Tracey Emin, la plus grande rétrospective de sa carrière à la Tate Modern

Du 27 février au 31 août 2026, la Tate Modern de Londres accueille A Second Life, la plus grande exposition jamais consacrée à Tracey Emin. L’exposition, présentée dans les Eyal Ofer Galleries et organisée par Maria Balshaw, directrice de la Tate, représente l’enquête la plus importante sur la carrière de l’artiste britannique, née en 1963, et retrace quarante ans de pratique à travers plus de quatre-vingt-dix œuvres, dont des peintures, des vidéos, des textiles, des néons, des sculptures et des installations. Conçue en étroite collaboration avec Emin, l’exposition, qui fait suite au succès de l’exposition Sex & Solitude au Palazzo Strozzi de Florence, réunit des œuvres célèbres et des productions inédites, marquant un moment de bilan et de renouveau dans la trajectoire de l’artiste.

Tracey Emin est considérée comme l’une des figures les plus influentes de l’art contemporain de sa génération. Révélée au grand public dans les années 1990, elle est devenue le symbole d’une période cruciale de la culture britannique et de l’histoire de l’art mondiale grâce à son approche radicalement autobiographique et à l’absence déclarée de frontières entre la sphère privée et la sphère publique. Des œuvres telles que My Bed, nominée pour le prix Turner en 1999, ont déclenché un débat critique et médiatique passionné sur ce qui peut être considéré comme de l’art, remettant en question les catégories établies et redéfinissant le rôle de l’expérience personnelle dans la pratique artistique.

A Second Life retrace l’ensemble de sa production, depuis les installations phares des années 1990 jusqu’à ses peintures et sculptures en bronze les plus récentes, dont certaines sont présentées au public pour la première fois. L’exposition est construite comme un récit qui tisse des événements biographiques clés et des transformations linguistiques, montrant comment Emin a toujours utilisé le corps féminin comme un outil puissant pour étudier la passion, la douleur et la guérison. L’exposition élargit la compréhension de son œuvre en célébrant son approche brute et confessionnelle, tout en posant des questions profondes sur l’amour, le traumatisme et l’autobiographie.

Le parcours part de la relation originelle de l’artiste avec la peinture. Des œuvres de sa première exposition personnelle, My Major Retrospective 1982-93, sont présentées. Il s’agit d’une série de petites photographies documentant des peintures réalisées pendant ses années de formation et détruites par la suite au cours d’une période particulièrement difficile de sa vie. À côté de ces images, on trouve Tracey Emin CV (1995), un autoportrait accompagné d’un récit à la première personne qui retrace son existence jusqu’à ce moment-là, et la vidéo Why I Never Became A Dancer (1995), dans laquelle l’artiste se remémore des épisodes traumatisants de son adolescence passée à Margate. Dans ces premières œuvres apparaît clairement la voix à la première personne qui deviendra un trait distinctif de sa production, un mode de narration qui mêle confession, mémoire et revendication identitaire.

Le lien avec Margate, sa ville natale au bord de la mer, traverse toute la pratique d’Emin. Quittée à l’âge de quinze ans, la ville reste une référence constante dans sa vie et son imagination. Après des retours intermittents à la fin de l’adolescence et au début de la vingtaine, il s’installe à Londres en 1987 pour étudier au Royal College of Art. Le décès de sa mère à Margate en 2016 et sa survie à un cancer en 2020 marquent un nouveau retour, définitif cette fois. L’artiste a choisi de se réinstaller dans la ville côtière, où elle a fondé la Tracey Emin Artist Residency, une école d’art gratuite basée sur l’atelier. Dans l’exposition, des œuvres axées sur Margate et les souvenirs d’enfance explorent la manière dont Emin retravaille et réécrit son histoire personnelle. Mad Tracey From Margate : Everybody’s Been There (1997) expose des pensées intimes à travers des phrases, des lettres et des dessins cousus à la main, tandis que l’installation en bois It’s Not the Way I Want to Die (2005), inspirée par le célèbre parc d’attractions Dreamland, reflète ses angoisses et sa vulnérabilité, évoquant les montagnes russes comme une métaphore existentielle.

L’exposition aborde également sans complexe les traumatismes et la douleur personnels, thèmes centraux de la poétique d’Emin, contribuant à briser la stigmatisation entourant des questions qui sont souvent écartées du discours public. L’expérience de la violence sexuelle est évoquée dans des œuvres telles que le néon I could have Loved my Innocence (2007) et la broderie en calicot Is This a Joke (2009). Dans How It Feels (1996), l’une de ses vidéos les plus personnelles, l’artiste raconte un avortement qui a mal tourné, décrivant la négligence institutionnelle, les implications physiques et psychologiques du choix de ne pas devenir mère et la misogynie qui accompagne souvent une telle décision. La courtepointe The Last of the Gold (2002) est présentée pour la première fois au public. Elle représente un A à Z de l’avortement, une sorte de guide alphabétique destiné à aider les femmes confrontées à une situation similaire.

Au centre de l’exposition se trouvent deux installations fondamentales dans l’histoire de l’artiste : Exorcism of the Last Painting I Ever Made (1996) et My Bed (1998). La première documente les trois semaines qu’Emin a passées enfermée dans une galerie de Stockholm pour tenter de se réconcilier avec la peinture, un médium qu’elle avait abandonné six ans plus tôt à la suite de son avortement. My Bed, devenue célèbre et nominée pour le Turner Prize, présente le lit de l’artiste au milieu d’une crise personnelle marquée par l’abus d’alcool, transformant un moment d’effondrement en une œuvre capable d’interroger le spectateur sur la vulnérabilité et la vérité de l’expérience. Dans ce passage symbolique, le visiteur est conduit de la première vie de l’artiste à une seconde vie, après la maladie et la chirurgie.

L’expérience du cancer, de lachirurgie et du handicap est abordée de manière directe, réaffirmant le choix de ne jamais séparer le personnel du public. La sculpture en bronze Ascension (2024) explore la nouvelle relation avec le corps après une opération majeure du cancer de la vessie, tandis que de nouvelles photographies montrent la stomie avec laquelle l’artiste vit aujourd’hui. L’exposition culmine avec un ensemble de grandes peintures récentes dans lesquelles Emin étudie les dimensions de sa seconde vie. Si la douleur et la nostalgie restent présentes, les grandes toiles expriment une qualité transcendante et spirituelle, signe d’une détermination résolue à vivre dans le présent. À côté de ces œuvres, la sculpture Masque de mort (2002) rappelle la persistance d’un côté plus sombre, composant le portrait d’une existence intensément vécue.

Au-delà des murs du musée, le bronze monumental I Followed You Until The End (2023) sera installé à l’extérieur de la Tate Modern, s’imposant dans le paysage urbain et invitant les passants à se confronter à la force viscérale de l’œuvre d’Emin. L’ensemble de l’exposition est présenté en partenariat avec Gucci, avec le soutien supplémentaire du Tracey Emin Exhibition Supporters Circle et des Tate Members.

En outre, pour coïncider avec le vernissage, les célèbres œuvres en néon d’Emin envahiront pendant quinze jours les bâtiments et les panneaux d’affichage de Londres dans le cadre d’une campagne pop-up gratuite anticipant l’exposition. Jusqu’au 9 mars, vingt-deux installations réparties dans onze arrondissements, de Lambeth et Croydon à Walthamstow et Tower Hamlets, présentent des phrases poétiques de l’écriture incomparable de l’artiste, telles que I Whisper to My Past do I Have Another Choice et I can Feel You Everywhere (Je chuchote à mon passé, j’ai un autre choix et je peux te sentir partout). Réalisé en collaboration avec l’agence créative Jack Arts, qui fait partie du groupe BUILDHOLLYWOOD, le projet transforme la ville en une galerie à ciel ouvert. “Ce projet”, a déclaré Maria Balshaw, “prolonge magnifiquement l’utilisation habituelle du néon par Emin pour partager des messages d’intimité pure. Qu’ils les rencontrent dans leurs déplacements matinaux ou qu’ils les découvrent silencieusement dans une rue de leur quartier, les Londoniens peuvent faire l’expérience de son travail d’une manière qui leur est personnelle. Ces déclarations à la première personne nous invitent à pénétrer dans le monde intérieur d’Emin, tout en encourageant les réflexions personnelles”.

Le néon, profondément lié à la spiritualité et aux réactions émotionnelles de l’artiste, est à la fois un moyen d’expression personnelle et un moyen d’entrer en contact avec les autres. Au cours de la dernière décennie, ses déclarations lumineuses ont occupé des espaces publics internationaux, comme le panneau I promise to love you à Times Square en 2013 et I want my time with you à la gare St. Pancras de Londres depuis 2018. L’initiative londonienne offre ainsi un avant-goût de l’approche intime et directe qui caractérise A Second Life, permettant aux citoyens de se confronter à la dimension intérieure de l’artiste ainsi qu’à la leur.

Tracey Emin a qualifié l’exposition de tournant personnel, de point de repère dans son parcours, de célébration authentique de la vie. Je suis très enthousiaste à l’idée d’exposer à la Tate Modern. Pour moi, c’est l’un des plus grands musées internationaux d’art contemporain au monde et il est situé ici, à Londres. Je pense que cette exposition fera date pour moi. Un moment de ma vie où je regarde en arrière et en avant. Une véritable célébration de la vie".

A Second Life est donc une rétrospective monumentale et en même temps profondément personnelle, qui couvre quatre décennies de recherche et montre la cohérence d’une artiste qui a fait de sa vie un art. Entre mémoire et présent, traumatisme et renaissance, l’exposition de la Tate Modern renvoie l’image d’un parcours jalonné de fractures et de recompositions, où l’aveu devient un acte politique et la vulnérabilité un langage universel.

Tracey Emin, la plus grande rétrospective de sa carrière à la Tate Modern

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