Luigi Ontani, l'art comme jeu et amusement. La vie, l'œuvre, le style

Luigi Ont ani (Vergato, 1943) est un peintre, sculpteur et photographe qui est l’une des figures de proue de l’art italien de la seconde moitié du XXe siècle. Ontani a toujours eu une approche totalement libre de son art, sans aucune convention ni limitation. En fait, il a maîtrisé différentes techniques et, au fil des ans, il a également appris à travailler avec différents matériaux, convaincu que l’art doit être un moment de jeu et de divertissement et qu’il ne doit donc pas se prendre au sérieux.

Sur la base de ce concept, Ontani utilise généralement des couleurs très vives, qui rappellent le jeu et l’enfance, et devient le protagoniste de ses œuvres en se déguisant, souvent même en personnages illustres de la mythologie ou de la littérature. Ses personnifications de Dante, Pinocchio, Léda et le cygne et bien d’autres sont célèbres, créant ainsi des “tables vivantes”. Au fil du temps, Ontani s’intéresse également aux concepts de motif et de répétition gestuelle, qu’il étudie dans certaines vidéos réalisées avec des caméras amateurs. En outre, il va au-delà duhappening, qui s’arrête au moment où la performance se termine, et préfère donc la photographie, qui cristallise son geste artistique dans le temps.

La vie de Luigi Ontani

Luigi Ontani est né le 24 novembre 1943 à Vergato, une petite ville près de Bologne, pendant la Seconde Guerre mondiale, et il a raconté avoir été déplacé de son lieu de naissance pendant son enfance. Dans les années 1960, il s’est rendu à Turin pour effectuer son service militaire. Une fois arrivé dans cette ville, il commence à fréquenter pendant son temps libre les musées et les galeries d’art contemporain les plus avant-gardistes, comme la galerie Il Punto, où il rencontre des galeristes et des artistes émergents du calibre de Carla Accardi, Mario Merz et Gruppo Zero.

Entre-temps, Ontani commence à s’intéresser à la littérature contemporaine, en particulier aux poèmes de Guillaume Apollinaire et aux écrits de Luigi Pirandello, qui le fascinent pour leur sens de l’aventure, leur attrait pour l’exotisme et pour les éléments de transgression compatibles avec ses inclinations et surtout avec ses intentions artistiques personnelles. Après un intermède à Turin, Ontani retourne à Vergato en 1965 et peint avec différentes techniques qu’il étudie d’abord en autodidacte, puis en suivant un cours de nu gratuit à l’Accademia delle Belle Arti de Bologne. C’est à Bologne qu’il organise sa première exposition personnelle, en 1967, à la Galleria San Petronio. En 1970, il s’installe à Rome et l’environnement culturel animé de la capitale l’amène à pousser plus loin ses expérimentations.

En 1972, il est invité à participer pour la première fois à la Biennale de Venise, où il exposera à plusieurs reprises jusqu’en 2003. Il reçoit plusieurs prix internationaux importants et, en 1977, il expose ses œuvres à New York, à la Sonnabend Gallery. Par la suite, il participe à plusieurs expositions à Paris, Londres, Bruxelles, Zurich, Munich, Anvers, Belgrade et de nouveau aux États-Unis. Entre-temps, la fascination d’ Ontani pour l’exotisme et l’Orient culmine avec son premier voyage en Inde, au cours duquel il rencontre et noue des relations étroites avec un certain nombre de photographes. Il poursuit ses explorations jusqu’en Indonésie, tombe sous le charme de l’île de Bali et revient de cette expérience avec plusieurs éléments d’inspiration pour son art, tels que des masques.

Alors qu’il continue à voyager entre l’Est et l’Ouest, Ontani est considéré dans les années 1990 comme l’un des artistes italiens les plus importants au niveau international. Il continue d’exposer ses œuvres dans les plus grands musées du monde, tels que le musée Guggenheim à New York, le Centre Pompidou à Paris, le Reina Sofia à Madrid, et participe à de nombreuses biennales, non seulement à Venise, mais aussi à Sydney et à Lyon.

L’œuvre et le style de Luigi Ontani

Luigi Ontani est un artiste particulier qui a toujours préféré évoluer sur un terrain non-conformiste. Dès le début, il a mené des réflexions et des recherches sur certains contrastes idéologiques typiques du XXe siècle, à savoir l’union entre le sacré et le profane, entre la mythologie et la fable, entre la culture orientale et la culture occidentale. Fondamentalement, Ontani pense que l’art est toujours un moment de plaisir et d’évasion de l’ordinaire, c’est pourquoi son approche est souvent ludique et surtout libérée de toute convention. En effet, il utilise diverses techniques, privilégie des objets et des images souvent dénués de sens, et devient directement un support artistique en se faisant photographier avec des masques ou en se faisant passer pour des personnages, franchissant ainsi la frontière entre l’art et l’artiste.

Dans les années 1960, il commence à créer ses premières œuvres, des sortes de “ready-made” réalisés à partir de matériaux trouvés dans l’usine Maccaferri où il travaillait. Il prend une pédale de démarrage de voiture et y attache une lampe céleste à l’aide d’un fil électrique, baptisant l’œuvre du nom de Pedal Guardian Angel (Pédale Ange Gardien) . Il expose cette première œuvre au Palazzo dei Diamanti de Ferrare, puis à la galerie de Luciano Inga Pin à Milan. Il réalise ensuite un autre ready-made très similaire en utilisant des ampoules colorées pour représenter le drapeau tricolore italien.

Puis, en 1965, il commence à produire ce qu’il appelle des “objets pléonastiques”, appelés ainsi précisément parce que, comme leur nom l’indique, il s’agit d’objets superflus qui n’ont pas d’usage spécifique. Il s’agit de moulages d’objets quotidiens réalisés à partir de scagliola, un type de plâtre spécial généralement utilisé dans la construction. Une fois secs, les moulages étaient peints à la détrempe de couleurs vives, rappelant le monde de l’enfance, et Ontani les utilisait comme des talismans, les portant souvent sur lui ou les suspendant à des arbres. Avec ces objets, Ontani a voulu donner une vision de la sculpture qui ne doit pas se prendre au sérieux, loin à la fois de la solennité des grandes statues et du design, sous une forme délibérément amateur.

Comme indiqué dans la biographie, Ontani a maîtrisé librement différents matériaux et techniques: en effet, dans les années 1960 encore, il créait des sculptures en carton ondulé et en caoutchouc mousse, qu’il suspendait dans une pièce appelée la “Salle des Simples”. En outre, il s’est souvent essayé à la photographie, fasciné par la possibilité qu’offre cette technique de cristalliser dans le temps le geste de l’artiste, dépassant ainsi le caractère insaisissable des happenings réalisés par nombre de ses contemporains.

Les photographies d’Ontani ont certains éléments en commun: le protagoniste est toujours l’artiste lui-même, qui joue le rôle de grandes figures historiques, mythologiques ou littéraires. En outre, deux formats sont privilégiés: la miniature et la gigantographie. Une célèbre photographie gigantographique est Léda et le cygne (1975), dans laquelle l’androgynie, un autre des thèmes favoris de l’artiste, est exaltée. Dans cette scène, Ontani incarne lui-même Léda, le personnage mythologique qui rejoignit Zeus transformé en cygne, tout en embrassant le bec d’un véritable cygne et en portant des drapés de trois couleurs: rose (représentant le féminin), bleu (représentant le masculin) et jaune (représentant l’androgynie).L’une des premières œuvres photographiques d’Ontani est Ange Infidèle (1969), qui s’avère être le premier de ses célèbres “tableaux vivants”, dans lesquels le protagoniste est lui-même, afin d’exalter le concept de narcissisme. Ces tableaux vivants, au nombre de 30, consistaient à recréer une scène donnée avec des acteurs costumés qui restaient dans la pose préétablie sans jamais bouger ni parler, comme s’ils faisaient partie d’un tableau. Leur nature repose précisément sur le concept d’immobilité, “comme s’il s’agissait d’apparitions”, selon les propres termes de l’artiste, toujours présent à la première personne sous les traits de divers personnages célèbres, tels que Pinocchio, Dante, Saint-Sébastien ou Bacchus.

À la fin des années 1960, l’artiste avait déjà exploré le format vidéo, utilisant des caméras du modèle “Super 8 millimètres” pour se filmer en train de faire des gestes répétés, abordant cette technique avec un intérêt centré sur le rituel et la mécanique des motifs. Dans les années 1970, ses voyages en Indonésie l’amènent à cultiver une fascination et une réflexion sur le masque, qui, d’objet à porter sur soi, devient un moyen de représenter le voyage et les différents groupes ethniques. Durant ces années, il se consacre également à ce qu’il appelle les “hybrides”, synthèse de l’expression “hybridation des idoles”, c’est-à-dire le tracé de sculptures existantes avec des matériaux différents de l’original. Il les réalise en papier mâché, en céramique, en bois, en verre et en techniques mixtes. Entre-temps, avec l’arrivée des années 1980, sa production s’oriente de plus en plus vers une dimension onirique et surréaliste, combinée à un intérêt sincère pour l’artisanat. C’est d’ailleurs de cette époque que datent certains tableaux aux figures très élancées tirées de la mythologie. Il est intéressant de souligner qu’Ontani a continué à aborder de nouvelles techniques manuelles au cours de ces années, ce qui lui a permis de créer différentes variantes sur des thèmes et des sujets récurrents.

Les travaux des années 1990 concernent surtout la porcelaine et c’est à cette époque qu’il entame une collaboration fructueuse avec la Bottega Gatti de Davide Servadei à Faenza, qui débouche sur les ErmEstEtiche, une série de statues en céramique peinte et en or pur. Parmi elles, SanSebastianSagittariO reprend le personnage de Saint Sébastien, déjà incarné à plusieurs reprises par Ontani, qui devient le symbole de la vocation artistique, pour laquelle le martyr religieux s’est sacrifié pour sa foi. Sganontano, qui représente Sganapinio, le masque typique du carnaval de Bologne, créé en 1877 par le marionnettiste et acteur dialectal Augusto Galli. Le nom du personnage dérive de l’expression dialectale “sganappar”, qui indique l’action de manger rapidement une grande quantité de nourriture, mais dans ce cas, Ontani insère dans la statue plusieurs références à l’auteur-compositeur-interprète Lucio Dalla: Derrière la tête se trouve une auréole, qui est en fait un disque d’or, les cheveux rappellent une flasque de vin, que l’on trouve dans les tavernes que Dalla fréquentait, une jambe est transformée en patte de loup, référence évidente à la chanson Attenti al lupo, et enfin il y a plusieurs symboles de Bologne comme les tortellini qui remplacent les boutons de sa veste et la chaussette aux couleurs rouge et bleu des armoiries de la ville.

Parmi les œuvres les plus récentes d’Ontani, on peut citer les vitraux du Palais des Capitaines de la Montagne à Vergato, réalisés en 1998, dans lesquels il représente les âges de l’homme, les saisons et les éléments, ainsi qu’une grande statue intitulée NapoLeonCentAurOntano (c. 2003). La statue, réalisée en céramique et pesant environ six quintaux, représente l’homme d’État français dans une version mi-homme, mi-cheval, reposant sur un socle en forme d’île d’Elbe. Enfin, la dernière expérimentation d’Ontani concerne les mosaïques, pour lesquelles il a collaboré avec le mosaïste Costantino Buccolieri pour un panneau placé dans la station Materdei du métro de Naples.

Où voir les œuvres de Luigi Ontani

Dans la mairie de Vergato, ville natale d’Ontani, le “Musée Ontani” a été aménagé avec diverses œuvres offertes par l’artiste lui-même. On peut y admirer les ErmEstEtics, diverses photographies des Tableuax Vivants, quelques statues dont AlnusThaiAurea Siam, “l’aulne aux masques”, placée en plein centre de la salle, et une œuvre à l’encre et à l’aquarelle intitulée GaneshDafne gaio, Giove et Ganimede, Gallo e Alloro col col gorilla goloso dell’uovo d’oro.

Dans la salle du conseil de la commune de Vergato, à l’étage au-dessus du “Musée Ontani”, on peut également visiter les vitraux représentant les âges de l’homme, les saisons et les éléments réalisés en 1998, mentionnés ci-dessus.

D’autres œuvres d’Ontani sont conservées au MART - Musée d’art moderne et contemporain de Trente et Rovereto, à savoir la photographie Tre gladioli d’Adone tentazione (1972), les peintures Pteros Temple (1985) et Angeliko man Kauffmann caffé (1980-86) et la sculpture Arlemarlecchino (1991-94).

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