¿Qué significa hoy comisariar arte contemporáneo, entendido como una práctica de conexión y emergencia del presente? En esta entrevista con Gabriele Landi, Maurizio Coccia, Director del Centro per l’Arte Contemporanea Palazzo Lucarini di Trevi (Perugia) y profesor de Historia del Arte Contemporáneo en la Academia de Bellas Artes de Perugia, reflexiona sobre el papel del comisario, rechazando la idea de un liderazgo autoritario y definiéndose más bien como un facilitador de conexiones, atento a las estratificaciones del presente y a los procesos de pensamiento que se traducen en acciones artísticas. Central es la relación humana con los artistas, basada en la empatía y la confianza, así como una concepción “omnívora” de los lenguajes visuales, alejada de especialismos y jerarquías. La entrevista aborda también el tema de la responsabilidad ética del intelectual, la relación entre arte y política, el estado del arte contemporáneo en Italia y la experiencia de la dirección compartida del Palazzo Lucarini, devolviendo el retrato de una práctica curatorial enraizada en la realidad y abierta al diálogo.
GL. ¿Cómo comenzó su interés por el arte, y en particular por el arte contemporáneo?
MC. Sucedió un poco por casualidad. Siempre me han fascinado las humanidades. Desde una edad muy temprana. A medida que fui creciendo, me centré en las expresiones visuales de la creatividad. No sólo el arte, sino también la arquitectura, el diseño y la gráfica publicitaria. Mientras tanto, trabajaba allí Tras licenciarme, por una serie de coincidencias fortuitas, entré en el sistema del arte hasta mi encuentro decisivo con Giancarlo Politi. Y a partir de ahí, todo cambió.
¿Qué estudios realizó?
Me licencié en Pedagogía en la Universidad de Parma. En aquella época, no existían ni la Facultad de Literatura y Filosofía ni la de Conservación del Patrimonio Cultural, por lo que, en aras de la máxima aproximación, fijé mi plan de estudios en todas las disciplinas histórico-artísticas disponibles. Al final, por tanto, creo que seguí un camino transversal entre las asignaturas de humanidades -filosofía, sociología, psicología...-, más todo el repertorio de asignaturas caracterizadoras estudiando historia del arte bajo la granítica égida del legendario Arturo Carlo Quintavalle. Todo ello hizo de mí un historiador del arte felizmente “mestizo”, pero sin eclecticismos impropios.
¿Hubo algún encuentro importante durante sus años de formación que influyera de algún modo en el desarrollo de su obra?
No quiero parecer retórica, pero con cada nuevo encuentro siento que he adquirido algo más. Estoy más cargado de tensiones y estímulos. Recuerdo que Edgar Morin escribió una vez ’...me he convertido en todo lo que he encontrado’ Es una fórmula en la que me reconozco. O mejor dicho, es una actitud osmótica incesante que no puedo -ni quiero- cambiar. Dicho esto, no cabe duda de que le debo mucho a Giancarlo Politi. Su generosidad y su “pragmatismo romántico” me han ayudado e influido mucho. Otro encuentro fundamental fue con Getulio Alviani. Lo que sé sobre los aspectos técnicos y científicos del montaje de exposiciones se lo debo a él. Recuerdo una jornada muy intensa dedicada al montaje de una gran exposición de artistas chinos, durante la cual puso a prueba mi paciencia hasta el límite, pero me transmitió un bagaje único de conocimientos e indicaciones -a veces deslumbrantes- sobre la percepción del espacio expositivo, que aún hoy me sirven de guía. También debo añadir otro episodio, no estrictamente relacionado con el mundo del arte, pero que ha dejado una profunda huella. Todavía estaba en la universidad y un día, en Parma, conocí a Derek Walcott, que poco después sería Premio Nobel de Literatura. Siempre llevaba conmigo, doblado en la cartera, uno de sus poemas. Se lo enseñé y le pedí un autógrafo, intercambiamos unas palabras y me saludó con una sonrisa. Ahí, esa disponibilidad suya, la enormidad de su genio revestida de humildad, me hizo comprender que los grandes, los verdaderamente grandes, no necesitan protegerse con la arrogancia o el esnobismo. No tienen que demostrar nada a nadie.
¿Cómo entiende su trabajo?
No interpreto el papel de comisario como el de un líder en el proceso de concebir y realizar exposiciones. Más bien, lo veo del mismo modo que un geólogo que se enfrenta a la estratificación del presente. Estimulo -lo intento, al menos- las emergencias, propongo conexiones, señalo asociaciones novedosas. A veces tengo intuiciones que trato de compartir con artistas o sujetos que de diversas maneras me parecen aptos para convertirse en interlocutores activos. Pero rara vez persigo una línea estética o formal a priori. Probablemente sea una limitación mía, pero prefiero -digamos que instintivamente- procesos de pensamiento transversales, y anclados en la realidad, que se materialicen en “acciones” artísticas. Y todo puede encajar en esta definición, desde exposiciones a charlas, pasando por conferencias o talleres.
En la babel de lenguajes visuales contemporáneos, ¿hay algo que prefiera y que le atraiga de estos lenguajes?
Todo. En serio, soy culturalmente omnívoro. Desde hace mucho tiempo, de hecho, ya no es tiempo de especialismos ni de obsesiones filológicas. No tengo ninguna preferencia apriorística. En la introducción al catálogo de la Bienal de Venecia de 2001, Harald Szeemann escribió que aspiraba a una historia del arte en términos de intensidad. Yo también. Una narración enciclopédica pero empírica de lo que tiene energía y coherencia artística. Una narración del tiempo en que vivo, sin jerarquías impuestas: alto y bajo, pintura y cine, performance y literatura, filosofía y agonismo deportivo... Por desgracia, el riesgo del amateurismo está a la vuelta de la esquina. Así que hace falta mucho cuidado y pasión para mantenerse fiel a la precisión gramatical del arte.
¿Cómo aborda la obra de un artista?
El aspecto humano es fundamental para mí. A menudo son personas que conozco desde hace tiempo, en las que “confío”. Si detrás de una obra interesante no hay una respuesta de empatía, la dejo estar. Entonces, puede pasar cualquier cosa, por supuesto. Pero ese es el primer grado de selección. Apenas busco en las redes sociales. Más bien me fijo en exposiciones y recomendaciones de colegas u otros artistas. Por supuesto, está la cantera de la academia y su aliciente. Me gusta confrontarme con artistas jóvenes. Siempre me sorprende y me ayuda a crecer.
¿Qué dinámica sigue la dirección bicéfala del Palazzo Lucarini (compartida con Mara Predicatori)?
Conozco y respeto a Mara Predicatori desde hace más de dos décadas. Sin ella, Palazzo Lucarini no sería lo que ha llegado a ser. Hasta ahora, ha habido una armonía total en la gestión de la programación del Palazzo Lucarini, animada precisamente por nuestras respectivas idiosincrasias. Los papeles, sin embargo, como complementarios, son diferentes. Además de co-comisaria de muchas exposiciones, Mara es responsable del sector educativo, al que une tareas (y gran habilidad) en las relaciones institucionales. En cuanto a mí, en cambio, como Director Artístico me encargo de orientar y supervisar el programa y las iniciativas que lo acompañan.
A continuación, las preguntas de algunos amigos artistas a los que he involucrado en esta aventura. Franko B: ¿Cree que el arte puede cambiar el mundo o es el mundo el que cambia el arte?
En mi opinión, el arte siempre ha acompañado la evolución de la humanidad. Al menos a nivel histórico-artístico. Sin embargo, no creo que haya desempeñado nunca un papel verdaderamente activo en el cambio. A menos que nos adentremos en la antropología cultural. Pero entonces tendríamos que entender el término “arte”. El arte, sin embargo, representa una síntesis del momento histórico -en todas sus formas- que lo vio y estimuló a nacer. Es más que un objeto: es una acción que está como en el mundo. Y como tal, se inscribe en la infinita extensión de las posibilidades. Creo que nos ayuda a ver la realidad desde otra perspectiva. En ella, si se quiere, hay un potencial de cambio.
Mario Consiglio: ¿Por qué nunca ha expresado su opinión sobre el genocidio en curso en Gaza?
En las redes sociales, tal vez. Porque es un tipo de activismo que no me pertenece y en el que no me reconozco. Como la mayoría de los intelectuales que, a pesar de todo, están comprometidos políticamente. Recuerdo que Godard decía: “Yo no hago películas políticas, pero hago películas políticamente”. He participado en manifestaciones y marchas públicas. Cuando ha sido oportuno, en conferencias o debates, siempre he expresado muy claramente mi repulsa y horror por lo que está ocurriendo en Gaza.
Laura Patacchia: ¿Qué opina de la situación actual del mundo del arte en Italia? Si tuviera que escribir un libro, ¿qué título le pondría?
No creo que sea peor que en el pasado. La energía está ahí y las redes sociales ofrecen oportunidades de enorme visibilidad. En cuanto a la calidad de los logros, si lloramos, no veo que otros Estados se rían alegremente. Lo que nos falta, como siempre, es un apoyo institucional serio y sólido que facilite el trabajo artístico en términos de producción, conocimiento, difusión. No sólo a nivel internacional, sino aquí en casa: en las escuelas en primer lugar. El título que me gustaría para mi libro sería, por razones obvias, una cita de la biografía de Jim Morrison: “Nadie saldrá vivo de aquí”. Pero sin duda habría problemas de derechos de autor... así que, no sé. Bromas aparte, preferiría algo que incitara a abrirse y salir de la condición autoprotectora y de las estrategias relacionales que veo rampantes, especialmente entre los jóvenes talentos. Algo, en definitiva, que tuviera más que ver con la generosidad que con la carrera.
Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.
