En diciembre de 1968, los cines italianos proyectaron por primera vez la película 2001: Una odisea del espacio. Una película en cuatro capítulos que narra un salto evolutivo en la conciencia humana y la capacidad tecnológica, con el telón de fondo de una inteligencia extraterrestre que dirige el cambio. La obra maestra de Stanley Kubrick explora el presente, un pasado y un futuro, desde los albores del hombre, ambientados en el África prehistórica, hasta un futuro en 2001, cuando la humanidad colonizaría la Luna, llegaría a Júpiter y más allá. Junto a Stanley Kubrick, la otra mente detrás de 2001: Una odisea del espacio fue Arthur C. Clarke, escritor británico de ciencia ficción, ensayista científico, inventor y presentador de televisión. Ambos colaboraron en el guión de la película, fruto de un profundo entendimiento que combinaba la visión científica de Clarke con la abstracción cinematográfica de Kubrick. Fue el propio Clarke quien introdujo nuestro tema de hoy: “Pensar en el museo del futuro”.
En 1964, en una emisión de la BBC, Arthur C. Clarke presentó su visión del futuro, haciendo una serie de predicciones increíblemente precisas sobre la tecnología y la sociedad. “Intentar predecir el futuro”, reiteró Clarke, "es una empresa desalentadora y arriesgada, porque las opciones que el profeta tendría ante sí no son fáciles. Si sus predicciones suenan siquiera vagamente razonables, puede estar seguro de que dentro de veinte o, a lo sumo, cincuenta años el progreso de la ciencia y la tecnología le harán parecer demasiado conservador. Por otra parte, si por algún milagro ese profeta describiera el futuro exactamente como sucederá, sus predicciones parecerían tan absurdas, tan improbables, que crearían perplejidad e incredulidad. No soy profeta, ni pretendo serlo, pero sigo los pasos de Clarke reconociendo el riesgo de parecer absurdo, quizá incluso demasiado alejado de la realidad, pero esperando no dejarle perplejo ni incrédulo. Precisamente por este motivo he decidido analizar el museo a través de la lente del cono de futuros, “cono de futuros” en italiano.
El cono de futuros es un método conceptual para explorar una selección de futuros desde el presente, para comprender las posibilidades dentro de una incertidumbre creciente a medida que pasa el tiempo. Elijo centrarme en cuatro tipos diferentes de futuros.
El primero se refiere a los futuros posibles. Son todas las cosas que podrían suceder, basadas en la imaginación, los límites de la ciencia o variables desconocidas. Por ejemplo, podrían darse condiciones meteorológicas extremas, teniendo en cuenta el aumento de las temperaturas. El segundo se refiere a los futuros probables. Se trata de futuros que tienen una alta probabilidad de suceder si se mantienen las tendencias actuales. El viaje a Marte es cada vez más probable. La creciente dependencia de la inteligencia artificial sería otro escenario probable. El tercero se refiere a los futuros preferibles o deseables. Aquí hablamos de futuros a los que aspiramos. Todos creemos en una sociedad inclusiva, somos muchos los que nos comprometemos a promover la inclusión, la diversidad y la equidad. El cuarto se refiere a los futuros plausibles . Basándonos en las tendencias actuales, los conocimientos de los expertos y la investigación, algunos futuros podrían suceder. Son los futuros que probablemente ocurrirán si se mantienen las trayectorias actuales.
La elección entre posible, plausible, probable y preferible depende en gran medida de un profundo conocimiento de las tendencias y de la capacidad de leer los signos de los tiempos.
Con la elección de futuros que nos proporciona el cono de futuros, podríamos cartografiar los futuros de una institución museística concreta, ciertamente no definible a partir de características generales. Se trataría de un tipo particular, de una forma específica de entender y experimentar el museo: el museo mediterráneo. Se trataría de una institución diseñada históricamente para proteger, conservar y hacer accesible un patrimonio histórico y cultural extraordinario, una institución profundamente arraigada en el paisaje cultural en el que se encuentra, que debe entenderse como un contenedor de contenidos que a menudo tiene el mismo valor y significado que el patrimonio cultural que contiene. Se trata de una institución que realza, presenta y hace accesible un patrimonio cultural que a menudo se entiende y valora como una extracción directa del pasado -una reliquia- que rememora directamente culturas conformadas por prácticas religiosas, teniendo en cuenta que el Mediterráneo es también la cuna de las tres religiones monoteístas.
Este es el museo cuyo futuro nos planteamos hoy, y lo haremos deteniéndonos en tres elementos.
Muchos de nosotros procedemos de instituciones de coleccionismo, que a menudo albergan colecciones muy importantes. Sabemos que Italia cuenta con algunas de las concentraciones de colecciones más importantes del mundo, con un porcentaje muy elevado a menudo en depósito. Las recomendaciones de ICOM Italia sobre los depósitos de los museos, publicadas tras la conferencia de Matera en el Palazzo Lanfranchi en 2019, se centraban precisamente en la necesidad de revalorizar los depósitos. Posteriormente, como sabemos, estas recomendaciones fueron asumidas por la Asamblea General del ICOM con el compromiso de promover una mayor atención a la preservación y valorización de las colecciones en depósito en todo el mundo.
Hay que añadir que las instituciones de gestión colectiva siguen luchando con prácticas de gestión que se remontan a los conceptos museísticos del siglo XIX, en los que los depósitos y las colecciones de estudio son distintos de la exposición “permanente”, a menudo definida. En este sentido, los museos se comportan a menudo como ese niño que San Agustín encuentra por pura casualidad, ese niño que intenta verter el océano en un agujero en la arena, que sigue adquiriendo y coleccionando (con razón, añadiría yo), pero que luego no consigue presentarlo ni hacerlo accesible, dejando a muchos San Agustín preguntándose por qué.
¿Qué futuro le espera entonces a esta materialidad museística tan central en el museo mediterráneo? ¿Qué posibilidades de gestión futura? En noviembre de 2021, el Museo Boijmans van Beuningen de Rotterdam inauguró su Art Depot, una arquitectura similar a una nave espacial diseñada como almacén de acceso público. Sería el primero de su clase pero, reiteran, no es un museo, como se afirma en la entrada del Art Depot. En cambio, creo seriamente que este proyecto, partiendo de una tendencia emergente, podría convertirse en un nuevo concepto de museo. Podría ser posible, tal vez incluso preferible en vista de la evolución de las colecciones y compatible con la definición actual de museo.
La definición del ICOM 2022 reconoce al museo como “una institución permanente, sin ánimo de lucro, al servicio de la sociedad, que investiga, colecciona, conserva, interpreta y expone el patrimonio cultural, material e inmaterial. Una institución abierta al público, accesible e integradora, que promueve la diversidad y la sostenibilidad, que trabaja con la participación de la comunidad ofreciendo experiencias diversas para la educación, el disfrute, la reflexión y el intercambio de conocimientos”. En el Rotterdam Art Depot, se invita a los visitantes a descubrir cómo se adquiere, estudia y restaura el arte. Todos estos son valores presentes en la definición del ICOM, pero además el Art Depot cuenta con un programa educativo, exposiciones comisariadas, espacios educativos e incluso un restaurante con vistas panorámicas de la ciudad. No hay mucho en todo esto que vaya en contra de una nueva idea de museo que se está experimentando, porque nada va en contra de la definición de museo promovida por el ICOM a partir de 2022.
Esta tendencia se proyecta en el diseño del nuevo East Storehouse del Victoria and Albert Museum, inaugurado hace unas semanas. El East Storehouse promoverá el acceso a los objetos almacenados bajo demanda como componente de una verdadera experiencia de autoalmacenamiento. Cito aTim Reeve, Director de Operaciones del V&A East Storehouse, en inglés: “Tenemos dos modalidades de museo: una son las galerías y exposiciones permanentes, la otra es el almacenamiento. Hemos intentado inventar un tercero en medio. Espero que se aleje de esa elección binaria entre exposición o almacenamiento”.
Desde 2010, Nina Simon se ha erigido en referente de la idea de museo participativo, aunque este enfoque tiene como antecedentes históricos la sociomuseología, nueva museología o nouvelle museologie que se remontan a la Declaración de Santiago de Chile de 1973. La definición de museo del ICOM de 2022 hace referencia al papel cada vez más central que la comunidad adquiere en los museos, no sólo como público, sino como participante activo y, en muchos casos, cocreador.
¿Qué futuro le espera al público de los museos en el siglo XXI? Cómo conciliar la autoridad curatorial con la participación de la comunidad en el museo guiada por un compromiso de inclusividad? En 2018, el Museo de Anchorage, Alaska, gracias en parte al apoyo financiero de Bloomberg Philanthropies, abrió Seed Lab, transformando un edificio abandonado justo enfrente del museo en un lugar para la comunidad.
Seed Lab contiene salas de conferencias y espacio para representaciones teatrales, así como una biblioteca de herramientas -una biblioteca de préstamo-, al igual que una biblioteca hace con los libros de préstamo. Pero lo que realmente importa es que Seed Lab está diseñado para convertirse en un lugar donde incubar la programación del museo para y con la comunidad. También este proyecto puede considerarse una semilla de futuros posibles, quizá preferibles, si pensamos en el papel fundamental que la relevancia tiene y sigue teniendo en la labor de un museo. Sería sin duda un futuro plausible, observando la evolución de las prácticas de cocreación e inclusión cada vez más empleadas por los museos de todo el mundo.
Sin embargo, cuidado: que un futuro sea preferible o no depende casi exclusivamente del liderazgo del museo. La dirección de un museo debe saber cómo, cuándo y de qué manera implicar a la comunidad en el proceso museístico, tanto en el día a día como en la cocreación de un programa de actividades para y con las comunidades. Sería similar a cómo un director de orquesta se dedica a dirigir una polifonía, no una cacofonía, asegurándose de que todos los instrumentos suenan en el momento adecuado y de la forma correcta. Sería lo mismo que debe hacer el director de un museo en el futuro posible, plausible y quizá incluso preferible.
A menudo se piensa en el museo del futuro como un museo predominantemente tecnológico. Sería una imagen acertadamente alimentada por los profundos cambios tecnológicos, y yo añadiría que sin precedentes, que estamos experimentando. Algunos han comparado este momento con la revolución industrial del siglo XIX.
Volvamos a lo que decía Arthur C. Clarke en 1964, imaginando un futuro ambientado en el año 2000: “Cuando llegue ese momento, el mundo entero se habrá encogido hasta un punto, y el papel tradicional de la ciudad como lugar de encuentro ya no tendrá sentido. De hecho, los seres humanos ya no viajarán, sino que se comunicarán. Estas tecnologías harán posible un mundo en el que podremos estar en contacto instantáneo con cualquier persona, en cualquier lugar. Podremos comunicarnos con amigos en cualquier lugar de la Tierra, aunque no sepamos dónde se encuentran físicamente. En esa época -quizá sólo dentro de cincuenta años- será posible que un hombre trabaje desde Tahití o Bali con la misma eficacia que lo haría desde Londres”.
Es un hecho que los museos, como las sociedades contemporáneas en general, luchan por seguir el ritmo de la innovación. Aquí vuelve a aparecer la imagen del niño que se encuentra con San Agustín en la playa. La tecnología avanza y el museo trata de contenerla en un espacio diseñado para otros tiempos, a pesar de que puede ofrecerle la oportunidad de ser una parte mucho más incisiva de un mundo extraordinariamente interconectado.
¿Qué futuros, entonces, son posibles gracias a la tecnología? ¿Qué escenarios son preferibles si pensamos en la perspectiva de lo figital combinando y yuxtaponiendo experiencias físicas y digitales? ¿Deberían los museos considerar la tecnología como una extensión de la experiencia museística, accesible en múltiples plataformas? Todos experimentamos el Desafío Getty durante la pandemia, reconocido por todos como un momento histórico en el que el museo se expandió más allá de sus límites físicos y a escala global como nunca antes. ¿Podrían los museos explorar una dimensión paralela, física y digital, impulsada por el transmedia? En octubre de 2022, la Galería Nacional de Finlandia, junto con Decentraland y Sitra, inauguró uno de los primeros espacios museísticos nacionales en el metaverso con una versión digital del pabellón finlandés en la Expo de París de 1900 como proyecto museográfico, en el que los visitantes pueden votar e influir en la elección de los objetos expuestos.
¿Quizás los museos deberían centrarse más bien en utilizar la tecnología como herramienta para interpretar la experiencia museística tradicional, consolidando el significado y el valor de una materialidad que sigue siendo central en el museo mediterráneo? No me refiero a visitas virtuales estáticas y silenciosas, réplicas sin vida de museos vacíos. Hablo de experiencias interactivas como la de la Galería Uno del Museo de Arte de Cleveland, donde la reacción emocional del público del museo determina la elección de las obras.
A estas alturas, el concepto de museo líquido de Fiona Cameron se remonta a hace más de una década. Además, todo lo que el museo necesita en términos de tecnología ya está inventado. El verdadero reto es encontrar un propósito y una utilidad a esta tecnología. Estoy perfectamente convencido cuando digo que una idea museística de un futuro posible, incluso plausible, sería la de un museo multisensorial, accesible desde cualquier punto del planeta. Será posible que una persona acceda a una experiencia museística completa esté donde esté: desde Tahití tanto como desde Londres o desde aquí, desde Bolonia. Quienes han captado la analogía saben que estas palabras recuerdan la predicción de Clarke de 1964. Hace sesenta años. Quizá previsible, incluso absurda, añadiría yo. Les dejo a ustedes la elección y la decisión. Como dijo Clarke: “Lo único seguro sobre el futuro es que será absolutamente fantástico”. Pero lo que realmente impulsará la innovación museística será el capital humano. Pienso en proyectos europeos como la Alianza CHARTER que ha identificado 115 profesiones relacionadas con el patrimonio, algunas específicas de la institución museística, a las que se añaden funciones híbridas y nuevos perfiles profesionales para un total global de más de 150. De hecho, los perfiles profesionales siguen evolucionando. De hecho, los perfiles profesionales siguen evolucionando. Menciono sólo algunas funciones emergentes, como el gestor de comunidades culturales en línea, el gestor de estrategias digitales, el gestor de colecciones digitales y el conservador de materiales digitales, identificadas por el proyecto Mu.SA - MuseumSector Alliance, en el que también participó el Instituto del Patrimonio Artístico, Cultural y Natural de Emilia Romaña.
Algunas de estas funciones tendrán que replantearse, otras reinventarse. La inteligencia artificial también desempeñará su papel, trayendo consigo retos y posibilidades. Pero para llegar ahí, debemos comprender mejor lo posible, lo plausible, lo probable y lo preferible. Debemos preguntarnos cómo la idea, el concepto de museo mediterráneo puede evolucionar, renacer si es necesario, cómo puede, debe y va a transformarse para seguir siendo cada vez más una institución relevante para la comunidad y la sociedad.
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