Leonor Fini (Eleonora Elena Maria Fini; Buenos Aires, 1907 - París, 1996) está reconocida como una de las personalidades más originales e independientes del panorama artístico del siglo XX y es conocida sobre todo por su obra pictórica, pero también dejó un corpus gráfico de considerable importancia, y un núcleo significativo de este corpus se conserva conservado en el Museo Villa Bassi Rathgeb de Abano Terme (Padua), donde ingresó en 2025 tras la donación del embajador Ugo Gabriele de Mohr (Bruselas, 1940), de la que se hablará con más detalle más adelante, y que dio ocasión a la exposición Leonor Fini y la colección gráfica Bassi Rathgeb. Segni e invenzioni dal Rinascimento al Novecento (Abano Terme, Museo Villa Bassi Rathgeb, del 22 de noviembre de 2025 al 15 de marzo de 2026, comisariada por Giovanni Bianchi, Raffaele Campion, Barbara Maria Savy y Federica Stevanin).
Artista de calibre europeo, Leonor Fini pasó su infancia y adolescencia en Trieste, en un clima familiar nada fácil, pero importante para el desarrollo de su profundo sentido de la independencia y su capacidad de transformación, elementos centrales de su producción artística. El ambiente centroeuropeo de Trieste también nutrió su cultura visual y literaria, llevándola a desarrollar tempranas pasiones por el arte y la experimentación, aunque ella se definía como autodidacta.
Tras un breve periodo en Milán en la década de 1920, donde realizó su primera exposición individual en 1929 y entró en contacto con el grupo Novecento, el punto de inflexión decisivo se produjo con su traslado a París en 1931. Aquí, aunque en diálogo y relación con los principales movimientos y protagonistas de su época, incluidos surrealistas como André Breton, Max Ernst y Salvador Dalí, Fini siempre reivindicó su propia autonomía estilística y conceptual, negándose a integrarse formalmente en el grupo.
Su pintura se inspira en fuentes diversas y autorizadas, como el manierismo italiano, los maestros flamencos y el romanticismo alemán. La visión onírica y erótica que caracteriza sus obras se centra en el arquetipo de la mujer como figura poderosa, soberana de su propia sexualidad, a menudo representada como hechicera, esfinge, sacerdotisa o reina, apartándose de la visión masculina predominante en el Surrealismo canónico.
La donación del embajador Ugo Gabriele de Mohr (Bruselas, 1940), que representa una de las adquisiciones más importantes jamás recibidas por el Museo Villa Bassi Rathgeb, incluye un núcleo de 24 obras gráficas de Leonor Fini, realizadas a lo largo del siglo XX. Esta incorporación ha enriquecido notablemente las colecciones permanentes del museo de Abano, abriendo la institución a direcciones artísticas que van más allá de las tradicionalmente establecidas. La práctica constante del dibujo por parte de Leonor Fini le ha permitido producir una considerable cantidad de obras impresas, utilizadas para ilustrar poemas o relatos (propios o ajenos) y para crear álbumes y carteras de artista. Las composiciones gráficas de la donación, que incluyen fotolitos y grabados, esbozan la poética de una artista internacional del siglo XX que siempre se mantuvo libre de definiciones y esquemas rígidos. La propia Fini consideraba el dibujo, escribe Federica Stevanin, como un “instrumento de intrusión creativa capaz de absorber y transformar las sugerencias de los distintos campos artísticos que frecuentaba, como la literatura, la poesía, el teatro y, por supuesto, la pintura”. Sus obras sobre papel han sido descritas por la propia Leonor Fini como una “especie de sueño lineal”, una “auténtica fantasía” que le permitió dar forma a “un íntimo teatro macabro” en el que conviven belleza, ambigüedad y crueldad. Las imágenes gráficas, a menudo enigmáticas, crean una atmósfera misteriosa y densa, donde los personajes parecen sonámbulos en una hipnosis lúcida, realizando actos inexplicables.
Las obras gráficas incluidas en la donación de Mohr pertenecen a dos categorías principales de la producción impresa de Leonor Fini: álbumes y carpetas de artista, y libros ilustrados por ella. Una gran parte (trece obras) consiste en fotolitografías del volumen de edición limitada Fruits de la passion. Trente-deux variations sur un thème de Leonor Fini, publicado en 1980. En esta serie, la artista escenifica, casi en una secuencia cinematográfica, un desfile de personajes, en su mayoría parejas, que encarnan las múltiples facetas de la pasión amorosa. A través de estas variaciones, Fini explora su tema favorito del doble, entendido como alteridad, inestabilidad y sufrimiento. La ternura, la seducción y el galanteo se yuxtaponen a la violencia, la crueldad y el sufrimiento, en una lucha incesante entre los sexos. Las composiciones se distinguen por la representación precisa y carnal del cuerpo, evocando a veces figuras de “desollados”, un interés que el artista había cultivado desde su juventud con visitas a la morgue de Trieste y el estudio de tratados de anatomía. Los personajes, con sus accesorios y ropas extravagantes (máscaras, corsés, zapatos con tacón), actúan en un escenario de papel con “gracia dieciochesca” y movimientos coreográficos.
Otras obras gráficas de la donación proceden de importantes colecciones, como Livre d’images (1971), Les Leçons (1976) y Fêtes secrètes (1978). Las tres litografías presentes relacionadas con Livre d’ images vuelven a proponer temas recurrentes en la poética de Fini, como las figuras femeninas desnudas, sensuales y lánguidas que existen en una realidad liminal y se muestran en total autoposesión. El tema de la esfinge, que Fini consideraba una especie de alter ego, aparece combinado con el tema del doble en uno de estos grabados. Para Fini, la esfinge, un ser híbrido mitad animal, mitad humano, representa la condición ideal, capaz de dominar tranquilamente a los humanos, pero también de ser peligrosa.
La serigrafía La Leçon de braise / La Peine Capitale, incluida en la carpeta Les Leçons, esboza una escena de compleja interpretación, que el estudioso Pierre Borgue ha leído como una representación de la “castración del macho como símbolo de la fertilidad de la virgen”, pero que también podría ser una reivindicación femenina de independencia, incluida la sexual, frente a la supremacía masculina. Los dibujos de Fêtes secrètes, de los que hay dos fotolitos, ilustran también la lucha entre eros y thanatos, es decir, entre el amor y la muerte, con esqueletos danzantes y figuras colgadas. Estas escenas de seducción y danza macabra, caracterizadas por extensiones lineales y refinamiento formal, se han comparado con la descripción de un banquete en Vasari, pero reinterpretadas con la atención de Fini a la fisicidad y la teatralidad. El artista utiliza un signo que alterna entre la ligereza y el nerviosismo, dejando a veces las figuras sin contornos definidos, acentuando su aspecto fantasmal.
El corpus gráfico incluye también ejemplos de su prolífica actividad como ilustradora de obras ajenas, como Les Petites Filles Modèles (1973) y Carmilla (1983). En las ilustraciones de la historia de la Condesa de Ségur, Fini subvierte el tono didáctico del original centrándose en los aspectos transgresores y coquetos de las jóvenes protagonistas, a menudo retratadas sin bragas, para desenmascarar su fingida inocencia. En cuanto a Carmilla, la novela de Joseph Sheridan Le Fanu, la donación incluye dos litografías de cabezas imaginarias. Estas efigies, que flotan en el vacío de la sábana, dialogan con las Visages imaginaires del artista y recuerdan el arte funerario antiguo, en particular los retratos de El Fayyum. Por último, también se exponen dos litografías que remiten a estudios inéditos para la edición ilustrada de 1964 de Les Fleurs du Mal de Charles Baudelaire.
La artista también se distinguió como versátil escenógrafa y diseñadora de vestuario para el teatro. En 1951, Fini participó en el Festival Internacional de Música Contemporánea de la Bienal de Venecia, diseñando la escenografía y el vestuario de la ópera coreográfica en un acto Orfeo, de Roberto Lupi. La obra fue recibida con éxito y la escenografía se describió como “metafísica y mortuoria”, dominada por un bosque oscuro y misterioso donde emergía un enorme bucráneo (cráneo de buey) reflejado en el agua inmóvil. En la exposición se exhibe un boceto original del decorado de la obra, gracias a la colaboración con los Archivos Históricos de Arte Contemporáneo de la Bienal. El vestuario estaba marcado por la sencillez y el refinamiento, con elementos recurrentes como las plumas de faisán sujetas a los tobillos de Orfeo, que daban a la figura danzante una apariencia de extrema ligereza.
Este compromiso en Venecia en 1951 reforzó su estatus internacional, combinando la actividad expositiva (la exposición individual en el Ala Napoleónica) con la creación de una enigmática imagen pública, que culminó con su aparición en el famoso “Ballo del Secolo” de Don Carlos de Beistegui vestido de “Ángel Negro”. Su arte, que no conocía fronteras ni categorizaciones, sigue siendo celebrado por su fuerza magnética y su capacidad para explorar el enigma humano
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