Quel est le sens de la conservation de l’art contemporain aujourd’hui, entendue comme une pratique de connexion et d’émergence du présent ? Dans cet entretien avec Gabriele Landi, Maurizio Coccia, directeur du Centro per l’Arte Contemporanea Palazzo Lucarini di Trevi (Pérouse) et professeur d’histoire de l’art contemporain à l’Académie des beaux-arts de Pérouse, réfléchit au rôle du conservateur, rejetant l’idée d’un leadership autoritaire et se définissant plutôt comme un facilitateur de connexions, attentif aux stratifications du présent et aux processus de pensée qui se traduisent par des actions artistiques. La relation humaine avec les artistes, basée sur l’empathie et la confiance, ainsi qu’une conception “omnivore” des langages visuels, loin des spécialisations et des hiérarchies, sont au centre de l’entretien. L’entretien aborde également le thème de la responsabilité éthique de l’intellectuel, la relation entre l’art et la politique, l’état de l’art contemporain en Italie et l’expérience de la direction partagée du Palazzo Lucarini, renvoyant le portrait d’une pratique curatoriale enracinée dans la réalité et ouverte au dialogue.
GL. Comment est né votre intérêt pour l’art, et en particulier pour l’art contemporain ?
MC. C’est arrivé un peu par hasard. J’ai toujours été fasciné par les sciences humaines. Dès mon plus jeune âge. En grandissant, je me suis intéressée aux expressions visuelles de la créativité. Non seulement l’art, mais aussi l’architecture, le design et le graphisme publicitaire. Après avoir obtenu mon diplôme, par une série de coïncidences fortuites, je suis entré dans le système artistique jusqu’à ma rencontre décisive avec Giancarlo Politi. À partir de là, tout a changé.
Quelles études avez-vous faites ?
J’ai obtenu un diplôme de pédagogie à l’université de Parme. À l’époque, il n’y avait pas de faculté de littérature et de philosophie, ni de faculté de conservation des biens culturels ; c’est pourquoi, dans un souci d’approximation maximale, j’ai établi mon plan d’études sur toutes les disciplines historico-artistiques disponibles. En fin de compte, je crois que j’ai suivi un parcours transversal entre les matières humaines - philosophie, sociologie, psychologie... - et tout le répertoire des matières caractérisantes en étudiant l’histoire de l’art sous l’égide granitique du légendaire Arturo Carlo Quintavalle. Tout cela a fait de moi un historien de l’art joyeusement “métis”, mais sans éclectisme abusif.
Y a-t-il eu, au cours de vos années de formation, des rencontres importantes qui ont, d’une manière ou d’une autre, influencé le développement de votre travail ?
Je ne voudrais pas paraître rhétorique, mais à chaque nouvelle rencontre, j’ai l’impression d’avoir acquis quelque chose de plus. Je suis plus chargé de tensions et de stimuli. Je me souviens qu’Edgar Morin a écrit “...je suis devenu tout ce que j’ai rencontré”, c’est une formule dans laquelle je me reconnais. Ou plutôt, c’est une attitude osmotique incessante que je ne peux - ni ne veux - changer. Cela dit, je dois certainement beaucoup à Giancarlo Politi. Sa générosité et son “pragmatisme romantique” m’ont beaucoup aidé et influencé. Une autre rencontre fondamentale a été celle de Getulio Alviani. C’est à lui que je dois ce que je sais sur les aspects techniques et scientifiques du montage d’expositions. Je me souviens d’une journée très intense passée à monter une grande exposition d’artistes chinois, au cours de laquelle il a mis ma patience à rude épreuve, mais m’a transmis un bagage unique de connaissances et d’indications - parfois fulgurantes - sur la perception de l’espace d’exposition, qui me guident encore aujourd’hui. Je dois également ajouter un autre épisode, qui n’est pas strictement lié au monde de l’art, mais qui m’a profondément marqué. J’étais encore à l’université et un jour, à Parme, j’ai rencontré Derek Walcott, qui deviendrait peu après prix Nobel de littérature. J’avais toujours sur moi, plié dans mon portefeuille, un de ses poèmes. Je le lui ai montré et lui ai demandé un autographe, nous avons échangé quelques mots et il m’a accueilli avec un sourire. C’est là, dans sa disponibilité, dans l’énormité de son génie habillé d’humilité, que j’ai compris que les grands, les vraiment grands, n’ont pas besoin de se protéger par l’arrogance ou le snobisme. Ils n’ont rien à prouver à personne.
Comment comprenez-vous votre travail ?
Je n’interprète pas le rôle de conservateur comme celui d’un chef de file dans le processus de conception et de réalisation d’expositions. Je le vois plutôt comme un géologue confronté à la stratification du présent. Je stimule - j’essaie, en tout cas - les urgences, je propose des connexions, j’indique des associations inédites. J’ai parfois des intuitions que j’essaie de partager avec des artistes ou des sujets qui, de diverses manières, me semblent aptes à devenir des interlocuteurs actifs. Mais il est rare que je poursuive une ligne esthétique ou formelle a priori. C’est sans doute une limitation de ma part, mais je préfère - disons instinctivement - les processus de pensée transversaux et ancrés dans la réalité, qui se matérialisent dans des “actions” artistiques. Et tout peut entrer dans cette définition, qu’il s’agisse d’expositions, de conférences ou d’ateliers.
Dans le foisonnement des langages visuels contemporains, y a-t-il quelque chose que vous privilégiez et qui vous attire dans ces langages ?
Tous les langages. Sérieusement, je suis culturellement omnivore. Depuis très longtemps, en effet, l’heure n’est plus aux spécialisations ou aux obsessions philologiques. Je n’ai pas d’aprioris. Dans l’introduction du catalogue de la Biennale de Venise 2001, Harald Szeemann écrivait qu’il aspirait à une histoire de l’art en termes d’intensité. Il en va de même pour moi. Un récit encyclopédique mais empirique de ce qui possède une énergie et une cohérence artistiques. Un récit de l’époque dans laquelle je vis, sans hiérarchie imposée : le haut et le bas, la peinture et le cinéma, la performance et la littérature, la philosophie et l’agonisme sportif... Malheureusement, le risque d’amateurisme est à nos portes. Il faut donc beaucoup de soin et de passion pour rester fidèle à la précision grammaticale de l’art.
Comment abordez-vous le travail d’un artiste ?
L’aspect humain est central pour moi. Il s’agit souvent de personnes que je connais depuis longtemps et en qui j’ai confiance. S’il n’y a pas de retour d’empathie derrière une œuvre intéressante, je la laisse de côté. Dans ce cas, tout peut arriver, bien sûr. Mais c’est le premier degré de sélection. Je n’écume pas les médias sociaux. Je passe plutôt par des expositions et des recommandations de collègues ou d’autres artistes. Bien sûr, il y a le vivier de l’académie et son incitation. J’aime me confronter à de jeunes artistes. Cela me surprend toujours et me fait grandir, à chaque fois.
Quelle est la dynamique de la direction bicéphale du Palazzo Lucarini (partagée avec Mara Predicatori) ?
Je connais et respecte Mara Predicatori depuis plus de vingt ans. Sans elle, le Palazzo Lucarini ne serait pas ce qu’il est devenu. Jusqu’à présent, la gestion de la programmation du Palazzo Lucarini s’est déroulée en parfaite harmonie, animée précisément par nos idiosyncrasies respectives. Cependant, les rôles, complémentaires, sont différents. En plus d’être co-commissaire de nombreuses expositions, Mara est responsable du secteur éducatif, auquel elle associe des tâches (et une grande compétence) en matière de relations institutionnelles. Quant à moi, en tant que directeur artistique, j’assure l’orientation et la supervision du programme et des initiatives qui l’accompagnent.
Voici les questions de quelques amis artistes que j’ai impliqués dans cette aventure. Franko B : Pensez-vous que l’art peut changer le monde ou que c’est le monde qui change l’art ?
L’art, à mon avis, a toujours accompagné l’évolution de l’humanité. Du moins au niveau de l’histoire de l’art. Je ne pense pas, cependant, qu’il ait jamais joué un rôle véritablement actif dans le changement. À moins de se plonger dans l’anthropologie culturelle. Mais il faudrait alors comprendre le terme “art”. Or, l’art représente une synthèse du moment historique - sous toutes ses formes - qui l’a vu naître et l’a stimulé. Il est plus qu’un objet : il est une action qui s’inscrit dans le monde. Et en tant que telle, elle s’inscrit dans l’infini des possibles. Je pense que cela nous aide à voir la réalité sous un angle différent. En cela, si l’on peut dire, il y a un potentiel de changement.
Mario Consiglio : Pourquoi n’avez-vous jamais exprimé votre opinion sur le génocide en cours à Gaza ?
Sur les médias sociaux, peut-être. Parce que c’est un type d’activisme qui ne m’appartient pas et dans lequel je ne me reconnais pas. Comme la plupart des intellectuels qui, malgré tout, sont engagés politiquement. Je me souviens que Godard disait : “Je ne fais pas de films politiques, mais je fais des films politiques”. J’ai participé à des manifestations publiques et à des marches. Lorsque c’était nécessaire, lors de conférences ou de débats, j’ai toujours exprimé très clairement mon dégoût et mon horreur face à ce qui se passe à Gaza.
Laura Patacchia : Que pensez-vous de la situation du monde de l’art en Italie aujourd’hui ? Si vous deviez écrire un livre, quel titre lui donneriez-vous ?
Je ne pense pas que la situation soit pire que par le passé. L’énergie est là et les médias sociaux offrent des possibilités de visibilité énorme. Quant à la qualité des réalisations, si nous pleurons, je ne vois pas d’autres États rire de bon cœur. Ce qui nous manque, comme toujours, c’est un soutien institutionnel sérieux et solide qui facilite le travail artistique en termes de production, de connaissance et de diffusion. Non seulement au niveau international, mais aussi chez nous : dans les écoles tout d’abord. Le titre que j’aimerais donner à mon livre serait, pour des raisons évidentes, une citation tirée de la biographie de Jim Morrison : “Personne ne sortira d’ici vivant”. Mais il y aurait certainement des problèmes de droits d’auteur... alors, je ne sais pas. Blague à part, je préférerais quelque chose qui incite à s’ouvrir et à sortir de l’état d’autoprotection et des stratégies relationnelles que je vois se répandre, surtout chez les jeunes talents. Quelque chose, en somme, qui aurait plus à voir avec la générosité qu’avec la carrière.
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