Giorgio Morandi : la vie et la poétique de ses œuvres


Peintre isolé, méditatif et original, Giorgio Morandi est l'un des principaux artistes italiens du XXe siècle. Sa vie et son œuvre.

Giorgio Morandi (Bologne, 1890 - 1964) est l’un des plus grands artistes italiens du début du XXe siècle. L’influence des enseignements de Cézanne, d’André Derain, du cubisme et des grands maîtres de la Renaissance italienne lui a permis d’aboutir à une synthèse picturale originale qui a caractérisé son œuvre. Le jeune artiste de l’Académie des Beaux-Arts de Bologne s’est d’abord rapproché du futurisme, qui a pourtant abondé très tôt. Les toiles de l’artiste représentent principalement des paysages, notamment celui de Grizzana, un village d’Émilie auquel il était très attaché, mais aussi des fleurs et des natures mortes.

Le choix de Morandi de se consacrer presque exclusivement à ces sujets s’explique par le fait que le peintre oriente son art vers une étude analytique et méditative des éléments représentés à travers des variations chromatiques et spatiales minimales. Au début des années 1920, l’artiste a également eu une brève approche du langage artistique de Giorgio De Chirico et de Carlo Carrà, période au cours de laquelle sont nées des peintures à caractère métaphysique. Malgré son isolement et son caractère quelque peu introverti, Morandi a cultivé des relations amicales avec des critiques, des artistes et des directeurs de musée, ce qui lui a permis d’être l’un des artistes les plus appréciés dans le monde extérieur.

Giorgio Morandi
Giorgio Morandi

La vie de Giorgio Morandi

GiorgioMorandi est né à Bologne le 20 juillet 1890 d’Andrea et Maria Maccaferri. Giorgio montre des prédispositions artistiques précoces, comme en témoigne une œuvre rendue publique par la Galleria comunale d’arte moderna de Bologne, représentant une petite composition de fleurs, peinte vers l’âge de quinze ans et montrant déjà l’approche compositionnelle qui sera la marque stylistique de l’artiste. En 1907, Morandi s’inscrit à l’Académie des beaux-arts de Bologne, où il rencontre Osvaldo Licini et Severo Pozzati , avec lesquels il se lie d’amitié. Si les premières années de sa formation académique sont excellentes, les dernières années passées à l’académie sont caractérisées par des conflits avec les professeurs : cela est dû au changement d’intérêt de l’artiste qui a déjà identifié son propre langage autonome et individuel. Les influences viennent de Paris, ville où son ami Licini s’installe en 1915, et permettent à Morandi de se tenir au courant de l’art du moment. Pour Morandi, André Derain, Paul Cézanne, Henri Rousseau et Pablo Picasso sont les artistes contemporains qui l’ont le plus influencé. Cependant, au cours de ces années, l’artiste a également développé un fort intérêt pour l’art italien du passé (en 1910, à Florence, il a vu les œuvres de Giotto, Massaccio et Paolo Uccello).

Avec ses amis Osvaldo Licini, Severo Pozzati et Giacomo Vespignani, le jeune peintre bolonais se rapproche de la poétique futuriste après que l’artiste Filippo Tommaso Marinetti a enflammé l’esprit des étudiants de l’Académie de Bologne. Il participe à diverses soirées futuristes entre Modène et Bologne et visite l’exposition Pittura Libera Futurista (1913-14) organisée à Florence par la revue Lacerba. Les “trois tortellini”, surnom donné aux trois amis (Morandi, Licini et Vespignani) en raison des chapeaux qu’ils portaient, organisèrent une exposition à l’hôtel Baglioni de Bologne, un espace non institutionnel sans rapport avec l’Académie. Morandi y présente treize toiles, dont Ritratto della sorella (1912-1913), quatre Paysages et deux Nature Morte . Très lié à la poétique futuriste, Morandi garde néanmoins une certaine indépendance par rapport à la poétique de Marinetti, tournant son regard au-delà des Alpes : notamment vers les expérimentations cubistes et les œuvres de Cézanne. Morandi obtient de la municipalité de Bologne un poste de professeur de dessin à l’école primaire, qu’il conserve jusqu’en 1929. En 1915, il est appelé sous les drapeaux, mais au bout d’un mois, tombé malade, il est réformé. Pendant ces années de guerre, Morandi a eu le temps de réfléchir et beaucoup de ses toiles ont été détruites par l’artiste lui-même. Malgré cette période de désorientation, l’artiste trouve, quoique brièvement, un réconfort dans la peinture métaphysique , comme en témoignent une douzaine d’œuvres, dont Natura morta metafisica (Nature morte métaphysique ) et Natura morta con palla (Nature morte à la balle), toutes deux datées de 1918. Les années 1918-1919 sont importantes pour Morandi qui rencontre des artistes comme Giorgio de Chirico, principal représentant de la peinture métaphysique, et Carlo Carrà. Les deux artistes gravitent autour de la revue de Mario Broglio, peintre et collectionneur, la célèbre “Valori plastici” : la revue théorise la récupération des valeurs nationales et le retour à la peinture figurative de modèle classique. Giorgio Morandi devient l’un des principaux protagonistes de cette tendance. Tandis que les artistes se consacrent à l’expérimentation plastique de leurs toiles, Mario Broglio organise plusieurs expositions collectives en Allemagne (notamment à Berlin), puis à Florence, il met sur pied l’exposition du printemps florentin en 1922. Malgré son adhésion aux “valeurs plastiques”, Morandi participe également à d’autres expositions : il est présent aux deux expositions du Novecento Italiano à la Permanente de Milan en 1926 et 1929, et grâce à la critique d’art Margherita Sarfatti, certaines de ses œuvres sont exposées à Paris (Galleria Bonaparte), à Bâle et à Buenos Aires. Morandi est également très proche du milieu intellectuel de la revue "Il Selvaggio" dirigée par Mino Maccari à partir de 1924. Lié à la revue de Maccari, le mouvement “Strapaese” avait pour objectif la restauration d’un pays rural, fondé sur la tradition et la simplicité. Morandi exprime parfaitement cet esprit et Maccari consacre un long article au peintre bolonais dans la revue “Il Resto del Carlino”, dans lequel il souligne l’“italianité” et l’“authenticité” de son art.

L’originalité de l’artiste est également célébrée dans certaines expositions à l’étranger : en 1929, il est invité au prix Carnegie à Pittsburgh, en 1934, certaines de ses œuvres sont exposées à l’exposition d’art italien organisée par la Biennale de Venise aux États-Unis et, en 1937, il participe à l’exposition universelle de Paris. Grâce à l’estime qu’il reçoit des milieux intellectuels et officiels de l’époque, il obtient en 1930 la chaire de gravure à l’Accademia di Belle Arti de Bologne, où il enseigne jusqu’en 1956. Sa participation aux Quadriennali de Rome est également très importante : lors de la troisième édition, en 1939, Giorgio Morandi dispose d’une salle personnelle entière dans laquelle il expose quarante-deux peintures, douze gravures et deux dessins. Bien que les œuvres du peintre soient très appréciées par d’importants critiques, tels que Roberto Longhi et Cesare Brandi, et par des artistes plus jeunes, Morandi reçoit le deuxième prix de peinture, après le jeune Bruno Saetti. Néanmoins, il y eut plusieurs controverses concernant l’attribution du premier prix, mais aussi sur la valeur réelle de la salle de Morandi, bien que le peintre bolonais ait été soutenu par les critiques de l’époque. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Morandi se retire à Grizzana, un petit village des Apennins de l’Émilie, et c’est là qu’il travaille à la saison que le critique Francesco Arcangeli a identifiée comme Paysages et natures mortes de 1942-1943. Lors de la première édition d’après-guerre de la Biennale de Venise, en 1948, le pavillon italien accueille une exposition anthologique de la peinture italienne (1919-1920), qui contient également des œuvres de Morandi, lesquelles lui valent le premier prix. L’obtention du premier prix à la Biennale de Venise de 1948 a permis au maître bolonais de se distinguer sur la scène internationale. Dans les années qui suivent la Biennale, Morandi mène une vie plutôt solitaire, plongé dans sa peinture. À la suite d’une maladie qui a duré environ un an, le peintre est décédé le 8 juin 1964 à Bologne.

Giorgio Morandi, Paysage (1911 ; huile sur toile, 37,5 x 52 cm ; Milan, Pinacothèque de Brera)
Giorgio Morandi, Paysage (1911 ; huile sur toile, 37,5 x 52 cm ; Milan, Pinacothèque de Brera)


Giorgio Morandi, Portrait de sa sœur (1912 ; huile sur toile, 37 x 44,3 cm ; Bologne, MAMbo)
Giorgio Morandi, Portrait de sa sœur (1912 ; huile sur toile, 37 x 44,3 cm ; Bologne, MAMbo)


Giorgio Morandi, Nature morte (1920 ; huile sur toile, 60,5 x 66,5 cm ; Milan, Pinacothèque de Brera)
Giorgio Morandi, Nature morte (1920 ; huile sur toile, 60,5 x 66,5 cm ; Milan, Pinacothèque de Brera)


Giorgio Morandi, Nature morte avec corbeille à pain (1921 ; gravure sur cuivre, 325 x 463 mm)
Giorgio Morandi, Nature morte avec corbeille de pain (1921 ; gravure sur cuivre, 325 x 463 mm)

Le style et les principales œuvres de Giorgio Morandi

Giorgio Morandi a été très influencé par l’œuvre de Paul Cézanne, comme en témoignent des œuvres de jeunesse telles que Paysage (1911). L’œuvre montre un langage déjà assez autonome, bien que la forte géométrie de l’architecture et la diagonale vertigineuse de la toile rappellent les paysages de Cézanne. Parmi les artistes français, Morandi s’intéresse aussi particulièrement à André Derain, qu’il a probablement connu par le biais de revues circulant à Bologne, comme la célèbre revue“Emporium”. Dans le Portrait de sa sœur (1912) de Morandi, la palette de couleurs est beaucoup plus sombre et les coups de pinceau certainement plus denses que dans l’Autoportrait (1913-1914) de Derain ( ), qui utilise plutôt des tons plus chauds et, contrairement au peintre bolonais, les coups de pinceau sont ici plus secs. L’influence du peintre français sur Morandi est indiquée par la façon dont ce dernier a traité la partie anatomique de la femme : le visage anguleux est rendu par de fortes ombres qui rappellent le moment “gothique” d’André Derain, comme l’a souligné le critique Giuseppe Raimondi.

La Nature morte de 1912 a été l’une des premières réceptions italiennes des natures mortes cubistes de Pablo Picasso et de Georges Braque. Ce qui frappe, c’est la palette de couleurs qui caractérise le cubisme, l’absence d’un axe de composition évident et la décomposition, même légère, du sujet. Une nature morte d’un style totalement différent est celle de 1919 (la date est indiquée dans le coin supérieur gauche). La composition des sujets est déjà typique de Morandi : contrairement aux natures mortes ultérieures, la “poussière” sur les objets, comme l’appellent souvent les critiques, est ici absente. Le rendu pictural du fruit, de la bouteille et du livre vise à accentuer les volumes, tandis que le plan sur lequel ils reposent rend parfaitement la profondeur dans laquelle les éléments sont placés.

À la fin des années 1920, Morandi est très proche de la métaphysique, bien qu’il n’y ait jamais vraiment adhéré. Une œuvre en particulier documente parfaitement le langage pictural de cette période et peut être rapprochée des travaux de Giorgio de Chirico et de Carlo Carrà . Il s’agit de Natura morta con man ichino (1918): un mannequin est représenté à l’intérieur d’une boîte, un élément qui caractérise les œuvres de Chirico et qui représente l’agitation de l’être humain. Le mannequin transmet à l’observateur l’aliénation et la solitude, deux états d’esprit soulignés par l’espace pictural dépouillé qui l’entoure.

En 1920, Morandi a l’occasion de voir certaines œuvres de Cézanne à la Biennale de Venise, ce qui le conduit à une peinture plus désinvolte et naturelle, comme dans Paysage (1929) où la matière devient plus dense et la couleur témoigne de la sensibilité paysagère retrouvée de ses premières œuvres. Même les natures mortes de la première moitié des années 1920 sont modulées par des effets de clair-obscur, les sujets se fondent dans l’environnement, les contours nets des œuvres “métaphysiques” disparaissent et la gamme de couleurs s’enrichit, comme dans Nature morte (1920). Dans ce panneau, l’artiste se concentre sur les données naturelles du sujet, les couleurs plus claires et plus floues rappellent les fresques du 15e siècle.

En 1922, la revue Valori Plastici ferme ses portes, le désintérêt de Broglio (rédacteur en chef de la revue) pour les œuvres de Morandi s’accentue et, en 1924, un vent de classicisme visant à un“retour à l’ordre” souffle sur la Biennale de Venise. Tous ces éléments conduisent Morandi à prendre conscience de son isolement par rapport au monde de l’art italien. Pendant ces années d’abandon, le peintre bolonais se consacre à lagravure, qu’il pratique en fait depuis l’Académie des beaux-arts de Bologne. L’immersion presque totale dans l’art de la gravure a permis à Morandi de révolutionner la tradition italienne de l’estampe. La technique qu’il privilégie est l’ eau-forte, c’est-à-dire une technique qui consiste à graver une plaque de cuivre après l’avoir immergée dans de l’acide nitrique. L’exemple le plus important pour le peintre bolonais était Rembrandt, surtout en ce qui concerne le rendu des valeurs tonales, comme dans Nature morte à la corbeille à pain (1921), où les objets sont modelés grâce aux effets de clair-obscur du burin (outil de gravure). La Strada bianca (Route blanche ) de 1933 est l’une des nombreuses variations de Grizzana dans lesquelles la superposition de panneaux définit la route. En général, on peut dire que le lien qui unit la peinture et la gravure est la recherche tonale qui, dans la peinture, est résolue par des variations de couleur et, dans la gravure, par la superposition de signes. La gravure est souvent devenue, pour Morandi, un moment qui précède la peinture, à laquelle il est particulièrement redevable vers la fin des années 1920. L’œuvre Paysage de Roffeno, lieu de villégiature de l’artiste, date de 1934. La toile montre une maison au centre, entourée de végétation, et à l’horizon, on aperçoit des montagnes. La végétation est réalisée avec un fond uniforme et bien étalé, tandis que la grande maison est présentée dans tout son volume. La toile est dominée par le vert des arbres qui encadre le rouge et le blanc du bâtiment. Les paysages et les natures mortes sont devenus la marque de fabrique stylistique de l’artiste: en effet, les toiles qui les représentent sont nombreuses et cela s’explique par le fait que Morandi ne voulait pas être “distrait”. En d’autres termes, en représentant les sujets habituels, le peintre a pu développer une recherche artistique visant à les représenter tels que l’œil les perçoit. En épurant les sujets de toute décoration futile, il les analyse dans les moindres variations de couleur ou d’espace. Dans la Nature morte de 1960, la couleur n’est plus compacte, et c’est toujours la variation de couleur qui nous indique qu’il y a une table et un mur derrière le sujet. L’une des dernières œuvres de Morandi est Cortile di via Fondazza (1956), la maison de Bologne, aujourd’hui Casa Morandi, que le peintre utilisait comme maison-atelier. La vue est réalisée avec des couleurs très claires et chaudes superposées à des coups de pinceau doux et bien mélangés. La façade de la maison de gauche devient presque un plan abstrait, tandis que le côté droit est dominé par les volumes des maisons définis par un clair-obscur léger. La méditation exprimée dans ses œuvres, le geste analytique et la recherche d’un équilibre presque parfait sont autant d’éléments qui ont fait de Giorgio Morandi l’un des artistes les plus originaux et les plus indépendants de son époque.

Giorgio Morandi, Cortile di via Fondazza (1956 ; huile sur toile, 43 x 48 cm ; Milan, Galleria d'Arte Moderna)
Giorgio Morandi, Cortile di via Fondazza (1956 ; huile sur toile, 43 x 48 cm ; Milan, Galleria d’Arte Moderna)

Où voir les œuvres de Giorgio Morandi ?

Le Museo Morandi de Bologne est la plus importante collection publique consacrée au peintre. Le musée a été créé à la suite d’une généreuse donation de sa sœur Teresa Maria Morandi. Jusqu’en 2012, le musée était situé au Palazzo d’Accursio, puis il a été transféré au MAMbo de Bologne, où l’on peut également voir certaines de ses gravures ainsi que des natures mortes et des paysages.

Quelques paysages, dont Paese (1936), et une Nature morte (1946) sont conservés à la Galerie nationale d’art moderne et contemporain de Rome. Une partie de la collection Vitali (trois paysages et deux natures mortes) est conservée à la Pinacothèque de Brera à Milan. Toujours dans la ville lombarde, mais au Museo dei Novecento, qui a également consacré une salle entière aux œuvres du peintre bolonais, on peut admirer son œuvre la plus emblématique de la période “métaphysique” : Nature morte au mannequin (1919). D’autres œuvres sont conservées à la Galleria civica d’arte moderna e contemporanea de Turin et au Museo del Novecento de Florence, où Paysage (1936) et Nature morte (1932-35) font partie de la collection Alberto della Ragione. Un certain nombre d’œuvres de Giorgio Morandi sont également conservées à Venise, à la Galleria Internazionale d’Arte Moderna Ca’ Pesaro.

Giorgio Morandi : la vie et la poétique de ses œuvres
Giorgio Morandi : la vie et la poétique de ses œuvres


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