Tracey Emin, die größte Retrospektive ihrer Karriere in der Tate Modern

Vom 27. Februar bis 31. August 2026 zeigt die Tate Modern in London A Second Life, die größte Ausstellung, die Tracey Emin jemals gewidmet wurde. Die von Maria Balshaw, der Direktorin der Tate, kuratierte Ausstellung in den Eyal Ofer Galleries stellt den bedeutendsten Überblick über die Karriere der 1963 geborenen britischen Künstlerin dar und zeichnet anhand von mehr als neunzig Werken aus den Bereichen Malerei, Video, Textilien, Neon, Skulptur und Installation die vierzig Jahre ihres Schaffens nach. Die in enger Zusammenarbeit mit Emin konzipierte Ausstellung, die an den Erfolg der Ausstellung Sex & Solitude im Palazzo Strozzi in Florenz anknüpft, vereint gefeierte Werke und neue, noch nie gezeigte Produktionen und markiert damit einen Moment der Bestandsaufnahme und der Wiederbelebung im Werdegang der Künstlerin.

Tracey Emin gilt als eine der einflussreichsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen Kunst ihrer Generation. Seit sie in den 1990er Jahren der breiten Öffentlichkeit bekannt wurde, ist sie dank ihres radikal autobiografischen Ansatzes und der erklärten Abwesenheit von Grenzen zwischen privater und öffentlicher Sphäre zu einem Symbol für eine entscheidende Phase der britischen Kultur und der globalen Kunstgeschichte geworden. Werke wie My Bed, das 1999 für den Turner-Preis nominiert wurde, lösten eine heftige kritische und mediale Debatte darüber aus, was als Kunst gelten kann, indem sie etablierte Kategorien in Frage stellten und die Rolle der persönlichen Erfahrung in der künstlerischen Praxis neu definierten.

A Second Life zeichnet die gesamte Spanne seines Schaffens nach, von den bahnbrechenden Installationen der 1990er Jahre bis zu seinen jüngsten Gemälden und Bronzeskulpturen, von denen einige zum ersten Mal der Öffentlichkeit präsentiert werden. Die Ausstellung ist wie eine Erzählung aufgebaut , die biografische Schlüsselereignisse und sprachliche Transformationen miteinander verwebt und zeigt, wie Emin den weiblichen Körper immer wieder als mächtiges Instrument zur Erforschung von Leidenschaft, Schmerz und Heilung eingesetzt hat. Die Ausstellung erweitert das Verständnis seines Werks, indem sie seine rohe, bekenntnishafte Herangehensweise feiert und gleichzeitig tiefgreifende Fragen zu Liebe, Trauma und Autobiografie aufwirft.

Der Rundgang geht von der ursprünglichen Beziehung der Künstlerin zur Malerei aus. Präsentiert werden Werke aus ihrer ersten Einzelausstellung My Major Retrospective 1982-93, die aus einer Reihe kleiner Fotografien besteht, die Gemälde dokumentieren, die während ihrer prägenden Jahre entstanden und anschließend in einer besonders schwierigen Lebensphase zerstört wurden. Neben diesen Bildern sind Tracey Emin CV (1995), ein Selbstporträt, das von einer Ich-Erzählung begleitet wird, die ihre Existenz bis zu diesem Zeitpunkt nachzeichnet, und das Video Why I Never Became A Dancer (1995) zu sehen, in dem sich die Künstlerin an traumatische Episoden aus ihrer in Margate verbrachten Jugendzeit erinnert. In diesen frühen Arbeiten tritt die Ich-Stimme, die zu einem charakteristischen Merkmal ihrer Produktion werden sollte, deutlich hervor, eine Erzählweise, die Bekenntnis, Erinnerung und Identitätsanspruch miteinander verwebt.

Die Verbindung zu Margate, seiner Heimatstadt am Meer, zieht sich durch Emins gesamte Praxis. Die Stadt, die er im Alter von fünfzehn Jahren verließ, bleibt ein ständiger Bezugspunkt in seinem Leben und seiner Vorstellung. Nachdem er in seinen späten Teenager- und frühen Zwanzigerjahren immer wieder dorthin zurückgekehrt war, zog er 1987 nach London, um am Royal College of Art zu studieren. 2016 starb seine Mutter in Margate und 2020 überlebte er seine Krebserkrankung, was eine weitere, diesmal endgültige Rückkehr bedeutete. Die Künstlerin entschied sich, sich wieder in der Küstenstadt niederzulassen, wo sie die Tracey Emin Artist Residency gründete, eine kostenlose Kunstschule mit Atelier. In der Ausstellung wird anhand von Werken, die sich auf Margate und Kindheitserinnerungen konzentrieren, gezeigt, wie Emin ihre persönliche Geschichte aufarbeitet und umschreibt. Mad Tracey From Margate: Everybody’s Been There (1997) legt intime Gedanken in Form von handgestickten Sätzen, Briefen und Zeichnungen offen, während die hölzerne Installation It ’s Not the Way I Want to Die (2005), die von dem berühmten Vergnügungspark Dreamland inspiriert ist, über ihre Ängste und Verletzlichkeit nachdenkt und Achterbahnen als existenzielle Metapher heraufbeschwört.

Die Ausstellung thematisiert auch unverblümt persönliche Traumata und Schmerzen, Themen, die für Emins Poesie von zentraler Bedeutung sind, und trägt dazu bei, die Stigmatisierung von Themen aufzubrechen, die oft aus dem öffentlichen Diskurs ausgeschlossen sind. Die Erfahrung sexueller Gewalt wird in Werken wie dem Neon I could have Loved my Innocence (2007) und der Kattun-Stickerei Is This a Joke (2009) thematisiert. In How It Feels (1996), einem ihrer persönlichsten Videos, erzählt die Künstlerin von einer schief gelaufenen Abtreibung und beschreibt die institutionelle Vernachlässigung, die physischen und psychischen Auswirkungen der Entscheidung, keine Mutter zu werden, und die Frauenfeindlichkeit, die eine solche Entscheidung oft begleitet. Zum ersten Mal der Öffentlichkeit präsentiert wird der Quilt The Last of the Gold (2002), der ein A bis Z der Abtreibung enthält, eine Art alphabetischer Leitfaden, der Frauen in einer ähnlichen Situation helfen soll.

Im Zentrum der Ausstellung stehen zwei Installationen, die für die Geschichte des Künstlers grundlegend sind: Exorcism of the Last Painting I Ever Made (1996) und My Bed (1998). Erstere dokumentiert drei Wochen, die Emin in einer Stockholmer Galerie eingeschlossen verbrachte, um sich mit der Malerei zu versöhnen, einem Medium, das sie sechs Jahre zuvor nach ihrer Abtreibungserfahrung aufgegeben hatte. My Bed, das berühmt wurde und für den Turner Prize nominiert war, zeigt das Bett der Künstlerin inmitten einer persönlichen Krise, die von Alkoholmissbrauch geprägt war, und verwandelt einen Moment des Zusammenbruchs in ein Werk, das den Betrachter über Verletzlichkeit und die Wahrheit der Erfahrung befragt. In dieser symbolischen Passage wird der Besucher vom ersten Leben des Künstlers zu einem zweiten Leben nach Krankheit und Operation geführt.

Die Erfahrung von Krebs,Operationen und Behinderungen wird auf direkte Weise angesprochen und bekräftigt die Entscheidung, das Persönliche niemals vom Öffentlichen zu trennen. Die Bronzeskulptur Ascension (2024) erforscht die neue Beziehung zum Körper nach einer schweren Blasenkrebsoperation, während neue Fotografien das Stoma zeigen, mit dem der Künstler heute lebt. Die Ausstellung gipfelt in einer Reihe großer neuerer Gemälde, in denen Emin die Dimensionen seines zweiten Lebens erforscht. Während Schmerz und Sehnsucht weiterhin präsent sind, drücken die großen Leinwände eine transzendente und spirituelle Qualität aus, ein Zeichen für eine entschlossene Entschlossenheit, in der Gegenwart zu leben. Neben diesen Werken erinnert die Skulptur Death Mask (2002) an das Fortbestehen einer dunklen Seite, die ein Porträt einer intensiv gelebten Existenz darstellt.

Außerhalb der Museumsmauern wird die monumentale Bronze I Followed You Until The End (2023) vor der Tate Modern aufgestellt, die sich in die Stadtlandschaft einfügt und Passanten dazu einlädt, sich mit der viszeralen Kraft von Emins Werk auseinanderzusetzen. Die gesamte Ausstellung wird in Partnerschaft mit Gucci präsentiert, mit zusätzlicher Unterstützung durch den Tracey Emin Exhibition Supporters Circle und die Tate Members.

Außerdem werden zeitgleich mit der Eröffnung zwei Wochen lang Emins berühmte Neonarbeiten in einer kostenlosen Pop-up-Kampagne an Gebäuden und Plakatwänden in ganz London zu sehen sein, um auf die Ausstellung hinzuweisen. Bis zum 9. März zeigen zweiundzwanzig Installationen in elf Stadtbezirken, von Lambeth und Croydon bis Walthamstow und Tower Hamlets, poetische Sätze in der unverwechselbaren Handschrift der Künstlerin, wie I Whisper to My Past do I Have Another Choice und I can Feel You Everywhere. Das in Zusammenarbeit mit der Kreativagentur Jack Arts, die zur BUILDHOLLYWOOD-Gruppe gehört, realisierte Projekt verwandelt die Stadt in eine Open-Air-Galerie. “Dieses Projekt”, so Maria Balshaw, “ist eine wunderbare Erweiterung von Emins bewährter Verwendung von Neon, um Botschaften von purer Intimität zu vermitteln. Egal, ob man ihr auf dem morgendlichen Weg zur Arbeit begegnet oder sie stillschweigend auf einer Straße in der Nachbarschaft entdeckt, die Londoner können ihre Arbeit auf eine Weise erleben, die sich persönlich anfühlt. Diese Ich-Aussagen laden uns in Emins innere Welt ein und regen zu persönlichen Reflexionen an”.

Neon, das eng mit der Spiritualität und den emotionalen Reaktionen der Künstlerin verwoben ist, ist sowohl ein Mittel zur Selbstdarstellung als auch ein Mittel, um mit anderen in Kontakt zu treten. In den letzten zehn Jahren haben seine leuchtenden Statements internationale öffentliche Räume eingenommen, wie das I promise to love you-Zeichen am Times Square im Jahr 2013 und I want my time with you am Londoner Bahnhof St. Pancras seit 2018. Die Londoner Initiative bietet somit einen Vorgeschmack auf die intime und direkte Herangehensweise, die für A Second Life charakteristisch ist, und ermöglicht es den Bürgerinnen und Bürgern, sich mit der inneren Dimension des Künstlers wie auch mit ihrer eigenen zu konfrontieren.

Tracey Emin nannte die Ausstellung einen persönlichen Wendepunkt, einen Meilenstein auf ihrem Weg, eine authentische Feier des Lebens. Ich bin sehr aufgeregt, eine Ausstellung in der Tate Modern zu haben. Für mich ist es eines der größten internationalen Museen für zeitgenössische Kunst in der Welt und es befindet sich hier in London. Ich denke, diese Ausstellung wird ein Meilenstein für mich sein. Ein Moment in meinem Leben, in dem ich zurück und nach vorne schaue. Eine wahre Feier des Lebens".

A Second Life ist also eine monumentale und zugleich zutiefst persönliche Retrospektive, die vier Jahrzehnte Forschung umspannt und die Kohärenz einer Künstlerin zeigt, die ihr Leben in Kunst verwandelt hat. Zwischen Erinnerung und Gegenwart, Trauma und Wiedergeburt gibt die Ausstellung in der Tate Modern das Bild eines Weges wieder, der von Brüchen und Neuzusammensetzungen geprägt ist, in dem das Bekenntnis zu einem politischen Akt und die Verletzlichkeit zu einer universellen Sprache wird.

Tracey Emin, die größte Retrospektive ihrer Karriere in der Tate Modern

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