werke ausstelle, achte ich darauf, dass jedes Werk eigenständig ist und dass die Gesamtwirkung harmonisch ist. Ich biete lediglich einen Ausgangspunkt, in den man eintauchen kann. Was sich im Kopf des Betrachters entwickelt, hat seine eigene Dynamik. Und das ist gut so, denn ich erzähle keine Geschichte mit einer Abfolge von Ereignissen, und ich will auch nicht belehren. Bei meiner letzten Ausstellung in Wiesbaden kam eine Mikrobiologin zu mir und sagte, meine Arbeit gebe ihr das Gefühl, nach Hause zu kommen.

Was passiert mit den Werken, wenn niemand da ist, um sie zu betrachten? Kann die Existenz eines Kunstwerkes unabhängig von der Anwesenheit eines Betrachters sein?

Kunst ist eine Sprache. Nur im Dialog wird sie lebendig und mit Bedeutung aufgeladen. Es braucht mindestens einen Betrachter, und das ist in erster Linie der Künstler, der mit seinem entstehenden und schließlich vollendeten Werk in Berührung kommt, das eine bedeutungsvolle Dimension hat. Wenn noch mehr Betrachter in den Dialog mit dem Werk treten, findet ein Austausch statt und neue Impulse treten in die Welt. Ein Kunstwerk ohne Betrachter oder Musik ohne Zuhörer erinnert mich an die Voyager-Raumsonden, eine einsame Mission in der Dunkelheit des Alls, die Menschheit auf der Suche nach einem anderen Zuhörer.

Pflegen Sie neben der Malerei auch auf andere Weise Ihr Interesse an der Natur und ihren Erscheinungsformen?

Ich lese Essays über die Natur, höre gerne Podcasts und sehe mir Dokumentarfilme an. Ich liebe es, Sterne zu beobachten, Vögel zu studieren und Makroaufnahmen in der Natur zu machen. Bei der Gartenarbeit lerne ich viel über Pflanzen, das Bodenleben und verschiedene Tiere auf sehr praktische Weise.

Manche Künstler positionieren sich am Rande ihrer Arbeit, andere, wie z. B. Performer, stehen oft im Zentrum, und dann gibt es noch diejenigen, die ihre Arbeit von oben nach unten betrachten oder umgekehrt... wie stehen Sie zu dem, was Sie tun?

Neben der Natur und der Gartenarbeit ist die Kunst meine große Leidenschaft. Ich bin eng mit meiner Kunst verbunden, sie kommt von mir und zu mir und dafür bin ich sehr dankbar.

Der Autor dieses Artikels: Gabriele Landi

Gabriele Landi (Schaerbeek, Belgio, 1971), è un artista che lavora da tempo su una raffinata ricerca che indaga le forme dell'astrazione geometrica, sempre però con richiami alla realtà che lo circonda. Si occupa inoltre di didattica dell'arte moderna e contemporanea. Ha creato un format, Parola d'Artista, attraverso il quale approfondisce, con interviste e focus, il lavoro di suoi colleghi artisti e di critici. Diplomato all'Accademia di Belle Arti di Milano, vive e lavora in provincia di La Spezia.

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