Tracey Emin, la mayor retrospectiva de su carrera en la Tate Modern

Del 27 de febrero al 31 de agosto de 2026, la Tate Modern de Londres acoge Una segunda vida, la mayor exposición jamás dedicada a Tracey Emin. La muestra, organizada en las Galerías Eyal Ofer y comisariada por Maria Balshaw, directora de la Tate, representa el estudio más significativo de la carrera de la artista británica, nacida en 1963, y recorre cuarenta años de práctica a través de más de noventa obras que incluyen pintura, vídeo, textiles, neón, escultura e instalación. Concebida en estrecha colaboración con Emin, la exposición, que llega tras el éxito de la muestra Sex & Solitude en el Palazzo Strozzi de Florencia, reúne obras célebres y nuevas producciones nunca antes expuestas, marcando un momento de balance y renacimiento en la trayectoria de la artista.

Tracey Emin está considerada una de las figuras más influyentes del arte contemporáneo de su generación. Tras llamar la atención del gran público en la década de 1990, se ha convertido en símbolo de una época crucial de la cultura británica y de la historia del arte mundial gracias a su enfoque radicalmente autobiográfico y a una declarada ausencia de fronteras entre las esferas privada y pública. Obras como My Bed, nominada al Premio Turner en 1999, desencadenaron un acalorado debate crítico y mediático sobre lo que puede considerarse arte, cuestionando las categorías establecidas y redefiniendo el papel de la experiencia personal en la práctica artística.

A Second Life recorre toda su producción, desde las instalaciones fundamentales de los años 90 hasta sus pinturas y esculturas de bronce más recientes, algunas de las cuales se presentan al público por primera vez. La exposición está construida como una narración que entrelaza acontecimientos biográficos clave y transformaciones lingüísticas, mostrando cómo Emin ha utilizado constantemente el cuerpo femenino como una poderosa herramienta para investigar la pasión, el dolor y la curación. La exposición amplía la comprensión de su obra celebrando su enfoque crudo y confesional, al tiempo que plantea profundas preguntas sobre el amor, el trauma y la autobiografía.

El itinerario parte de la relación original de la artista con la pintura. Se presentan obras de su primera exposición individual, My Major Retrospective 1982-93, consistente en una serie de pequeñas fotografías que documentan cuadros realizados durante sus años de formación y posteriormente destruidos en un periodo especialmente difícil de su vida. Junto a estas imágenes están Tracey Emin CV (1995), un autorretrato acompañado de una narración en primera persona que traza su existencia hasta ese momento, y el vídeo Why I Never Became A Dancer (1995), en el que la artista rememora episodios traumáticos de su adolescencia transcurrida en Margate. En estas primeras obras emerge claramente la voz en primera persona que se convertiría en un rasgo distintivo de su producción, un modo de narración que entrelaza confesión, memoria y reivindicación de la identidad.

El vínculo con Margate, su ciudad natal junto al mar, atraviesa toda la práctica de Emin. Abandonada a los quince años, la ciudad sigue siendo una referencia constante en su vida y su imaginación. Tras periodos intermitentes de regreso a finales de su adolescencia y principios de los veinte, se trasladó a Londres en 1987 para estudiar en el Royal College of Art. La muerte de su madre en Margate en 2016 y su supervivencia al cáncer en 2020 marcaron otro regreso, esta vez definitivo. La artista optó por instalarse de nuevo en la ciudad costera, donde fundó la Tracey Emin Artist Residency, una escuela de arte gratuita basada en el estudio. En la exposición, las obras centradas en Margate y los recuerdos de la infancia exploran cómo Emin reelabora y reescribe su historia personal. Mad Tracey From Margate: Everybody’s Been There (1997) expone pensamientos íntimos a través de frases cosidas a mano, cartas y dibujos, mientras que la instalación de madera It’ s Not the Way I Want to Die (2005), inspirada en el famoso parque de atracciones Dreamland, reflexiona sobre sus ansiedades y vulnerabilidad, evocando las montañas rusas como metáfora existencial.

La exposición también aborda sin pudor el trauma y el dolor personales, temas centrales en la poética de Emin, ayudando a romper el estigma que rodea a cuestiones que a menudo se apartan del discurso público. La experiencia de la violencia sexual se evoca en obras como el neón I could have Loved my Innocence (2007) y el bordado de percal Is This a Joke (2009). En How It Feels (1996), uno de sus vídeos más personales, la artista relata un aborto que salió mal, describiendo la negligencia institucional, las implicaciones físicas y psicológicas de elegir no ser madre y la misoginia que suele acompañar a tal decisión. Se presenta al público por primera vez la colcha The Last of the Gold (2002), que lleva una A a la Z del aborto, una especie de guía alfabética concebida como apoyo para las mujeres que se enfrentan a una situación similar.

En el centro de la exposición se encuentran dos instalaciones fundamentales en la trayectoria de la artista: Exorcismo del último cuadro que hice (1996) y Mi cama (1998). La primera documenta las tres semanas que Emin pasó encerrada en una galería de Estocolmo en un intento de reconciliarse con la pintura, medio que había abandonado seis años antes tras su experiencia abortiva. My Bed, que se hizo famosa y fue nominada al Premio Turner, presenta la cama de la artista en medio de una crisis personal marcada por el abuso del alcohol, transformando un momento de colapso en una obra capaz de interrogar al espectador sobre la vulnerabilidad y la verdad de la experiencia. En este pasaje simbólico, el visitante es conducido de la primera vida del artista a una segunda vida, tras la enfermedad y la cirugía.

La experiencia del cáncer, lacirugía y la discapacidad se aborda de forma directa, reafirmando la opción de no separar nunca lo personal de lo público. La escultura de bronce Ascensión (2024) explora la nueva relación con el cuerpo tras una cirugía mayor de cáncer de vejiga, mientras que las nuevas fotografías muestran la ostomía con la que vive la artista en la actualidad. La exposición culmina con un núcleo de grandes pinturas recientes en las que Emin investiga las dimensiones de su segunda vida. Aunque el dolor y el anhelo siguen presentes, los grandes lienzos expresan una cualidad trascendente y espiritual, señal de una resuelta determinación a vivir el presente. Junto a estas obras, la escultura Máscara de muerte (2002) recuerda la persistencia de un lado más oscuro, componiendo el retrato de una existencia intensamente vivida.

Más allá de los muros del museo, el bronce monumental I Followed You Until The End (2023) se instalará en el exterior de la Tate Modern, imponiéndose en el paisaje urbano e invitando a los transeúntes a enfrentarse a la fuerza visceral de la obra de Emin. Toda la exposición se presenta en colaboración con Gucci, con el apoyo adicional del Tracey Emin Exhibition Supporters Circle y los Tate Members.

Además, coincidiendo con la inauguración, durante quince días las famosas obras de neón de Emin invadirán edificios y vallas publicitarias de todo Londres en una campaña pop-up gratuita que anticipa la exposición. Hasta el 9 de marzo, veintidós instalaciones distribuidas en once distritos, desde Lambeth y Croydon hasta Walthamstow y Tower Hamlets, presentan frases poéticas con la inconfundible letra de la artista, como I Whisper to My Past do I Have Another Choice y I can Feel You Everywhere. Realizado en colaboración con la agencia creativa Jack Arts, del grupo BUILDHOLLYWOOD, el proyecto transforma la ciudad en una galería al aire libre. “Este proyecto”, afirma Maria Balshaw, “amplía maravillosamente el uso que Emin hace del neón para compartir mensajes de pura intimidad. Ya sea en un viaje matutino al trabajo o en una calle de barrio, los londinenses pueden experimentar su obra de una forma personal. Estas declaraciones en primera persona nos invitan a adentrarnos en el mundo interior de Emin, al tiempo que incitan a la reflexión personal”.

El neón, profundamente entrelazado con la espiritualidad y las respuestas emocionales de la artista, es a la vez un medio de autoexpresión y de conexión con los demás. En la última década, sus declaraciones luminosas han ocupado espacios públicos internacionales, como el cartel I promise to love you en Times Square en 2013 y I want my time with you en la estación londinense de St. Pancras desde 2018. La iniciativa londinense ofrece así un anticipo del enfoque íntimo y directo que caracteriza A Second Life, permitiendo a los ciudadanos enfrentarse a la dimensión interior del artista, así como a la suya propia.

Tracey Emin calificó la exposición como un punto de inflexión personal, un hito en su trayectoria, una auténtica celebración de la vida. Estoy muy emocionada por tener una exposición en la Tate Modern. Para mí, es uno de los mayores museos internacionales de arte contemporáneo del mundo y está situado aquí, en Londres. Creo que esta exposición marcará un hito para mí. Un momento de mi vida en el que miro hacia atrás y hacia delante. Una auténtica celebración de la vida".

A Second Life es, por tanto, una retrospectiva monumental y al mismo tiempo profundamente personal, que abarca cuatro décadas de investigación y muestra la coherencia de una artista que ha convertido su vida en arte. Entre la memoria y el presente, el trauma y el renacimiento, la exposición de la Tate Modern devuelve la imagen de un camino marcado por fracturas y recomposiciones, en el que la confesión se convierte en un acto político y la vulnerabilidad en un lenguaje universal.

Tracey Emin, la mayor retrospectiva de su carrera en la Tate Modern

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