Le XVIIe siècle néerlandais : la peinture au "siècle d'or". Genres et styles

Les historiens qualifient le XVIIe siècle néerlandais d’“âge d’or”, car entre le XVIe et le XVIIe siècle, laHollande et les six autres provinces des Pays-Bas septentrionaux sont devenues indépendantes de la domination espagnole, donnant naissance à la République des Provinces-Unies, et l’obtention de l’autonomie politique s’est accompagnée d’un formidable développement commercial, colonial et économique et d’une floraison artistique tout aussi extraordinaire. La peinture de l’âge d’or néerlandais, pendant et après la guerre d’indépendance (1568-1648), était l’expression d’un climat culturel généralisé lié à tous les aspects de la vie et de la nature et d’un profond sentiment de fierté civique, une célébration de la réussite et de l’identité néerlandaises. Le commerce était le moteur de la prospérité et de la pensée (la Compagnie néerlandaise des Indes orientales, la première société multinationale à actions qui a créé la première bourse, a été créée en 1602) qui s’exprimait à travers l’art, en particulier la peinture.

Le noyau de la peinture du Siècle d’or s’étend des années 1720 environ jusqu’à l’invasion de la République française et la victoire de 1672, également connue sous le nom d’“année du désastre”. La période hollandaise se distingue de la peinture de l’Europe catholique de la Contre-Réforme par le nombre limité de peintures religieuses: le calvinisme rampant décourageait les représentations sacrées dans les églises et les sujets bibliques étaient principalement destinés à des décors domestiques, l’accent catholique cédant la place à la vie ordinaire traitée de manière réaliste.La peinture néerlandaise du XVIIe siècle a été influencée par Pieter Bruegel l’Ancien et les artistes de la Renaissance nord-européenne, tels que Jan van Eyck, Albrecht Dürer et Hieronymus Bosch, et s’est développée avec les expériences des maniéristes de Haarlem, des caravagistes d’Utrecht, des protagonistes du classicisme néerlandais et de l’école de Delft.

La Hollande a décliné d’une manière particulière le langage et les tendances baroques qui ont dominé dans d’autres pays. En témoigne le nombre croissant d’œuvres de genre, avec des scènes de la vie professionnelle et ludique, qui témoignent d’un mécénat qui n’est plus seulement institutionnel, ecclésiastique et aristocratique aux yeux des classes supérieures, mais qui est davantage lié aux demandes des classes moyennes et mercantiles, ainsi que des guildes et des confréries, et des particuliers qui deviennent des collectionneurs d’art, propageant un nouveau type de mécénat.

Il n’était pas rare que les gens ordinaires possèdent et exposent des cartes, des peintures et des gravures dans leurs maisons, comme en témoignent de nombreux chefs-d’œuvre de l’époque dans lesquels sont représentés des objets, des peintures et des décorations murales. En conséquence, les œuvres produites au début du XVIIe siècle étaient de petite taille, ce qui les rendait plus abordables pour tous les niveaux sociaux et les destinait aux maisons, puis elles se sont progressivement agrandies à mesure que la prospérité et les connaissances augmentaient au cours du siècle. C’est un changement qui allait façonner l’art néerlandais et influencer l’art européen : depuis les types d’images jusqu’à la manière dont elles étaient produites et vendues.

Un autre trait distinctif de la période est la prolifération de genres picturaux distincts et la reconnaissance de sujets populaires qui étaient “nouveaux” dans un courant plus général de la peinture baroque et de la peinture occidentale en général. Les Hollandais du XVIIe siècle ont soutenu plus d’un millier d’artistes, dont certains des plus grands peintres de toutes les époques, et leur qualité technique était généralement élevée, la plupart d’entre eux suivant encore l’ancien système médiéval de formation parapprentissage auprès d’un maître.Les artistes privilégiaient principalement les sujets profanes, bien qu’allégoriquement chargés de références à des thèmes moraux et religieux, estimant que le succès et la prospérité des Pays-Bas étaient un don de Dieu : Ils ont représenté des paysages naturels et urbains avec des moulins et des animaux qui rendaient hommage à la beauté, à l’harmonie et au travail du pays, des natures mortes qui célébraient la richesse locale et les produits exotiques issus du commerce international, et des portraits qui commémoraient des individus, leur position, leur caractère et leur place au sein de la communauté. Toutes ces images étaient représentatives de la fierté que les citoyens néerlandais ressentaient pour leur nation et traduisaient la lutte théologique entre les protestants et les catholiques qui faisait rage aux Pays-Bas, en équilibrant les attraits mondains avec une attitude spirituelle.

Les éléments centraux de la peinture hollandaise du XVIIe siècle sont la lumière et l’éclat exprimés par les couleurs, en tant qu’outil fondamental de représentation, et l’attention portée aux détails, typique de la tradition flamande.Aujourd’hui, les peintres les plus appréciés de l’âge d’or néerlandais, les protagonistes de cette heureuse saison culturelle, sont Rembrandt Harmenszoon van Rijn, la figure dominante de l’époque, Johannes Vermeer(également connu sous le nom de Jan Vermeer) et Frans Hals, qui nous ont donné quelques-uns des plus grands chefs-d’œuvre de tous les temps.

Thèmes et sujets de la peinture néerlandaise du XVIIe siècle

Audébut du siècle, les thèmes légendaires et littéraires de la peinture d’histoire sont privilégiés, y compris les allégories et les sujets religieux populaires des scènes bibliques. Cependant, vers 1650, la peinture de genre, qui nous montre les valeurs, les coutumes et les habitudes du peuple hollandais de l’époque, commence à se répandre dans un magnifique développement. Scènes d’intérieur, portraits, paysages naturels, y compris hivernaux, nocturnes et marins, paysages urbains, paysages à l’italienne. Les peintures florales et les natures mortes de toutes sortes étaient très populaires. Jan Brueghel, fils de Pieter Bruegel l’Ancien, fut l’un des premiers pionniers de la nature morte florale, dans des œuvres telles que Fleurs dans un vase en bois (1606-1607), un bouquet extravagant dans un cadre simple, combinant des fleurs communes et des raretés, une mesure de l’enthousiasme néerlandais déjà à cette époque pour la collecte et la commercialisation de spécimens botaniques internationaux.

Les peintres néerlandais ont commencé à produire une nouvelle vision réaliste mais identifiable du monde, qui s’est détournée de la représentation de la société : personnages seuls, familles paysannes, scènes de taverne, fêtes de “joyeuse compagnie”, femmes au travail à la maison, scènes de village ou de ville, au marché, dans des casernes, scènes avec des chevaux ou des animaux de ferme, et bien d’autres encore. Dans la première moitié du siècle surtout, les portraits étaient très formels et leur composition très rigide. Les groupes étaient souvent assis autour d’une table, chaque personne regardant le spectateur. Une grande attention était portée aux détails des vêtements et de l’ameublement, signes de la position des personnes dans la société. Plus tard dans le siècle, les groupes sont devenus plus vivants et les couleurs plus vives. Ce genre de portraits de groupe, en grande partie une invention néerlandaise, était une demande du grand nombre d’associations civiques qui animaient la vie néerlandaise, telles que les gardes de la milice ou les régents des guildes et des fondations caritatives, etc.

Souvent, la peinture de genre prenait des tons moraux, dépeignant à la fois les vertus et les vices de la population, avec un effet comique. Un type de représentation caractéristique, combinant des éléments du portrait, de l’histoire et de la peinture de genre, est la"tronie" (la plus célèbre à cet égard est La jeune fille à la boucle d’oreille de Jan Vermeer) : une seule figure en demi-longueur ou en gros plan, saisie dans un état d’esprit ou une expression inhabituels. Alors que l’académie considérait la peinture d’histoire, catégorie qui comprenait également les sujets bibliques, mythologiques et allégoriques, comme la forme la plus élevée de la peinture, le goût et la sensibilité du Siècle d’or néerlandais préféraient les œuvres représentant des sujets ordinaires.

Styles des plus grands artistes Hals, Rembrandt et Vermeer

Le rendu de la lumière et du clair-obscur dans l’œuvre, devenu central dans l’art, réunit les travaux des trois grands maîtres Frans Hals, Rembrandt van Rijn et Jan Vermeer.

Frans Hals (Anvers, 1580 - Haarlem, 1666) est l’un des premiers pionniers de la peinture néerlandaise du Siècle d’or. Il s’est concentré sur le portrait, les effets de clair-obscur, en particulier dans la représentation des visages, conférant à ses personnages une intensité expressive et une forte caractérisation. Au cours de sa longue carrière, il a suivi une inspiration plus libre et plus personnelle, sans influences académiques ou plus facilement commerciales. Entre 1620 et 1635, il aborde des thèmes inspirés du Caravage, choisissant de représenter principalement des gens ordinaires et établissant le genre du portrait de groupe qui devient propre à l’art hollandais, conçu comme une célébration de l’harmonie civique. Il atteint la célébrité avec Banquet des officiers de la garde civique de Saint-Georges (1616), et voit entre autres Réunion des officiers de la compagnie de Saint Hadrien (1627). Yonker Ramp et sa fiancée (1623), représentant un couple dans un moment joyeux, montre la vivacité de son coup de pinceau rapide, lâche et perceptible sur la surface et un changement dans le style de peinture vers des modèles détendus et joyeux. Son œuvre a influencé de nombreux peintres ultérieurs.

Rembrandt (Leyde, 1606 - Amsterdam, 1669) est généralement considéré comme l’artiste le plus important de l’histoire de l’art néerlandais, célèbre pour ses gravures et ses portraits, il était à la fois innovant et prolifique. L’une de ses plus grandes contributions est d’avoir transformé le processus de gravure d’une technique de reproduction en une véritable forme d’art, et d’avoir établi la norme dans la représentation picturale des sentiments humains, des imperfections et de la moralité. Incroyablement doué, dès ses premières peintures, il a montré un intérêt pour les effets dramatiques de la lumière et de l’ombre qui domineront ses œuvres ultérieures. Observateur attentif de la vie, il se consacre à l’étude de la figure et de l’expression humaines. Son œuvre est très variée, allant des scènes historiques, bibliques et mythologiques aux paysages, aux scènes de genre et aux nus.

Il commença par des études de son propre visage et des autoportraits, dont une centaine nous sont parvenus(Autoportrait aux cheveux ébouriffés, 1628 ; Portrait de l’artiste en vieillard, 1660), et devint un portraitiste important et recherché. Cependant, son intérêt pour la peinture d’histoire ne s’est jamais démenti.

La grandeur de Rembrandt repose sur la force de la caractérisation, l’élément narratif et l’utilisation dramatique de la lumière. Des scènes de groupe saisissantes(La leçon d’anatomie du docteur Nicholas Tulp (1632) ; Veille de nuit (1640-42)) aux portraits de personnages individuels, il se concentre sur la description introspective de ses modèles, qui émergent presque toujours d’une obscurité impénétrable et mystérieuse. À mesure qu’il mûrissait, son utilisation de la couleur reflétait une réflexion intense et douloureuse sur la vie. Les valeurs chromatiques et émotionnelles de la lumière ajoutent de l’intensité aux personnages de manière réaliste, soulignant leurs gestes spontanés par rapport au public à l’extérieur du tableau(Les maires à la guilde des tisserands d’Amsterdam, 1662). Les variations du coup de pinceau entre lâche et rugueux, et la manipulation des textures par grattage ou à l’aide d’un couteau à palette, ont grandement contribué à créer un style distinctif radicalement nouveau qui allait influencer les générations à venir.

Jan Vermeer (Johannes van der Meer ; Delft, 1632 - 1675) est considéré comme l’un des plus grands peintres de son époque historique naissante en raison de sa maîtrise technique et de la précision de son style. Il privilégie les atmosphères intimes et les scènes de la vie quotidienne mettant en scène des femmes s’adonnant à une grande variété d’activités domestiques, dont La jeune fille à la boucle d’oreille perlée (1665) est une icône universelle : de la cuisine à la couture, en passant par l’étude d’un instrument de musique(Femme en bleu lisant une lettre, 1663). Les couleurs et les pigments intéressaient au plus haut point Vermeer, qui était connu pour son mélange exquis de teintes éthérées et d’effets de transparence exprimant le jeu de la lumière sur la peau, les tissus et les pierres précieuses de ses personnages. Le réalisme des intérieurs de Vermeer, aux couleurs vives, construit un récit de l’époque, voire des métiers(La laitière, 1658-1659 ; L’astronome, 1668), de la mode et des tendances. Dans la construction des formes et des proportions, les personnages et les environnements sont minutieusement décrits et chargés de symbolisme, voir L’Allégorie de lapeinture (1666) ou L’Allégorie de la foi (1670-74).

Sa production peu abondante - on connaît à ce jour moins de quarante de ses tableaux - a été redécouverte au milieu du XIXe siècle par la génération des impressionnistes et post-impressionnistes tels que Manet et Seurat, frappés par sa conception novatrice de la lumière et son traitement original de la couleur.

L’énorme succès de la peinture hollandaise du XVIIe siècle a façonné le travail de toutes les générations suivantes en Hollande, mais aussi en Europe et dans le monde entier.

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